20th Century Interiors Denver

"Friday Night Banquet" par l'artiste Ginny Lea (alias Ginny Young), 2020, Manhattan, Kansas. Fusion astucieuse du support et du message, cette impression métallique originale repre...

Classique et raffiné, ce bureau de direction de style Campaigner 1978 de Sligh Furniture allie un savoir-faire traditionnel à une fonctionnalité moderne. Ce bureau présente un acajou...

Rehaussez votre collection d'articles de bar vintage avec ce rare ensemble de 7 verres à shot Mid-Century Modern d'Anchor Hocking. Avec leur graphisme Florentine audacieux en rouge, ...

Exemple frappant du design de la verrerie du milieu du siècle, cet ensemble de 17 verres à double shot d'Anchor Hocking présente un motif Florentine emblématique dans des tons audaci...

Ajoutez une explosion de couleurs et un charme insolent à votre espace avec cette vibrante paire de sculptures en papier mâché peintes à la main en 2002 par l'artiste de Denver Kathy...

Superbe service de bar Blue Empress de Culver, Ltd. datant des années 1960, comprenant 5 verres "old fashioned" accompagnés d'une coupe à glace assortie. Le motif opulent est une mar...

Une superbe paire de miroirs en teck The Modern Scandinavian Modern, conçus par Kai Kristiansen et fabriqués par Aksel Kjersgaard au Danemark. Ces pièces exceptionnelles du milieu du...

Un lampadaire sculptural saisissant de Curtis Jeré - un pseudonyme pour l'art collaboratif de Curtis Freiler et Jerry Fels - et produit par leur société, Artisan House. Cette lampe...

Un étonnant globe terrestre des années 1970, monté sur un support en bronze minimaliste et élégant, rappelant le design intemporel de Paul McCobb. La base en bronze présente une be...

Grande étagère ronde de la fin du milieu du siècle, avec des étagères en verre légèrement fumé. Fabricant inconnu. La deuxième étagère se trouve à 44,5" de hauteur. La troisième éta...

Console élégante en tube chromé et verre de la fin du milieu du siècle, pouvant être utilisée de diverses manières - table de canapé, entrée, etc. Tablettes en verre en haut et en b...

Exemple étonnant du design moderniste français, cette table basse conçue par François Monnet pour Kappa incarne l'esthétique épurée et sculpturale des années 1970. La base, fabriquée...

Une sculpture murale brutaliste saisissante et dimensionnelle de l'artiste Jorge, signée et datant des années 1970. Cette composition unique en métal mixte présente un arrangement co...

Cette sculpture murale "Bicycles" de Curtis Jeré datant des années 1970 est un merveilleux exemple de l'art et du savoir-faire de Curtis Freiler et Jerry Fels, fondateurs de l'Artisa...

Cette captivante sculpture cinétique murale, conçue par Curtis Jeré - pseudonyme collectif des artistes Curtis Freiler et Jerry Fels - a été produite par leur société, Artisan House,...

Conçue par Curtis Jeré - le pseudonyme collectif des artistes Curtis Freiler et Jerry Fels - cette œuvre signée et datée "C.C. La sculpture murale "Jeré" a été produite par leur soci...

Conçue par Curtis Jeré - pseudonyme collectif des artistes Curtis Freiler et Jerry Fels - cette œuvre signée "C. La sculpture murale "Jeré" a été produite par leur société, Artisan H...

Un étonnant miroir à hublot de C.I.C. datant des années 1970, qui illustre l'esthétique sculpturale caractéristique du designer. Ce miroir mural d'inspiration nautique présente un ca...

Ce magnifique guéridon en travertin, fabriqué en Italie par Stone International en 1985, respire l'élégance et la sophistication. La grande plaque de travertin poli, au grain natur...

Ce guéridon en travertin de Stone International et les chaises de salle à manger Tonon - toutes deux fabriquées en Italie - forment un ensemble parfait et élégant. La table, fabriq...

Un ensemble saisissant de 6 chaises de salle à manger sculpturales par Tonon Italia pour Roche Bobois, fabriquées en bois cérusé avec des coussins d'assise recouverts de vinyle saumo...

Un adorable et rare fauteuil à bascule pour enfant de Cooey of Brighton. Produit dans les années 1950 dans l'Ontario, au Canada. Le cadre en chrome poli et le revêtement en vinyle i...

Coupe décorative elliptique moderniste italienne de Fratelli Fancuillacci. Fin des années 1950/début des années 1960, technique du sgraffite sculptée à la main, peinte et cuite. ...

Chaise et ottoman MS5 en noyer poli richement grainé par Henry Schubell pour Madsen et Schubell. Danemark, années 1950. En bon état. Rembourré en velours écrasé brun chocolat. Dimen...

Le charme fantaisiste de ce trio de sculptures en fonte d'aluminium signées Chris Petersen et datant des années 1970 - un chat, un hibou et un rare pélican - rehausse votre espace. ...

