Marcus Hodge Art

Andre Cottavoz (français, 1922-2012) Sans titre, scène parisienne avec multitude de drapeaux français. Toile sur panneau, encadrée. Cadre : 20 1/2" ...

"Fabrication du papier" WPA Scène industrielle américaine du milieu du siècle Réalisme social Travailleurs Douglas Crockwell (1904-1968) "Fabrication du papier" 19 x 39 pouces Huile...

Cette peinture fait partie de l'exposition actuelle intitulée "La fantastique histoire de la montagne liquide" à la galerie Claire Corcia à Paris. La montagne liquide est peuplée d'êtres vivants au cœur végétal. Ils errent librement (nous semble-t-il *) entre la terre et l'air à la recherche de leurs racines. Ils se baignent et se transforment dans des bassins de cristal liquide. Au loin, des montagnes flottantes passent de zones sèches à des zones humides et des arbres poussent là où on le leur conseille. La montagne liquide est parfois rouge comme le sang, comme le feu, parfois jaune comme le citron ou bleu comme le cobalt ou l'outremer. Elle est instable, comme les saisons. Depuis plusieurs années, Hélène...

Joueurs d'échecs WPA Depression Era Mid-20th Century American Scene Realism Modern. Signé en haut à droite et au verso 8 x 10 pouces huile sur carton. BIO Fils d'un mercier, Mervin ...

Scène d'intérieur en studio Milieu du XXe siècle Moderne américain WPA Nature morte Réalisme Le tableau mesure 10 x 12 pouces. Encadrée, l'œuvre mesure 13 1/4 x 15 1/2 pouces. C.C....

Egron Sellif Lundgren (1815-1875) Suède Intérieur d'une cuisine, c. 1840 huile sur papier posé sur carton, avec l'inscription "Lundgren Nr. 15" au verso. non encadré 27,5 x 20,5 cm...

Huile sur toile Signé en bas à droite Travail unique 1 / Hélène DUCLOS, 2016 - Déclaration de l'artiste " Questionner la condition humaine et la position d'être vivant - Qu'est-ce q...

Nature morte du début du 20e siècle avec vase attribuée à l'école américaine encadré : 32 x 28 pouces

Voici une peinture à l'huile captivante de Johan Christoffer Boklund (1817-1880). L'œuvre représente un jeune garçon s'exerçant à la peinture. Assis à côté de lui, il y a un cheval d...

Huile sur toile Signé Travail unique 1 / Hélène DUCLOS, 2016 - Déclaration de l'artiste " Questionner la condition humaine et la position d'être vivant - Qu'est-ce qu'être un être v...

Nature morte Scène américaine Réalisme social 20e siècle Woodstock Modernity Dudensing Konrad Cramer (1888 - 1963) "Bol et serviette en verre noir 16 ½ x 14 pouces Huile sur panneau Chantée en bas à droite Titré et daté 1928 au verso Provenance : Étiquette de la Zabriskie Gallery (a) Gallery verso (a) Gallery Gallery (a) Gallery (a) Gallery (a) Gallery (a) Gallery (a) Gallery (a) Gallery (a) Gallery (a) Gallery (a) Gallery (a) Gallery (a) Encadré 21 1.4 x 18 ½ inches BIO Konrad Cramer est né et a grandi à Wurtzburg, en Allemagne, dans une famille d'artistes. Sa mère était chanteuse d'opéra et son oncle était un peintre réputé de natures mortes. Cramer a suivi une formation artistique à l'Académie de Karlsruhe auprès de Ludwig Schmidt-Reutte et d'Ernest Schurth. Il s'est intéressé à l'avant-garde allemande dès le début de sa scolarité en découvrant les œuvres expérimentales de Wassily Kandinsky et de Franz Marc, qui l'ont encouragé dans cette voie. Les paysages cubistes de Paul Cézanne ont eu une influence supplémentaire sur le développement artistique de Paul. En 1911, Cramer a rencontré et épousé l'artiste américaine Florence Ballin qui voyageait en Allemagne cette année-là. Le couple a d'abord voyagé en Allemagne, visitant les expositions et les studios des artistes d'avant-garde du pays. Cramer s'installe ensuite avec sa femme à Woodstock, dans l'État de New York, où Ballin peignait avec l'Art Students League chaque été depuis 1906. Cramer s'est fait une réputation comme l'un des peintres les plus modernes de Woodstock avec une impressionnante série de peintures abstraites exposées au MacDowell Club en 1913. Dans les années 1920, Cramer a développé un style représentatif personnel qui mêlait des influences modernes et régionales. En 1920, Cramer a reçu une bourse Rockefeller pour étudier les méthodes d'éducation des artisans en Allemagne et en France. En 1922, il a accepté un poste d'enseignant à l'école de peinture de Woodstock et a participé à la création de l'association des artistes de Woodstock, dont il a été l'un des directeurs. Tout en enseignant et en peignant, Cramer a également appliqué son talent artistique à l'illustration et à la conception de textiles. Konrad Cramer a exposé pour la première fois au Whitney Studio Club en 1924 et a participé aux première et deuxième biennales du Whitney Museum of American Art en 1933 et 1935. Il a également été inclus dans l'exposition de 1935 Abstract Painting in America au Whitney. Cramer a ensuite été inclus dans l'exposition du Whitney Museum "Pioneers of Modern Art in America" (Pionniers de l'art moderne en Amérique) en 1946. Dans les années 1930, Cramer a participé à de nombreuses autres invitations de musées, notamment : le Carnegie International (1929, 1933, 1937, 1938) ; la Pennsylvania Academy of the Fine Arts (1934, 1936) et la Corcoran Gallery of Art (1935, 1937). En 1934, Konrad Cramer et sa femme se rendent au Mexique où ils réalisent de nombreuses peintures et dessins. De retour à Woodstock en 1935, Cramer rejoint brièvement le Federal Art Project, administrant le programme régional à Woodstock. Au milieu des années 1930, Cramer s'est mis à la photographie pour clarifier des questions esthétiques dans sa peinture. Cramer avait fait la connaissance d'Alfred Stieglitz à son arrivée en Amérique en 1911 et avait écrit un essai sur la 291 Gallery pour le magazine Camera Work de Stieglitz en 1914. Grâce à Stieglitz puis, dans les années 1930, à des compagnons de Woodstock comme Russell Lee, Cramer s'est intéressé aux possibilités de la photographie et a commencé à l'utiliser comme moyen d'expression artistique. Tout en continuant à peindre à la fin des années 1930 et dans les années 1940, Cramer partage sa passion pour la photographie en fondant la Woodstock School of Miniature Photography en 1936 ("Miniature" fait référence au format alors nouveau du film 35 mm). Il a également enseigné la photographie au Bard College de 1940 à 1946. Dans les années 1950, Cramer a collaboré avec Manuel Komroff...

