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Yo, Ho, Ho" l'histoire coloniale de la Grande-Bretagne - techniques mixtes de Gregory
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Si l'on ne peut pas dire grand-chose sur le peintre, on peut dire beaucoup de choses sur ce morceau d'histoire coloniale de la Grande-Bretagne !
L'œuvre d'art énigmatique de Gregory, "Yo, Ho, Ho", se présente comme une tapisserie superposée de symbolisme, fusionnant le passé et le présent. Réalisée à l'aide d'aquarelles et de collages, l'œuvre d'art tisse des éléments disparates en un tableau provocateur qui incite les spectateurs à réfléchir aux implications profondes de l'empire, de l'unité et de l'attrait séduisant de l'influence.
Au centre de la composition, un personnage imposant avec un sourire diabolique et quatre bras tient la cour. Ce personnage sombre et énigmatique, doté d'un sens de l'autorité troublant, s'agrippe à une bouteille étiquetée "Bottled in Scotland". Flanqués de part et d'autre d'un aristocrate fantasque et d'un marin éméché, ils forment un trio improbable lié par la joie partagée de l'ivresse. Dans leurs mains, ces personnages tiennent de puissants symboles d'ivresse - un mélange de scotch, une pinte ornée du blason du Royaume-Uni et une bouteille de brume canadienne. Chaque bouteille renferme sa propre histoire, offrant un prisme pour scruter le réseau complexe de fils historiques et culturels.
La mise en scène a pour toile de fond le rivage nocturne d'un port. Le faisceau d'un phare perce l'obscurité, projetant sa lumière sur la scène, tandis qu'un magasin de spiritueux pittoresque, étiqueté "Vins et Liqueurs", baigne dans une lueur chaude qui contraste avec la pâle lumière de la lune. L'horizon, teinté d'un rose lointain, évoque à la fois la promesse et l'incertitude de l'avenir.
Le cadre est dominé par deux éléphants, chacun portant le fardeau de son poids symbolique. À gauche, un éléphant orné du Label du roi George V se dresse résolument, tandis qu'à droite, un autre éléphant porte l'emblème du roi George VI. Sous ce dernier, un voilier navigue sur une mer agitée, baptisé du nom de "Queen Victoria". Ces marqueurs historiques ancrent le récit, représentant la grandeur, la transformation et les défis qui ont façonné la trajectoire de l'Empire britannique.
Au bas de la composition, un élément de collage cite une publicité pour le scotch 100 Pipers de Seagram's datant de 1970. Le texte subversif "Deux choses en disent long sur un homme... L'un est son scotch", confère une profondeur supplémentaire à l'œuvre d'art, jetant une lumière perspicace sur les choix de boissons des personnages et, métaphoriquement, sur leur véritable essence.
Le coup de maître de Gregory réside dans sa critique subversive de l'héritage de l'Empire britannique. La juxtaposition allégorique des monarques qui ont présidé à son expansion, à son apogée et finalement à sa dissolution en dit long sur l'intention de l'artiste. En exploitant la métaphore du scotch - un mélange de cultures, d'histoires et d'identités - l'artiste plonge dans l'unité superficielle qui masque des divisions sous-jacentes. Le brouillard canadien, le scotch bon marché, témoigne de la fragilité de l'unité.
La présence d'un magasin de spiritueux français, clin d'œil éloquent à la colonisation française, ajoute à la complexité de la situation. Cette juxtaposition expose l'hypocrisie des ambitions impériales, démasquant l'illusion de nobles principes au service d'intérêts personnels. L'ironie est palpable : les nations qui ont proclamé les vertus du mélange des cultures ont embrassé leurs propres agendas ethnocentriques.
"Yo, Ho, Ho" transcende sa forme physique pour devenir un commentaire éclairant sur l'histoire, la dynamique du pouvoir et les enchevêtrements culturels. Gregory, l'artiste inconnu, utilise le symbolisme comme un outil puissant pour remettre en question les récits conventionnels, encourageant les spectateurs à éplucher les couches de tromperie, à réfléchir aux récits qui ont façonné les empires et à faire face à l'ivresse de la domination. Dans sa profondeur, l'œuvre invite les spectateurs à contempler l'obscurité qui se cache derrière la surface dorée, les incitant à réfléchir aux histoires que nous nous racontons et aux illusions que nous perpétuons.
- Dimensions:Hauteur : 48,9 cm (19,25 po)Largeur : 71,76 cm (28,25 po)Profondeur : 4,45 cm (1,75 po)
- Matériaux et techniques:
- Lieu d'origine:
- Période:
- Date de fabrication:1970s
- État:Nouveau cadrage.