Un magnifique canapé et deux chaises longues conçus par Florence Knoll, achetés à Knoll Associates dans les années 1960. Remeublé en tissu Knoll en 2005. Le tissu texturé est un beige chaud léger et chiné avec des nuances subtiles de bleu/gris et des mouchetures noires occasionnelles dans le tissage de la tapisserie d'ameublement. Provenant de la succession de l'unique propriétaire. Canapé modèle 67a, dimensions : 91" L x 31.5" P x 32" H. Hauteur d'assise : 17". Chaises longues modèle 65 : 28,25" L x 32" P x 32" H. Hauteur du siège : 16". Florence Knoll était une designer et une entrepreneuse pionnière qui a créé l'aspect et l'ambiance modernes des bureaux d'entreprise américains de l'après-guerre, avec des meubles épurés, des textiles artistiques et un environnement de travail dégagé et fluide. Pour les connaisseurs du modernisme, les designs de Florence Knoll, datant du milieu du XXe siècle, étaient - et sont toujours - l'essence même des formes épurées et fonctionnelles du genre. Dépassant les modes en matière de design, ils sont toujours influents, toujours contemporains, toujours présents dans les bureaux, les maisons et les espaces publics, toujours présents dans les salles d'exposition des marchands et représentés dans les collections des musées. Mme Knoll a appris son art aux côtés des maîtres modernistes. Elle a été la protégée de l'architecte germano-américain Ludwig Mies van der Rohe et d'Eliel Saarinen, architecte et professeur finlandais, père de l'architecte Eero Saarinen. Elle a également travaillé avec les célèbres architectes du Bauhaus, Walter Gropius et Marcel Breuer. Tout au long de sa carrière, influencée par l'école de design allemande Bauhaus, elle a encouragé la fusion moderniste de l'architecture, de l'art et de l'utilité dans ses meubles et ses intérieurs, en particulier - mais pas exclusivement - pour les bureaux. Dans les années 1940, elle a épousé le fabricant de meubles d'origine allemande Hans Knoll et est devenue son associée. Pendant 20 ans, elle a contribué à faire de Knoll Associates la plus grande et la plus prestigieuse société de design haut de gamme de son genre, avec 35 salles d'exposition aux États-Unis et dans le monde entier. Tandis que son mari s'occupait des affaires commerciales, Mme Knoll était la force motrice de Knoll Associates. Elle est devenue le principal innovateur en matière d'intérieurs et d'ameublement modernes dans les années 1950 et 1960, transformant les sièges de CBS, Seagram et du magazine Look à Manhattan, le siège de H. J. Heinz à Pittsburgh et des propriétés à travers les États-Unis, l'Europe, l'Asie et l'Amérique du Sud, y compris des ambassades américaines. Son "design total" privilégie les espaces de travail ouverts plutôt que les bureaux privés, et les meubles regroupés pour les discussions informelles. Il intègre des éclairages, des couleurs vives, des tissus acoustiques, des chaises moulées comme des pétales de tulipe, des canapés et des bureaux aux pieds chromés, des tables de réunion collégialement ovales et des intérieurs futuristes à plusieurs niveaux, plus architecturaux que décoratifs, avec des escaliers à volée ouverte qui semblent flotter dans l'air. Outre ses activités de planification stratégique et de conception de meubles, Mme Knoll a recruté et embauché un grand nombre des meilleurs designers de l'après-guerre. Elle a réservé au sculpteur Harry Bertoia deux ans dans une grange-atelier pour voir si, en travaillant les métaux, il pouvait fabriquer des meubles. Ses chaises en fil de fer sont devenues des classiques de Knoll. Elle a demandé à Eero Saarinen de concevoir une chaise "comme un grand panier de coussins dans lequel je pourrais me blottir". Il a créé la "chaise utérine" qui enveloppe le corps. Elle a également intégré des amis stylistes et d'anciens professeurs dans son entreprise en acquérant les droits de leurs créations, en leur versant des commissions et des redevances, et en leur attribuant le mérite de leurs créations. Certains des designs les plus admirés du XXe siècle sont ainsi devenus des répliques de Knoll, notamment la table cyclone d'Isamu Noguchi (1950), soutenue par un tourbillon de tiges comme un entonnoir de tornade, et la chaise Barcelona, la pièce inclinée en cuir et en acier créée par Mies van der Rohe et Lilly Reich pour l'Exposition internationale de 1929 à Barcelone, en Espagne. Même les répliques de ces modèles étaient coûteuses à produire, car elles nécessitaient un certain travail à la main, et les prix de vente au détail atteignaient des milliers d'euros malgré