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Attribué à Domenico di Paris - Madonna and The Child, 15e siècle

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Attribué à Domenico di Paris, également appelé Domenico del Cavallo ( Monselice, documenté à Ferrara entre 1442 et 1501). La Madone et l'enfant Stuc polychrome et doré 47,5 x 37,5 cm Expositions : - Il tesoro d'Italia, a cura di Vittorio Sgarbi, Expo 2015, 22 maggio-31 ottobre 2015, Silvana Editoriale, pp. 162-163, Emilia n. 4 Modelée en demi-longueur, la Vierge tient tendrement son Fils, soulevé par une tête d'ange, sur un fond bleu étoilé. L'Enfant tient le voile de sa mère d'une main, l'autre dans son dos. Le manteau épais et la robe de Marie, ainsi que le voile plus léger, l'enveloppent et protègent l'Enfant, qui enlace le voile de ses mains. Cette Madone est représentée avec des traits agréables et juvéniles ; elle soutient tendrement l'Enfant Jésus et berce légèrement son pied qu'elle tient entre deux doigts ; une invention iconographique gracieuse et touchante. L'artiste s'est clairement intéressé à un rendu naturaliste du sujet, comme en témoignent les détails peints des cheveux et des visages et le modelage minutieux des draperies. L'exceptionnelle polychromie originale du XVe siècle est l'élément le plus fascinant de ce haut-relief en stuc. Les détails picturaux très raffinés sont rendus avec une habileté graphique touchante, comme dans les traits du visage et dans la décoration raffinée du voile de la Vierge et des vêtements de l'Enfant, ainsi que dans les ailes de l'ange. Cet élégant relief est un exemple typique des œuvres que les artistes italiens de la Renaissance produisaient pour la dévotion domestique. Les images de la Vierge et de l'Enfant étaient si populaires que les artistes ont cherché à varier et à peaufiner leur composition. Il s'agit d'une représentation forte du sujet, mais deux qualités très différentes, l'intimité et l'échelle modeste, sont à l'origine du succès de ce type de relief. Ce stuc présente une composition intime et magnifique, un aspect domestique particulier, un naturalisme séduisant qui suggère qu'il a été inspiré par un modèle illustre ; la maîtrise de la technique indique un artiste familier de l'élégance raffinée des ateliers toscans. L'iconographie de la Vierge tenant le pied du Christ et du Christ saisissant le voile de sa mère, populaire dans la peinture de panneaux italiens de la Renaissance ainsi que dans la sculpture, dérive des icônes byzantines. Mais il semble que Luca della Robbia se soit essayé pour la première fois à la Madone en demi-longueur tenant un enfant dans une œuvre en stuc (Musée Jacquemart-André, Paris) vers 1430. En ce qui concerne le moulage, comme l'a souligné Enzo Carli, il s'agit d'un modèle qui peut être rattaché à une typologie bien connue, diffusée à travers de nombreuses répliques réalisées par le maître lui-même et par d'autres, de la Madone Corsini de Luca della Robbia, datable de la cinquième ou de la sixième décennie du XVe siècle. L'élan et les manières rapides de l'enfant, qui témoignent des expériences encore fraîches de Masaccio et de Donatello, confirment que ce stuc pourrait s'inspirer du prototype de Luca Della Robbia. Le dos de ce stuc est solide et plat comme la Vierge de Friedrichstein, coulée à partir du même moule, de la Vierge à l'Enfant dans une niche, du type connu sous le nom de "Bliss Madonna" : elles se trouvent au Metropolitan Museum of Art, New York et au Museum of Fine Arts, Boston, et peuvent être datées de la même période. La Vierge de Buffalo, qui se distingue par un modelé plus détaillé, une exécution technique plus précise (voir, par exemple, la façon dont le dos du panneau est fini avec des bords chanfreinés) et une palette plus délicate dans la glaçure, pourrait être une œuvre entièrement autographe (sa grande qualité et sa revendication de ce statut ont été approuvées par Avery 1976 et Pope-Hennessy 1980, après l'avoir vue de leurs propres yeux en avril 1976), tandis que la version d'Andreas Berlin pourrait être une réplique confiée à un assistant - comme le jeune neveu de Luca, Andrea della Robbia (Florence 1435 - 1525), dont on sait qu'il a travaillé dans le Studio de Luca à partir de 1451. Il se peut aussi que la Vierge au buffle ait été exécutée par Luca quelque temps plus tard, avec une technique perfectionnée et des révisions de certains détails du modelage, tout en reconnaissant la phase expérimentale initiale de l'art de Della Robbian. Cependant, il n'est pas impossible que des destinations différentes aient pu expliquer ces variations. Néanmoins, on ne peut douter de la responsabilité de Can dans ce modèle touchant, qui démontre clairement cette "humanité familière, plaisante, mais suspendue et silencieuse" qui distingue les meilleures œuvres du maître vers le milieu du siècle. " L'accentuata toscanità " (Le caractère toscan accentué) de notre relief en stuc indiquent que l'auteur connaissait les innovations iconographiques