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- Numéro de référence:1stDibs : LU825835221252
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Albert Chubac, Techniques mixtes, vers 1980, France
Par Albert Chubac
Albert Chubac (1925-2008), Composition,
Technique mixte sur papier représentant une échelle,
Signé en bas à droite et numéroté 8/8,
Encadré,
vers 1980, France.
Mesures : Largeur 85 cm, Hauteur 127 cm.
Albert Chubac est né à Genève en 1920. Après avoir étudié les arts décoratifs, puis les Beaux-Arts de Genève, il obtient des bourses pour voyager en Italie, en Algérie, en Espagne, en Egypte et en Grèce, étapes qui marqueront son œuvre.
Il s'installe en 1964 sur la Côte d'Azur à Aspremont dans une maison très spartiate, attiré par la lumière, le soleil et les couleurs de la nature.
L'année 1967 est celle de la création de l'École de Nice. Il travaillera et exposera aux côtés d'Aman, César, Tinguely, Gilli, Ben, Rayse, etc.etc...
En 1990, c'est la consécration avec l'ouverture du MAMAC à Nice. Albert Chubac devient alors accessible au grand public.
Il utilisera des couleurs primaires solides, élaborera des structures modifiables et développera ensuite les collages en trois dimensions.
Progressivement, il se détache de sa formation classique et de la figuration pour s'orienter vers l'abstraction au gré des rencontres et des influences d'artistes contemporains.
Toujours à la recherche de la simplicité, il va limiter radicalement les moyens plastiques avec une palette réduite, des formes géométriques et des gestes simples pour se concentrer sur les conditions minimales de possibilité.
Son travail, qui se situe entre le constructivisme et l'abstraction géométrique, est ludique et imprégné de la joie de vivre de l'artiste.
En 2004, à la suite de la grande rétrospective du Musée d'art moderne et contemporain de Nice, il a fait don d'une centaine d'œuvres à la Ville de Nice.
Albert Chubac est décédé en 2008 à Tourrette-Levens, près d'Aspremont.
Bibliographie :
- Albert Chubac, MAMAC Nice, Cultures Nice Editions, 2004.
- Albert Chubac : exposition, Nice, Musée d'art moderne et contemporain, 29 janvier - 16 mai 2004.
- Albert Chubac, Galerie Harter, 2013.
- Albert Chubac, une vie d'artiste, Patrick Boussu et Cynthia Lemesle, South Art éditions, 2021.
Lors des ventes aux enchères des ateliers de Nice et de Marseille, la Galerie Harter a acquis la plus grande partie de son œuvre.
Expositions personnelles :
- 1950 : Exposition personnelle à Athènes au musée Zappéion.
- 1954 : Exposition à la Arman Gallery à Genève.
- 1956 : Exposition à la Galerie Connaître à Genève.
- 1957 : Exposition à la Galerie La Palette à Zurich.
- 1958 : Exposition à la Galerie L'Entracte à Lausanne.
- 1960 : Exposition à la World House Gallery à New York.
- 1967 : Exposition à la Galerie Loo à Genève, au Salon Comparaison à Paris, Aspects à Chexbres en Suisse.
- 1968 : "Peintures" expositions du 30 mars au 11 mai à la Galerie Alexandre de la Salle.
- 1970 : Exposition à la Maison des Jeunes et de la Culture de Magnan à Nice, à la Maison de la Culture Le Corbusier à Firminy intitulée "Oeuvres récentes de Chubac" et à la Galerie Royal Luxembourg à Nice.
- 1971 : Exposition à la Galerie Germain à Paris et à l'école Fernand Léger à Malakoff.
- 1972 : Exposition sur la place du village d'Aspremont, à la Galerie Royal Luxembourg à Nice.
- 1973 : Exposition à la Galerie Ferrero à Nice.
- 1974 : Exposition à l'Art-club d'Antibes.
- 1975 : Exposition à la Galerie Jacques Boudin rue de Dijon à Nice.
- 1978 : Exposition à la Galerie Anne Roger à Nice.
- 1980 : Exposition à la Galerie de la Salle à Saint-Paul de Vence du 8 août au 9 septembre.
- 1981 : Exposition au Lieu 5 à Nice du 13 février au 20 mars.
- 1983 : Exposition à la Galerie d'Art Contemporain de Nice, chez Anne Roger.
- 1984 : Exposition "Lille Nice" à la Galerie GodArt à Lille du 14 avril au 17 mai et à la Galerie Luisella d'Alessandro à Turin.