les contrôles de coûts effectués par Mme Knoll. La structure de la chaise Barcelona, par exemple, qui était à l'origine composée de neuf pièces d'acier boulonnées ensemble, a été conçue comme une pièce d'acier inoxydable sans soudure, et la peau de vache a remplacé la peau de porc pour les revêtements de l'assise et du dossier. "Son exactitude pouvait être frustrante pour ceux qui travaillaient sous ses ordres", dit d'elle le site LiveAuctioneers .com dans un profil. Mais le fruit de ce travail est devenu universellement connu. "Chaque fois que vous voyez des chaises et une table de Barcelone dans un hall d'entrée, c'est elle", a déclaré Kathryn Hiesinger, conservatrice au Philadelphia Museum of Art, au New York Times en 2004, lorsque Mme Knoll est sortie de sa retraite pour créer l'exposition du musée intitulée "Florence Knoll : Defining Modern". Outre le musée de Philadelphie, ses œuvres figurent dans les collections du Museum of Modern Art et du Metropolitan Museum of Art à New York, ainsi que du Musée des Arts Décoratifs à Paris. Certaines de ses œuvres sont actuellement exposées à Gracie Mansion, la résidence du maire de New York, dans le cadre d'une exposition d'un an intitulée "She Persists : Un siècle de femmes artistes à New York", organisée par la première dame de la ville, Chirlane McCray. Le bureau de Florence Knoll, conçu en 1961, année où Mme Knoll est devenue la première femme à recevoir la médaille d'or du design industriel décernée par l'American Institute of Architects. Ses designs sont toujours présents dans les bureaux, les maisons et les espaces publics. Pour commercialiser leurs marchandises, les Knolls ont ouvert des salles d'exposition à Chicago, San Francisco, Los Angeles, Dallas et dans d'autres villes américaines, ainsi qu'en Europe, en Asie et en Amérique du Sud. Ils conservent leur salle d'exposition à New York, mais déplacent la base des opérations en 1950 à East Greenville, en Pennsylvanie, au nord-ouest de Philadelphie. Après le décès de M. Knoll dans un accident de voiture en 1955, Mme Heldly lui a succédé en tant que présidente, poste qu'elle a occupé jusqu'en 1960. Bien qu'elle ait vendu sa participation dans la société, elle en est restée la directrice de la conception jusqu'en 1965, date à laquelle elle s'est retirée pour exercer à titre privé dans le domaine de l'architecture et de la conception en Floride. Au cours de sa dernière décennie chez Knoll, l'entreprise a doublé de taille et est devenue l'une des organisations de design les plus influentes du pays. En 1984, Paul Goldberger, alors critique d'architecture au Times, a écrit que Mme Knoll "a probablement fait plus que toute autre personnalité pour créer le bureau américain moderne et épuré de l'après-guerre, en introduisant des meubles contemporains et un sens de la planification ouverte dans l'environnement de travail". Florence Marguerite Schust est née le 24 mai 1917 à Saginaw, dans le Minas, de Frederick et Mina (Haisting) Schust. Son père, ingénieur et président d'une entreprise de boulangerie, est décédé lorsqu'elle avait 5 ans, sa mère lorsqu'elle avait 12 ans. Enfant précoce fascinée par l'architecture, Florence a été pratiquement adoptée dans les années 1930 par Eliel Saarinen et sa femme Loja. Elle a fréquenté Kingswood, une école de filles à Bloomfield Hills, dans le Michigan, et plus tard sa filiale dans la même ville, la Cranbrook Academy of Art, une pépinière d'architectes et de designers. Tous deux étaient des pensionnats pour artistes en exercice, supervisés par Eliel Saarinen. Son fils, Eero, également étudiant à Cranbrook, a ensuite conçu le siège de CBS à New York et le centre de vol ailé de TWA à l'aéroport international Kennedy. Florence Schust a passé des étés avec les Saarinen en Europe, s'ouvrant ainsi à un monde d'art et de culture. Après deux années passées à l'Architectural Association de Londres, elle retourne aux États-Unis au début de la Seconde Guerre mondiale. Elle a été apprentie pendant un an chez Gropius & Breuer à Boston, a étudié à l'école d'architecture de l'université Columbia et sous la direction de Mies van der Rohe, et a obtenu une licence en architecture à l'Armour Institute of Technology (aujourd'hui Illinois Institute of Technology) de Chicago en 1941. Elle est allée travailler pour Wallace K.K. Harrison, l'architecte qui a participé à la conception du Rockefeller Center, des Nations unies et du Lincoln Center. En 1943, elle devient designer pour M. Knoll, descendant d'une famille qui avait fondé une entreprise de meubles en Allemagne...

