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Sculptures d'Edward H. Bohlin

Américain, 1895-1980

Né en 1895 en Suède, Edward Billing s'enfuit de chez lui à l'âge de 15 ans et gagne l'Amérique à bord d'une immense goélette à quatre mâts, avec en tête des rêves du Far West de Buffalo Bill Cody. Bohlin a travaillé dans les parcs à bestiaux du Montana avant d'ouvrir son premier atelier de sellerie à Cody, dans le Wyoming, où il faisait des tours de corde devant sa boutique pour attirer les clients. Il a rencontré Tom Mix alors qu'il se produisait au Pantages Theatre à Hollywood et Mix a convaincu Ed de rester et de produire des articles en argent et en cuir dans la région de Los Angeles. De ses humbles débuts à sa célébrité à Hollywood pour des pièces haut de gamme, il a fabriqué plus de 12 000 selles Bohlin, dont de nombreuses tenues de grand argent de la célèbre Tournament of Roses Parade. Il a également habillé de nombreux héros du grand écran et leurs chevaux avec ses boucles, éperons et ceintures d'armes de grand style. Son entreprise était sans équivalent parmi les orfèvres de style occidental et s'est forgé une réputation de qualité de fabrication irréprochable. La société Edward H Bohlin, qui a fonctionné du début des années 1920 jusque dans les années 1980 (sous l'œil vigilant d'Ed, mais qui continue à fonctionner sous d'autres propriétaires), a atteint son apogée dans les années 1930, à l'époque où les cow-boys d'Hollywood régnaient en maîtres. Bohlin avait le souci du détail et employait les meilleurs orfèvres et maroquiniers de son époque pour satisfaire des clients exigeants, dont Mae West, Hopalong Cassidy, Monte Mont, Lyndon Johnson et Ronald Reagan. Bohlin Saddles Roy Roger's Diamond Special Bohlin Saddle Ed Bohlin était connu pour ses selles de parade magnifiquement fabriquées.

Perfectionniste dans le bon comme dans le mauvais sens, il n'a jamais accepté rien de moins que la meilleure qualité d'exécution. Le cuir de ses selles grince encore après 60 ans. L'argent n'a besoin que d'un chiffon pour être nettoyé, car il est de la plus haute qualité. Avec ses artisans, il a fabriqué de nombreuses pièces à la main, en particulier les figures en or sur ses selles. Ses sculptures étaient étonnantes et reconnaissables. De nombreux clients de High Noon se souviennent d'être entrés dans la boutique de Bohlin lorsqu'ils étaient enfants et que leurs pères achetaient des selles, des boucles, des ceintures, des bolos et des pinces à billets. Un jour, les enfants ont également reçu un cadeau spécial de la part de leur père. Quelques selles pour enfants (le modèle Jackie Cooper) ont été fabriquées pour être assorties à celles de leurs pères pour les défilés. Le modèle Tim McCoy et d'autres ont été fabriqués pour les stars de l'époque. Fiesta était une véritable œuvre d'art, tant au niveau de l'argent que de la sculpture picturale. Le Hille était l'un de ses brillants modèles, monté avec un design indien et Tepee avec des collines lointaines, le tout réalisé en trois tons d'or. Les Dickson ont été utilisés à de nombreuses reprises pour les cavaliers qui souhaitaient briller de mille feux lors des défilés.

Les selles Bohlin ont toujours eu une valeur supérieure à celle des autres fabricants et ont conservé leur valeur au fil des ans. Les cavaliers et les collectionneurs de Western Americana réclament toujours les boucles Bohlin, qu'ils aient l'intention de monter à cheval avec elles ou seulement de les exposer fièrement dans leur bureau ou leur salon en tant qu'œuvres d'art. Boucles Bohlin La boucle en or filigrané d'Eleg H. Bohlin Ed voulait que les cavaliers de ses selles soient élégants et s'accordent avec la beauté et l'art de leur tenue. Pour habiller ses cavaliers, il fabriquait des gilets, des chaps, des ceintures, des ceintures de revolver, des bolos, des bandeaux de chapeau et des boucles assortis. Les boucles les plus personnelles de Bohlin ont été fabriquées, certaines de sa main. Il fabriquait des boucles en l'honneur des chevaux, des longhorns, des rodéos, des ranchs et des femmes. Il a utilisé de l'argent sterling, de l'or (en 3 couleurs), des rubis et des diamants. Il a découpé les métaux pour former des superpositions de dentelles et a lié les bords pour qu'ils ressemblent à de la corde. Les ceintures d'armes assorties étaient fabriquées dans le même cuir fin que les selles, avec les mêmes élégantes taches et gravures en argent. Des poignées spéciales ont été fixées sur des Colts et d'autres pistolets et fusils de chasse, toutes en argent sterling et en or, avec des boucles assorties. Les éperons de Bohlin sont également très convoités.