Guy Pene du Boi (1884-1958) "Deux personnages dans une salle d'audience 16 x 22 pouces Huile sur papier monté sur, c. 1945 Encadré : 25 x 31 pouces Provenance : Galerie James Graham (a) Gallery Deux personnages dans une salle d'audience" de Guy Pene du Boi est une peinture à l'huile de style réaliste réalisée à l'époque de la WPA. Le modernisme à son meilleur L'œuvre est encadrée par Heydenryk. Pène du Boi descend d'immigrants français qui se sont installés en Louisiane en 1738 et a été élevé dans un foyer créole. Né en 1884 à Brooklyn, NY, il a d'abord étudié avec William Merritt Chase à la New York School of Art, puis a poursuivi sa formation avec Robert Henri. Parallele a été très impressionné par le credo d'HENRY selon lequel la "vraie vie" était un sujet pour l'art et, tout au long de sa vie, une philosophie réaliste a influencé son art ainsi que sa carrière parallèle, la critique d'art. En 1905, Pène du Boi se rend pour la première fois à Paris où il peint des scènes de gens à la mode dans des cafés, dans les tons sombres et les empâtements associés à l'Ashcan School. En 1920, il a atteint son style de maturité, caractérisé par des figures stylisées, arrondies, presque sculpturales, peintes avec des coups de pinceau invisibles. Les sujets de ses peintures sont souvent des membres de la société qu'il satirise gentiment. En 1924, Pène du Boi et son épouse, Floy, partent pour la France où ils resteront jusqu'en 1930. Returning to America présente des images produites par l'artiste après cette période très productive à l'étranger. Après avoir vécu cinq ans en France, Pène du Boi a pu observer la vie américaine avec un regard neuf. Son œuvre devient plus intense sur le plan psychologique et moins satirique. Dans Girl at Table, une blonde élancée contemple une petite statue qu'elle tient à bout de bras. Le sens est insaisissable, mais un puissant sentiment de nostalgie est évoqué. De même, des tableaux tels que Dramatic Moment et Jane sont tendus par un dialogue non résolu. Les deux images représentent des intérieurs mystérieux dans lesquels une femme seule attend anxieusement le dénouement d'une scène à suspense. D'autres images, par exemple les tables d'échecs, Washington Square et le bar, New Orleans, rappellent les origines ashcanes de Pene du Boi dans leur représentation des divertissements urbains. Au cours de cette période, le paysage devient un sujet important pour Pène du Boi. Girl Sketching et Girl in Deck Chair placent toutes deux le sujet féminin dans un cadre extérieur bucolique. Deserted Garden et Road under Hurricane Tree sont des paysages purs. Un aspect moins connu de la carrière de Pène du Boi est son implication dans les projets du WPA. En 1937, Pène du Bois...