Un magnifique canapé modèle 67a conçu par Florence Knoll en 1958 et acheté à Knoll Associates dans les années 1960. Remeublé en tissu Knoll en 2005. Le tissu texturé est un beige chaud léger et chiné avec des nuances subtiles de bleu/gris et des mouchetures noires occasionnelles dans le tissage de la tapisserie d'ameublement. Provenant de la succession de l'unique propriétaire. Des chaises d'appoint modèle 65 sont également disponibles. Florence Knoll était une designer et une entrepreneuse pionnière qui a créé l'aspect et l'ambiance modernes des bureaux d'entreprise américains de l'après-guerre, avec des meubles épurés, des textiles artistiques et un environnement de travail dégagé et fluide. Pour les connaisseurs du modernisme, les designs de Florence Knoll, datant du milieu du XXe siècle, étaient - et sont toujours - l'essence même des formes épurées et fonctionnelles du genre. Dépassant les modes en matière de design, ils sont toujours influents, toujours contemporains, toujours présents dans les bureaux, les maisons et les espaces publics, toujours présents dans les salles d'exposition des marchands et représentés dans les collections des musées. Mme Knoll a appris son art aux côtés des maîtres modernistes. Elle a été la protégée de l'architecte germano-américain Ludwig Mies van der Rohe et d'Eliel Saarinen, architecte et professeur finlandais, père de l'architecte Eero Saarinen. Elle a également travaillé avec les célèbres architectes du Bauhaus, Walter Gropius et Marcel Breuer. Tout au long de sa carrière, influencée par l'école de design allemande Bauhaus, elle a encouragé la fusion moderniste de l'architecture, de l'art et de l'utilité dans ses meubles et ses intérieurs, en particulier - mais pas exclusivement - pour les bureaux. Dans les années 1940, elle a épousé le fabricant de meubles d'origine allemande Hans Knoll et est devenue son associée. Pendant 20 ans, elle a contribué à faire de Knoll Associates la plus grande et la plus prestigieuse société de design haut de gamme de son genre, avec 35 salles d'exposition aux États-Unis et dans le monde entier. Tandis que son mari s'occupait des affaires commerciales, Mme Knoll était la force motrice de Knoll Associates. Elle est devenue le principal innovateur en matière d'intérieurs et d'ameublement modernes dans les années 1950 et 1960, transformant les sièges de CBS, Seagram et du magazine Look à Manhattan, le siège de H. J. Heinz à Pittsburgh et des propriétés à travers les États-Unis, l'Europe, l'Asie et l'Amérique du Sud, y compris des ambassades américaines. Son "design total" privilégie les espaces de travail ouverts plutôt que les bureaux privés, et les meubles regroupés pour les discussions informelles. Il intègre des éclairages, des couleurs vives, des tissus acoustiques, des chaises moulées comme des pétales de tulipe, des canapés et des bureaux aux pieds chromés, des tables de réunion collégialement ovales et des intérieurs futuristes à plusieurs niveaux, plus architecturaux que décoratifs, avec des escaliers à volée ouverte qui semblent flotter dans l'air. Outre ses activités de planification stratégique et de conception de meubles, Mme Knoll a recruté et embauché un grand nombre des meilleurs designers de l'après-guerre. Elle a réservé au sculpteur Harry Bertoia deux ans dans une grange-atelier pour voir si, en travaillant les métaux, il pouvait fabriquer des meubles. Ses chaises en fil de fer sont devenues des classiques de Knoll. Elle a demandé à Eero Saarinen de concevoir une chaise "comme un grand panier de coussins dans lequel je pourrais me blottir". Il a créé la "chaise utérine" qui enveloppe le corps. Elle a également intégré des amis stylistes et d'anciens professeurs dans son entreprise en acquérant les droits de leurs créations, en leur versant des commissions et des redevances, et en leur attribuant le mérite de leurs créations. Certains des designs les plus admirés du XXe siècle sont ainsi devenus des répliques de Knoll, notamment la table cyclone d'Isamu Noguchi (1950), soutenue par un tourbillon de tiges comme un entonnoir de tornade, et la chaise Barcelona, la pièce inclinée en cuir et en acier créée par Mies van der Rohe et Lilly Reich pour l'Exposition internationale de 1929 à Barcelone, en Espagne. Même les répliques de ces modèles étaient coûteuses à produire, car elles nécessitaient un certain travail à la main, et les prix de vente au détail atteignaient des milliers d'euros malgré les contrôles de coûts effectués par Mme Knoll. La