Bohin a fait de la magie avec de simples ébauches de Crockett, lorsqu'il les a recouvertes d'argent fin et d'or, en fabriquant des bracelets en cuir et des conchos assortis. Il en va de même pour les mors, très recherchés, qui s'harmonisent avec les coiffes et les cols de poitrine des tenues de parade. Bohlin avait également le sens de l'humour et fabriquait tout ce que les clients voulaient. Mae West était l'une de ses préférées et il lui a fabriqué un téléphone en argent sterling. Il fabriquait des cadres photo en argent, des épingles, des conchos, des bolos, des sacoches et des ensembles de bureau. Bohlin aimait ses clients et ceux-ci l'aimaient. Les souvenirs d'Up&Up dans son magasin sont encore vifs lorsque vous passez cette ceinture en cuir autour de votre taille et que vous la fermez avec la boucle d'Up&Up.

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Artiste: Edward H. Bohlin
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années 1930 Réalisme Sculptures d'Edward H. Bohlin

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Inspiré par Donatello et Luca della Robbia, mais aussi par des peintres comme Piero della Francesca, Benozzo Gozzoli et Pinturicchio, le "Florentine Singer" n'est pas une œuvre épigonale qui rendrait hommage à une époque révolue, mais une tentative réussie de puiser de la vitalité dans l'art du passé et de lui donner ainsi une nouvelle vie. L'effet de vitalité est au cœur de la théorie artistique de la Renaissance italienne. Pour se réaliser en tant qu'art, l'art devait apparaître comme la nature. Ce naturalisme caractérise également le "Florentine Singer". Le jeune homme semble avoir été arraché à la vie, ce qui est renforcé par le caractère momentané de son action. Il vient de faire vibrer une corde sensible qui est en train de s'estomper. En outre, l'aspect naturel est renforcé par le façonnage minutieux des détails figuratifs, tels que les lacets avec le cuir légèrement incurvé des chaussures, la boucle de ceinture ou l'ornementation sur le corps du luth. Même les ongles sont clairement définis. Cependant, contrairement à la Renaissance, l'effet de vivacité ne repose pas ici sur la "découverte" de la Nature et du corps humain, mais avant tout sur la redécouverte de l'art du Quattrocento. La vivacité de l'œuvre est donc en même temps une revitalisation de cet art, de sorte que l'on peut parler d'une Renaissance de la Renaissance, tout comme les préraphaélites en Angleterre ont en même temps transféré le Quattrocento à l'art contemporain. Dubois s'attaque au sujet le plus difficile qui soit, la représentation du chant par le biais de la sculpture silencieuse. Il a été précédé par Luca della Robbia et Donatello avec leurs chaires de chanteurs créées dans les années 1430 au Museo dell'Opera del Duomo à Florence. Par rapport à ces œuvres, la physionomie du chanteur Dubois est beaucoup moins animée, mais il représente aussi le chant de manière convaincante. Il utilise tout le corps. Il prend l'ancien contrapposto, essentiel à la sculpture de la Renaissance, et transforme la posture debout de jeu de jambes en un balancement en S de la fin du Moyen Âge, donnant au corps une beauté élégante et le mettant en même temps en mouvement mélodique. Dans la position des doigts, tout aussi élégante, la musique s'exprime de manière beaucoup plus littérale avec les battements du luth. Enfin, la musicalité de la sculpture culmine dans le visage à la bouche ouverte pour chanter. Par l'acte de chanter, qui est un grand défi à la volonté artistique de représenter la beauté parfaite, la grâce du visage classique n'est pas diminuée, mais mise en valeur. À partir du visage à la bouche chantante et du regard absorbé par les sons, la vitalité intérieure se diffuse, donnant à la sculpture en bronze une aura intense, renforcée par la musique. Dubois transfère la beauté de la Renaissance à la musique, sublimant la sculpture visible à l'invisible de la musique. Il relève le défi de transcender la Renaissance par la Renaissance, répondant ainsi à la Querelle des Anciens et des Modernes, née à la fin du XVIIe siècle autour de l'Académie française et restée virulente jusqu'au XIXe siècle, dans laquelle l'Antiquité était considérée soit comme un idéal inaccessible, soit comme une norme à dépasser. Avec son œuvre, Dubois a prouvé que la Renaissance, qui avait défendu l'art des anciens, pouvait déboucher sur une nouvelle renaissance de l'art. A propos de l'artiste Le grand-oncle de Paul était le célèbre sculpteur baroque français Jean-Baptiste Pigalle, dont le talentueux petit-neveu a suivi les traces. Lorsqu'il débute au Salon de Paris en 1858, il signe son œuvre "Dubois-Pigalle". Cependant, à la demande de son père, il étudie d'abord le droit avant de se consacrer à la sculpture sous la tutelle de François Christophe Armand Toussaint en 1856 et d'entrer à l'École des Beaux-Arts en 1858. De 1859 à 1863, il vit à Rome et se rend à Naples et à Florence. Inspiré par l'art florentin du quattrocento, Dubois a initié un style néo-florentin formant une école, qui combine les formes élégamment simples de la grâce juvénile avec une richesse précise de détails.Deux achats de l'État français ("envois de Rome...
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