- 1985 : Exposition à Thonon les Bains à la Galerie Galise.
- 1988 : Expositions à la Galerie Argéco à Nice et à la Galerie Triade à Barbizon
- 1989 : Expositions à la Galerie de la Salle, chez Lola Gassin à Nice, dans des galeries à Nice.
- 1990 : il réalise quatre mobiles pour le MAMAC de Nice, Expositions à la Galerie François Moulin à Lyon et à la Golden Gallery, ArtJunction à Nice.
- 1991 : Exposition à la Galerie de la Salle à Saint-Paul.
- 1992 : Expositions à l'Espace du consulat suisse à Nice, Besançon et ouverture de l'Espace Chubac à Tourrette-Levens.
- 1993 : Exposition à la Maison Comoni à Revest-les-Eaux, à la Galerie François Moulin à Lyon.
- 1994 : Exposition à l'Espace Caravadossi à Aspremont.
- 1996 : Exposition à l'Espace Dellile à Nice.
- 1997 : Exposition à la Galerie de la Salle à Saint-Paul.
- 1998 : Dernière exposition personnelle à la Galerie de la Salle à Saint-Paul.
- 2000 : Exposition au collège Lympia à Nice.
- 2001 : Exposition à l'Espace Chubac à Tourette-Levens.
- 2002 : Exposition à la Galerie Scholtès à Nice et à Carcès dans le Var intitulée "Albert Chubac-Couleurs mobiles".
- 2004 : Grande rétrospective Albert Chubac au MAMAC de Nice.
- 2011 : Exposition permanente à la Galerie Harter à Nice.
- 2012 : Exposition au salon Olympia à Londres à la Christopher Jones Gallery et à la Serge Castella Interiors Gallery à Bascara, Espagne.
- 2013 : Exposition à la Galerie municipale d'art contemporain de Pochettes à Nice.
- 2019/2021 : Exposition d'œuvres appartenant à la collection permanente du MAMAC à Nice et exposition "La géométrie selon Albert Chubac" à la Galerie Harter à Nice.
- 2021/2021 : Exposition permanente à la Galerie Atelier 55...
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"Legends of the West-Indian Chief" de Chris Calle, peinture sur supports mixtes
Voici l'illustration originale en techniques mixtes de "Légendes de l'Ouest - Chef indien" par Chris Calle. L'illustration vibrante présente un portrait tête et épaules d'un chef amérindien. Le chef porte une coiffe élaborée de plumes et de perles.
Chris Calle a peint ce tableau en décembre 1993, pour l'inclure dans la série de timbres "Legends of the Old West". Cette peinture a été publiée sur le panneau de collection "Legends of the Old West" des timbres du monde de la Monnaie de Fleetwood de 1994. Lors de l'émission des timbres "Legends of the Old West" le 18 octobre 1994, une série de cartes postales reprenant les mêmes motifs a également été émise. Bien qu'il s'agisse d'une pratique courante aujourd'hui, c'était la première fois qu'une série de timbres et de cartes partageaient les mêmes motifs.
Chris Calle a acquis une réputation internationale en tant que designer et illustrateur de timbres. Son premier cachet FDC date de 1969 et représente Armstrong et Aldrin sur la Lune. Son intérêt pour l'art s'est poursuivi à l'université, où il a obtenu un BFA à l'école des beaux-arts de l'université du Michigan en 1983, avec une spécialisation en illustration. L'une de ses premières missions professionnelles a été le timbre Harry S. Truman dans la série Great Americans. Au cours des 12 années suivantes, Chris a dessiné plus de 30 timbres américains et des centaines d'autres pour des entités aussi diverses que la Suède, les îles Marshall et les Nations unies. Pendant près de vingt ans, Chris a réalisé plus de 1 000 peintures de cachets Fleetwood FDC.
Chris Calle a dessiné le timbre de 2,40 $ du courrier prioritaire de 1989 sur le 20e anniversaire du débarquement sur la Lune, qui représente les astronautes d'Apollo 11, Neil Armstrong et Buzz Aldrin, en train de planter le drapeau américain sur la Lune. En 1994, il a dessiné deux timbres pour le 25e anniversaire de l'alunissage avec son père Paul Calle, qui avait dessiné le timbre emblématique "First Man on the Moon" en 1969. Le travail exceptionnel de Chris Calle figure également dans de nombreuses publications et est représenté dans des collections d'entreprises, de particuliers et de musées dans le monde entier.
CONDITION :
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