structure de la chaise Barcelona, par exemple, qui était à l'origine composée de neuf pièces d'acier boulonnées ensemble, a été conçue comme une pièce d'acier inoxydable sans soudure, et la peau de vache a remplacé la peau de porc pour les revêtements de l'assise et du dossier. "Son exactitude pouvait être frustrante pour ceux qui travaillaient sous ses ordres", dit d'elle le site LiveAuctioneers .com dans un profil. Mais le fruit de ce travail est devenu universellement connu. "Chaque fois que vous voyez des chaises et une table de Barcelone dans un hall d'entrée, c'est elle", a déclaré Kathryn Hiesinger, conservatrice au Philadelphia Museum of Art, au New York Times en 2004, lorsque Mme Knoll est sortie de sa retraite pour créer l'exposition du musée intitulée "Florence Knoll : Defining Modern". Outre le musée de Philadelphie, ses œuvres figurent dans les collections du Museum of Modern Art et du Metropolitan Museum of Art à New York, ainsi que du Musée des Arts Décoratifs à Paris. Certaines de ses œuvres sont actuellement exposées à Gracie Mansion, la résidence du maire de New York, dans le cadre d'une exposition d'un an intitulée "She Persists : Un siècle de femmes artistes à New York", organisée par la première dame de la ville, Chirlane McCray. Le bureau de Florence Knoll, conçu en 1961, année où Mme Knoll est devenue la première femme à recevoir la médaille d'or du design industriel décernée par l'American Institute of Architects. Ses designs sont toujours présents dans les bureaux, les maisons et les espaces publics. Pour commercialiser leurs marchandises, les Knolls ont ouvert des salles d'exposition à Chicago, San Francisco, Los Angeles, Dallas et dans d'autres villes américaines, ainsi qu'en Europe, en Asie et en Amérique du Sud. Ils conservent leur salle d'exposition à New York, mais déplacent la base des opérations en 1950 à East Greenville, en Pennsylvanie, au nord-ouest de Philadelphie. Après le décès de M. Knoll dans un accident de voiture en 1955, Mme Heldly lui a succédé en tant que présidente, poste qu'elle a occupé jusqu'en 1960. Bien qu'elle ait vendu sa participation dans la société, elle en est restée la directrice de la conception jusqu'en 1965, date à laquelle elle s'est retirée pour exercer à titre privé dans le domaine de l'architecture et de la conception en Floride. Au cours de sa dernière décennie chez Knoll, l'entreprise a doublé de taille et est devenue l'une des organisations de design les plus influentes du pays. En 1984, Paul Goldberger, alors critique d'architecture au Times, a écrit que Mme Knoll "a probablement fait plus que toute autre personnalité pour créer le bureau américain moderne et épuré de l'après-guerre, en introduisant des meubles contemporains et un sens de la planification ouverte dans l'environnement de travail". Florence Marguerite Schust est née le 24 mai 1917 à Saginaw, dans le Minas, de Frederick et Mina (Haisting) Schust. Son père, ingénieur et président d'une entreprise de boulangerie, est décédé lorsqu'elle avait 5 ans, sa mère lorsqu'elle avait 12 ans. Enfant précoce fascinée par l'architecture, Florence a été pratiquement adoptée dans les années 1930 par Eliel Saarinen et sa femme Loja. Elle a fréquenté Kingswood, une école de filles à Bloomfield Hills, dans le Michigan, et plus tard sa filiale dans la même ville, la Cranbrook Academy of Art, une pépinière d'architectes et de designers. Tous deux étaient des pensionnats pour artistes en exercice, supervisés par Eliel Saarinen. Son fils, Eero, également étudiant à Cranbrook, a ensuite conçu le siège de CBS à New York et le centre de vol ailé de TWA à l'aéroport international Kennedy. Florence Schust a passé des étés avec les Saarinen en Europe, s'ouvrant ainsi à un monde d'art et de culture. Après deux années passées à l'Architectural Association de Londres, elle retourne aux États-Unis au début de la Seconde Guerre mondiale. Elle a été apprentie pendant un an chez Gropius & Breuer à Boston, a étudié à l'école d'architecture de l'université Columbia et sous la direction de Mies van der Rohe, et a obtenu une licence en architecture à l'Armour Institute of Technology (aujourd'hui Illinois Institute of Technology) de Chicago en 1941. Elle est allée travailler pour Wallace K.K. Harrison, l'architecte qui a participé à la conception du Rockefeller Center, des Nations unies et du Lincoln Center. En 1943, elle devient designer pour M. Knoll, descendant d'une famille qui avait fondé une entreprise de meubles en Allemagne...