proposées à Florence ; entre-temps, ce stuc montre des affinités significatives, surtout dans la polychromie, avec l'atmosphère artistique raffinée de la cour d'Este. Comme l'a suggéré Giancarlo Gentilini, cette œuvre pourrait être de la main d'un artiste actif à Ferrara, Antonio di Cristoforo (Gentilini, 2008). En effet, les centres au nord de l'Arno où l'on pratiquait les arts plastiques étaient Bologne et Padua, cette dernière étant la ville où Donatello s'est installé, au cours d'un séjour de plus de dix ans, a réussi à établir solidement la tradition des Florentines. Le cercle restreint d'élèves et d'autres collaborateurs adapte le style de Donatello de manière plus ou moins réussie et l'implante ainsi dans de nombreuses provinces, tant dans les environs immédiats de Padua que plus loin. Ferrara, proche voisine de Padua, ne pouvait naturellement pas rester indépendante de l'effet des longues années de travail du grand Florentine dans les environs. Bien que très peu de sculptures datant des premières décennies du siècle aient été mises au jour dans la ville d'Este, trop peu pour donner une impression claire de l'existence d'une école autochtone de sculpteurs, dès le début des années quarante, nous sommes confrontés à une personnalité tangible qui porte le nom de Niccoló Baroncelli. Cet artiste était originaire de Florence et, selon Vasari, avait été l'élève de Brunelleschi. Ses œuvres existantes témoignent d'un long apprentissage auprès de Donatello. Baroncelli, qui, par son engagement au service de la cour d'Estonie, est resté à Ferrara jusqu'à sa mort en 1453, a dû être un travailleur actif, mais malheureusement, la plus grande partie de son œuvre a été perdue. Nous y avons trouvé la preuve que son élève et gendre doué, Domenico di Paris, Padouan de naissance, a reçu de lui sa formation artistique. Domenico, documenté comme " maestro de figure de terra et de metallo " (maître des sculptures en terre-cuite et métal) a joué un rôle de premier plan dans la sculpture ferraraise au cours de la seconde moitié du XVe siècle. Né à Monselice, il a été formé à Padua, où il s'est familiarisé avec les œuvres de Donatello. Vers 1442, Domenico di Paris est documenté à Ferrara, avec son beau-frère, le sculpteur florentin Niccoló Baroncelli qui avait été invité dans la ville pour réaliser le monument équestre de Borso d'Este (détruit en 1796) et un ensemble de cinq sculptures en bronze pour la cathédrale. Après la mort de Baroncelli en 1453, Domenico acheva toutes les commandes. En 1467, Domenico est engagé comme " intarsiator lignaminis " dans l'exécution du plafond de la " Camera Superioris " du palais Schifanoia. Les grandes commandes ducales de monuments en bronze en l'honneur de Niccoló III (1443-1451) et de Ferrara (1451_1457) firent venir à Ferrara trois artistes qui " combinèrent la Florence des humanistes et la Padua des antiquaires, influençant profondément l'art ferrarais dans la direction de Donatello : Antonio di Cristoforo, Niccoló Baroncelli et Domenico di Paris " (cit. exposition permanente du Palazzo Schifanoia récemment rouvert, 2020). Dans le présent relief représentant la Vierge et l'Enfant, l'influence des œuvres padouanes de Donatello est filtrée par une vision plus douce en partie redevable à des modèles florentins ; le style est loin des irrégularités expressionnistes de ses contemporains travaillant à Ferrara. Un relief très similaire de la Collection Sal, de qualité inférieure, présente la même composition que notre relief. Datée de 1480, cette chronologie est également indicative de la production de notre stuc. La finesse décorative, la richesse de la polychromie et l'attention naturaliste de cette Vierge à l'Enfant présentent des affinités avec les Vertus de la salle des stucs de Schifanoia, dernière œuvre documentée de Domenico di Paris. Le caractère toscan accentué et les affinités stylistiques avec les reliefs du Palazzo Schifanoia, ainsi que les similitudes remarquables avec certaines sculptures attribuées à Baroncelli, ont conduit l'historienne de l'art Paola Ranzolin à attribuer cette œuvre à Domenico di Paris et à la publier dans l'exposition organisée par Vittorio Sgarbi en 2015 (International expo - " Il Tesoro d'Italia ") où une sélection de trésors du patrimoine artistique italien était présentée selon une approche régionale visant à valoriser la richesse et l'individualité des différentes provinces de la Péninsule. Ce stuc est l'une des 27 œuvres sélectionnées pour représenter l'évolution du riche patrimoine artistique de l'Émilie-Romagne.

Dimensions:
Hauteur : 47,5 cm (18,71 po)Largeur : 37,5 cm (14,77 po)Profondeur : 3 cm (1,19 po)
Style:
Renaissance (De la période)
Matériaux et techniques:
Stuc,Polychromé
Lieu d'origine:
Italie
Période:
XVe siècle et antérieur
Date de fabrication:
15e siècle
État:
Usure conforme à l'âge et à l'utilisation.
Adresse du vendeur:
Bruxelles, BE
Numéro de référence:
1stDibs : LU6666239212722

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