Mirando Al Cielo
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Rosa Basurto est une photographe espagnole autodidacte qui, en peu de temps, a acquis une grande renommée pour son travail original et stylisé. Peintre à l'origine, et malgré l'absence de formation photographique formelle, Basurto fait preuve d'une maîtrise très impressionnante des différentes techniques photographiques, produisant des images au style poétique et créant un monde imaginaire et onirique dans un paysage apparemment naturaliste. Bien que chaque image présente des sujets réalistes, tels que des arbres et des oiseaux en vol, les espaces qu'ils occupent dans les photographies de Basurto créent une atmosphère alternative, intime, presque mystérieuse - un paysage plus sombre de l'imagination. Le travail de Basurto a fait l'objet de diverses expositions collectives et individuelles en Espagne, au Portugal et en France. Son travail a été largement reconnu et a reçu plusieurs prix, notamment le prix du jury pour "Historia de Invierno", PhotoEspaña, 2010, le 1er prix de la Bienal Internacional SICAFI, Argentine en 2008 et a également été sélectionné pour le Descubrimientos, PhotoEspaña en 2008 et la X Biennal Internacional AQÜEDUCTE, "European Wildlife Photographer of the Year" dans la catégorie "Landscapes" en 2007. Récemment, Basurto a obtenu le deuxième prix dans la catégorie des paysages terrestres et marins lors de la troisième édition du prix Julia Margaret Cameron, au Royaume-Uni. Elle a également reçu une mention honorable lors de la remise des prix "Curator's Voice" APA SF + Carte Blanche Gallery "(Un) Familiar" à San Francisco.
Pleins feux sur les Art expressionist
Alors que le terme "expressionniste" est utilisé pour décrire tout art qui évite le naturalisme et utilise à la place un usage audacieux de formes aplaties et un travail de pinceau intense, L'art expressionniste décrit formellement les œuvres européennes du début du XXe siècle qui s'inspirent du Symbolisme et s'attaquent à des questions telles que l'urbanisation et le capitalisme. Les artistes expressionnistes ont expérimenté dans les peintures et les gravures des perspectives biaisées, l'abstraction et des couleurs vives non conventionnelles pour dépeindre l'isolement et l'anxiété ressentis plutôt que l'apparence du monde.
Entre 1905 et 1920, les artistes autrichiens et allemands, en particulier, se sont inspirés des Postimpressionnistes tels que Paul Gauguin et Vincent van Gogh dans leurs efforts pour rechercher une nouvelle authenticité dans leur travail. Dans ses motifs géométriques et ses détails décoratifs, l'art expressionniste était également marqué par des sources éclectiques telles que l'art populaire allemand et l'art populaire russe ainsi que l'art tribal de l'Afrique et l'Océanie, que les adeptes du mouvement ont pu observer dans les musées et les expositions universelles.
Des groupes d'artistes se sont réunis pour partager et promouvoir les thèmes aujourd'hui associés à l'expressionnisme, comme Die Brücke (Le pont) à Dresde, qui comprenait Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner et Karl Schmidt-Rottluff et qui étudiait l'aliénation et la dissolution de la société dans des couleurs vives. À Munich, Der Blaue Reiter (Le Cavalier bleu), un groupe dirigé par Wassily Kandinsky et Franz Marc, a insufflé à l'expressionnisme une recherche de vérités spirituelles. Dans son tableau emblématique Le cri, le prolifique peintre norvégien Edvard Munch transmet un trouble émotionnel à travers la représentation d'éléments environnementaux, tels que le ciel menaçant.
L'expressionnisme s'est déplacé vers le début de la Première Guerre mondiale, les artistes utilisant davantage d'éléments grotesques en réaction à l'escalade de l'agitation et de la violence. La gravure était particulièrement populaire, car elle permettait aux artistes de diffuser largement des œuvres qui abordaient des questions sociales et politiques en cette période de bouleversements. Bien que le mouvement artistique ait pris fin avec la montée de l'Allemagne nazie, où les créateurs expressionnistes ont été qualifiés de "dégénérés", les idées radicales de ces artistes ont influencé le néo-expressionnisme qui a émergé à la fin des années 1970 avec des peintres tels que Jean-Michel Basquiat et Francesco Clemente.
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La photographie en couleur évoque une émotion qui peut faire entrer le spectateur dans la scène. Il peut nous transporter dans des endroits lointains ou dans le passé.
La première photographie en couleur, prise en 1861, était plus un exercice de science que d'art. Le photographe Thomas Sutton et le physicien James Clerk Maxwell ont utilisé trois expositions distinctes d'un ruban écossais - filtrées en rouge, vert et bleu - et les ont composées en une seule image, ce qui a donné lieu à la première représentation multicolore d'un objet.
Avant cette innovation, les photographies étaient souvent teintées à la main. Dans les années 1890, des procédés de photographie en couleur ont été introduits sur la base de cette expérience des années 1860. Au début du 20e siècle ( ), les autochromes ont permis à la photographie en couleur d'atteindre un public commercial.
Aujourd'hui, la photographie en couleur est largement disponible, et ces photos historiques documentent des moments et des scènes qui sont encore vifs des générations plus tard. Les photographes des XXe et XXIe siècles ont offert de nouvelles perspectives dans le domaine en pleine évolution de la photographie moderne en couleur avec des portraits saisissants, des paysages enneigés, une architecture étonnante et bien d'autres choses encore.
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