Une magnifique paire de chaises longues Florence Knoll en parfait état, achetées à Knoll Associates dans les années 1960. Remeublé en tissu Knoll en 2005. Le tissu texturé est un beige chaud et léger, richement chiné, avec des nuances subtiles de bleu/gris et des mouchetures noires occasionnelles dans le tissage de la tapisserie d'ameublement. Provenant de la succession de l'unique propriétaire. Canapé assorti également disponible. Florence Knoll était une designer et une entrepreneuse pionnière qui a créé l'aspect et l'ambiance modernes des bureaux d'entreprise américains de l'après-guerre, avec des meubles épurés, des textiles artistiques et un environnement de travail dégagé et fluide. Pour les connaisseurs du modernisme, les designs de Florence Knoll, datant du milieu du XXe siècle, étaient - et sont toujours - l'essence même des formes épurées et fonctionnelles du genre. Dépassant les modes en matière de design, ils sont toujours influents, toujours contemporains, toujours présents dans les bureaux, les maisons et les espaces publics, toujours présents dans les salles d'exposition des marchands et représentés dans les collections des musées. Mme Knoll a appris son art aux côtés des maîtres modernistes. Elle a été la protégée de l'architecte germano-américain Ludwig Mies van der Rohe et d'Eliel Saarinen, architecte et professeur finlandais, père de l'architecte Eero Saarinen. Elle a également travaillé avec les célèbres architectes du Bauhaus, Walter Gropius et Marcel Breuer. Tout au long de sa carrière, influencée par l'école de design allemande Bauhaus, elle a encouragé la fusion moderniste de l'architecture, de l'art et de l'utilité dans ses meubles et ses intérieurs, en particulier - mais pas exclusivement - pour les bureaux. Dans les années 1940, elle a épousé le fabricant de meubles d'origine allemande Hans Knoll et est devenue son associée. Pendant 20 ans, elle a contribué à faire de Knoll Associates la plus grande et la plus prestigieuse société de design haut de gamme de son genre, avec 35 salles d'exposition aux États-Unis et dans le monde entier. Tandis que son mari s'occupait des affaires commerciales, Mme Knoll était la force motrice de Knoll Associates. Elle est devenue le principal innovateur en matière d'intérieurs et d'ameublement modernes dans les années 1950 et 1960, transformant les sièges de CBS, Seagram et du magazine Look à Manhattan, le siège de H. J. Heinz à Pittsburgh et des propriétés à travers les États-Unis, l'Europe, l'Asie et l'Amérique du Sud, y compris des ambassades américaines. Son "design total" privilégie les espaces de travail ouverts plutôt que les bureaux privés, et les meubles regroupés pour les discussions informelles. Il intègre des éclairages, des couleurs vives, des tissus acoustiques, des chaises moulées comme des pétales de tulipe, des canapés et des bureaux aux pieds chromés, des tables de réunion collégialement ovales et des intérieurs futuristes à plusieurs niveaux, plus architecturaux que décoratifs, avec des escaliers à volée ouverte qui semblent flotter dans l'air. Outre ses activités de planification stratégique et de conception de meubles, Mme Knoll a recruté et embauché un grand nombre des meilleurs designers de l'après-guerre. Elle a réservé au sculpteur Harry Bertoia deux ans dans une grange-atelier pour voir si, en travaillant les métaux, il pouvait fabriquer des meubles. Ses chaises en fil de fer sont devenues des classiques de Knoll. Elle a demandé à Eero Saarinen de concevoir une chaise "comme un grand panier de coussins dans lequel je pourrais me blottir". Il a créé la "chaise utérine" qui enveloppe le corps. Elle a également intégré des amis stylistes et d'anciens professeurs dans son entreprise en acquérant les droits de leurs créations, en leur versant des commissions et des redevances, et en leur attribuant le mérite de leurs créations. Certains des designs les plus admirés du XXe siècle sont ainsi devenus des répliques de Knoll, notamment la table cyclone d'Isamu Noguchi (1950), soutenue par un tourbillon de tiges comme un entonnoir de tornade, et la chaise Barcelona, la pièce inclinée en cuir et en acier créée par Mies van der Rohe et Lilly Reich pour l'Exposition internationale de 1929 à Barcelone, en Espagne. Même les répliques de ces modèles étaient coûteuses à produire, car elles nécessitaient un certain travail à la main, et les prix de vente au détail atteignaient des milliers d'euros malgré les contrôles de coûts effectués par Mme Knoll. La structure de la chaise Barcelona, par exemple, qui était à l'origine composée de neuf pièces d'acier boulonnées ensemble, a été conçue comme une pièce d'acier inoxydable sans soudure, et la peau de vache a remplacé la peau de porc pour les revêtements de l'assise et du dossier. "Son exactitude pouvait être frustrante pour ceux qui travaillaient sous ses ordres", dit d'elle le site LiveAuctioneers .com dans un profil. Mais le fruit de ce travail est devenu universellement connu. "Chaque fois que vous voyez des chaises et une table de Barcelone dans un hall d'entrée, c'est elle", a déclaré Kathryn Hiesinger, conservatrice au Philadelphia Museum of Art, au New York Times en 2004, lorsque Mme Knoll est sortie de sa retraite pour créer l'exposition du musée intitulée "Florence Knoll : Defining Modern". Outre le musée de Philadelphie, ses œuvres figurent dans les collections du Museum of Modern Art et du Metropolitan Museum of Art à New York, ainsi que du Musée des Arts Décoratifs à Paris. Certaines de ses œuvres sont actuellement exposées à Gracie Mansion, la résidence du maire de New York, dans le cadre d'une exposition d'un an intitulée "She Persists : Un siècle de femmes artistes à New York", organisée par la première dame de la ville, Chirlane McCray. Le bureau de Florence Knoll, conçu en 1961, année où Mme Knoll est devenue la première femme à recevoir la médaille d'or du design industriel décernée par l'American Institute of Architects. Ses designs sont toujours présents dans les bureaux, les maisons et les espaces publics. Pour commercialiser leurs marchandises, les Knolls ont ouvert des salles d'exposition à Chicago, San Francisco, Los Angeles, Dallas et dans d'autres villes américaines, ainsi qu'en Europe, en Asie et en Amérique du Sud. Ils conservent leur salle d'exposition à New York, mais déplacent la base des opérations en 1950 à East Greenville, en Pennsylvanie, au nord-ouest de Philadelphie. Après le décès de M. Knoll dans un accident de voiture en 1955, Mme Heldly lui a succédé en tant que présidente, poste qu'elle a occupé jusqu'en 1960. Bien qu'elle ait vendu sa participation dans la société, elle en est restée la directrice de la conception jusqu'en 1965, date à laquelle elle s'est retirée pour exercer à titre privé dans le domaine de l'architecture et de la conception en Floride. Au cours de sa dernière décennie chez Knoll, l'entreprise a doublé de taille et est devenue l'une des organisations de design les plus influentes du pays. En 1984, Paul Goldberger, alors critique d'architecture au Times, a écrit que Mme Knoll "a probablement fait plus que toute autre personnalité pour créer le bureau américain moderne et épuré de l'après-guerre, en introduisant des meubles contemporains et un sens de la planification ouverte dans l'environnement de travail". Florence Marguerite Schust est née le 24 mai 1917 à Saginaw, dans le Minas, de Frederick et Mina (Haisting) Schust. Son père, ingénieur et président d'une entreprise de boulangerie, est décédé lorsqu'elle avait 5 ans, sa mère lorsqu'elle avait 12 ans. Enfant précoce fascinée par l'architecture, Florence a été pratiquement adoptée dans les années 1930 par Eliel Saarinen et sa femme Loja. Elle a fréquenté Kingswood, une école de filles à Bloomfield Hills, dans le Michigan, et plus tard sa filiale dans la même ville, la Cranbrook Academy of Art, une pépinière d'architectes et de designers. Tous deux étaient des pensionnats pour artistes en exercice, supervisés par Eliel Saarinen. Son fils, Eero, également étudiant à Cranbrook, a ensuite conçu le siège de CBS à New York et le centre de vol ailé de TWA à l'aéroport international Kennedy. Florence Schust a passé des étés avec les Saarinen en Europe, s'ouvrant ainsi à un monde d'art et de culture. Après deux années passées à l'Architectural Association de Londres, elle retourne aux États-Unis au début de la Seconde Guerre mondiale. Elle a été apprentie pendant un an chez Gropius & Breuer à Boston, a étudié à l'école d'architecture de l'université Columbia et sous la direction de Mies van der Rohe, et a obtenu une licence en architecture à l'Armour Institute of Technology (aujourd'hui Illinois Institute of Technology) de Chicago en 1941. Elle est allée travailler pour Wallace K.K. Harrison, l'architecte qui a participé à la conception du Rockefeller Center, des Nations unies et du Lincoln Center. En 1943, elle devient designer pour M. Knoll, descendant d'une famille qui avait fondé une entreprise de meubles en Allemagne...

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Ce magnifique piano à queue a été construit par Erard à Paris en 1895. Doté d'un meuble original irremplaçable créé et signé par un artiste du nom de Finel - spécifiquement commandé...

Ce piano à queue Erard à cordes parallèles, fabriqué à Paris en 1845, a été extraordinairement bien entretenu, restauré et maintenu, et demeure aujourd'hui non seulement un exemple spectaculaire de l'apogée de la conception des pianos du XIXe siècle - caractérisé par sa construction innovante et ses qualités sonores exceptionnelles - mais aussi un instrument haut de gamme selon les normes modernes les plus avancées, prêt pour le concert pour des interprètes de classe mondiale et exigeants, ainsi que pour leur public. Erard était une manufacture de pianos renommée fondée par Sébastien Erard. Pendant une grande partie du XIXe siècle, l'entreprise a produit certains des pianos européens les plus exquis et les plus novateurs de l'époque. Le son produit par ce piano à queue à cordes parallèles se caractérise par une clarté et une transparence qui le distinguent de ses contemporains. La disposition parallèle des cordes contribue à un transfert plus direct de l'énergie sonore, ce qui permet d'obtenir une sonorité équilibrée et articulée sur l'ensemble des registres de l'instrument. La sonorité de ce piano est appréciée pour sa douceur dans les aigus et sa robustesse dans les graves, tout en permettant une interprétation particulièrement nuancée et expressive du répertoire musical de son époque. Le clavier en ébène et ivoire témoigne de l'attention méticuleuse qu'Erard portait à l'expérience tactile du jeu. Chaque touche est pondérée avec précision, offrant un toucher réactif qui permet au pianiste d'articuler une large gamme de dynamiques et d'expressivité. Un faux tableau intérieur...

Magnifique paire de lampes en céramique italienne du milieu du siècle par Alvino Bagni pour Bagni Ceramiche, importée aux États-Unis par Raymor. Des rouges, des verts, des jaunes et ...

Une grande horloge à long boîtier produite en Italie dans les années 1970 dans un style rococo Louis XV avec des montures en bronze doré et des incrustations de bois décorant un boît...

Ce piano à queue de concert Pleyel, fabriqué à Paris en 1870, est un chef-d'œuvre intemporel qui incarne l'élégance et le savoir-faire de la facture française du XIXe siècle. Les instruments Pleyel sont réputés pour leur qualité exceptionnelle et leur riche musicalité. Ils représentent l'apogée de la conception des pianos à l'époque romantique, et ce piano - un exemple précoce de l'innovation technologique des cordes croisées qui était en plein essor à cette époque - fait partie d'une série de seulement six exemplaires jamais produits. Ce piano est dans un état extraordinairement impeccable, avec presque toutes les pièces d'origine, y compris la table d'harmonie, les touches en ivoire impeccables et les incrustations en laiton dans son meuble en noyer magnifiquement figuré. Les chandeliers se glissent vers l'avant de part et d'autre du pupitre escamotable. Ce piano a été acheté pour la première fois par le comte français Charles Étienne Gustave Le Clerc, comte de Juigné (1825-1900), l'un des plus riches propriétaires terriens de Bretagne et membre de l'Assemblée nationale française, puis de la Chambre des représentants et, à la fin de sa vie, du Sénat. Le piano a été restauré en 1997 à la Maison Erard par le maître restaurateur Frits Janmaat à Amsterdam, puis conditionné par Edwin Beunk. Ces dernières années, certains des plus grands artistes musicaux européens ayant une connaissance de l'histoire ont joué ce Pleyel dans des concerts PBS en collaboration avec le regretté Sergiu Luca. Posé sur de substantiels pieds sculptés et des roues en laiton, le piano dégage une présence majestueuse grâce aux lignes gracieuses de son meuble de style Second Empire qui incarne l'esthétique de l'époque. Le clavier, méticuleusement fabriqué en ivoire et en ébène, témoigne de l'attention portée aux détails dans tous les domaines. Ses 85 touches offrent un toucher réactif et une gamme dynamique inégalée, permettant au pianiste de transmettre tout le spectre des émotions dans sa musique. L'une des caractéristiques de ce piano de concert Pleyel est sa table d'harmonie caractéristique. Fabriqué à partir du meilleur bois d'épicéa, il est couronné de façon experte pour maximiser la résonance et la projection. La sonorité chaude et chantante caractéristique de l'instrument, souvent associée aux pianos français de cette époque, est renforcée par l'utilisation d'un cadre entièrement en fonte, qui assure stabilité et longévité. Le mécanisme d'action, méticuleusement fabriqué à la main par des artisans qualifiés, est une merveille d'ingénierie pour l'époque. Chaque touche est reliée aux marteaux avec précision, ce qui permet un contrôle précis de la dynamique et de l'articulation. Le toucher est sensible et léger, parfait pour les nuances délicates du répertoire romantique. L'engagement de Pleyel en faveur de la qualité est évident partout, faisant de ce piano à queue de concert non seulement un instrument de musique, mais aussi une œuvre d'art, un symbole de l'élégance et du raffinement du Paris du XIXe siècle. Tout au long de son histoire, les grands pianos...

Canapé deux places en écharpe de Bruce Hannah et Andrew Morrison pour Knoll en simili cuir rouge orangé des années 1970. Le cadre en acier a été fraîchement revêtu de poudre en juil...

Un spectaculaire plat en céramique faïencée à la main avec un motif en spirale et un recouvrement de toile incisée par la potière du studio du Vermont Nancy Wickham Boyd. Tons de...

Table basse en teck modèle AT-11 de Hans Wegner pour Andreas Tuck avec bord en relief sculpté à la main. Signé. Un beau modèle en excellent état vintage. Plateau en teck massif s...

L'un des plus beaux exemples de poterie Troika Studios du milieu du siècle que nous ayons jamais vu. Cornouailles, Royaume-Uni, années 1970.

Extraordinaire lithographie sur papier de deux Porsche, une 944 et une 356, réalisée par le célèbre artiste de l'automobile et de l'aviation David Lord. Signé et daté, 1985. Dimens...

Une mise à jour en plastique moulé de la chaise baignoire classique, la chaise Olo d'Andrew Jones pour Keilhauer est très polyvalente. Prêt à être utilisé comme chaise d'appoint, cha...

Une rare porte en miroir provenant d'un immeuble d'appartements emblématique du milieu du siècle conçu par le célèbre architecte Enslie "Bud" Oglesby. Le bâtiment se trouvait au 352...

Une édition originale et exquise, tout en bois, de la chaise classique "Pingouin" d'Ib Kofod-Larsen. Danemark, années 1960. Magnifique bois foncé de teck et de hêtre.

Fantastique poussette de landau de style Art Déco du début de l'AGE. Ca. 1940s. La carrosserie est magenta avec des flancs et des pare-chocs chromés. La capuche et l'intérieur sont e...

Magnifique portemanteau chromé du début du modernisme par Gilbert Rohde pour Troy Sunshade.

Une rare chaise de bureau ou de salle à manger en bouleau par Ernest Farmer de George Nelson and Associates pour Herman Miller. Possibilité de faire appel à un professionnel pour ...

Plaques en argent et turquoise sur cuivre attribuées à Graziella Laffi avec des images d'un dieu guerrier et d'un lama. Non signée. Merveilleuse patine.

Lampadaire de table vintage des années 1970 en chrome, verre et Lucite. Quelques usures minimes, conformes à l'âge et à l'usage. Dimensions : 46,25" H (jusqu'à la base de la prise)...

Le berceau "Lulu" a été conçu en 1963 par Nanna Ditzel pour sa petite fille. Ce berceau original a été transmis à chaque nouvelle génération de sa famille, qui y a ajouté une petite ...

Cette rare et magnifique mono-impression à deux panneaux est signée, numérotée et titrée à la main par l'artiste. Les œuvres d'Anne Raymond font partie des collections permanentes...