Christo and More SMS Une collection de multiples « William N. Copley, 1968 »

Roy Lichtenstein est l'une des principales figures du mouvement américain Pop art, avec Andy Warhol, James Rosenquist, Claes Oldenburg et Robert Rauschenberg.

S'inspirant des bandes dessinées, Lichtenstein s'approprie les techniques d'impression commerciale dans ses peintures , introduisant une sensibilité vernaculaire dans le paysage visuel de l'art contemporain . Il a utilisé des éléments visuels tels que les points de trame qui composent une image imprimée, et une utilisation de couleurs primaires inspirée de la bande dessinée a donné à ses peintures leur palette "Pop" caractéristique.

Né et élevé à New York, Lichtenstein a apprécié la myriade d'offres culturelles de Manhattan et les bandes dessinées à parts égales. Il a commencé à peindre sérieusement à l'adolescence, en étudiant l'aquarelle à la Parsons School of Design à la fin des années 1930, puis à l'Art Students League, où il a travaillé avec le peintre réaliste américain Reginald Marsh. Il a commencé ses études de premier cycle à Ohio State University en 1940, et après un séjour de trois ans dans l'armée américaine pendant la Seconde Guerre mondiale, il a obtenu sa licence puis sa maîtrise en beaux-arts. Les racines de l'intérêt de Lichtenstein pour la convergence du grand art et de la culture populaire sont évidentes dès ses premières années à Cleveland, où, à la fin des années 1940, il enseignait à l'Ohio State, concevait des vitrines pour un grand magasin et peignait ses propres œuvres.

Travaillant à l'apogée du mouvement expressionniste abstrait dans les années 1950, Lichtenstein a délibérément évité le type de peinture qui était tenu en haute estime par le monde de l'art et a plutôt choisi d'explorer le monde visuel de la publicité imprimée et des bandes dessinées. Ce geste de recontextualisation d'une image de bas étage en l'important dans un contexte artistique deviendra une marque de fabrique du style artistique de Lichtenstein, ainsi qu'un véhicule de sa critique du concept de bon goût. Sa peinture de 1963 Whaam ! confronte le spectateur à une scène d'impact tirée d'un numéro de DC Comics datant de 1962 All American Men of War. Isolée de son contexte plus large, cette image combine le lettrage ludique et l'illustration aux couleurs vives de la bande dessinée originale avec un message plus sombre sur les conflits militaires au plus fort de la guerre froide. Crying Girl de la même année présente un autre motif de Lichtenstein - une femme en détresse, dépeinte avec un mélange de drame et d'humour pince-sans-rire. Son travail s'est fait connaître en créant une peinture murale inspirée de la bande dessinée pour le pavillon de l'État de New York de l'exposition universelle de 1964, il a ensuite été représenté par le légendaire galeriste new-yorkais Leo Castelli pendant 30 ans.

Dans les années 1970 et 1980, Lichtenstein expérimente l'abstraction et commence à explorer les éléments de base de la peinture, comme dans cette œuvre de 1989 Brushstroke Contest. Outre les peintures dans lesquelles le coup de pinceau lui-même devient le sujet central, il a créé en 1984 une sculpture à grande échelle intitulée Brushstrokes in Flight pour l'aéroport international de Port Columbus dans l'Ohio. Still Life with Windmill de 1974 et le triptyque Cow Going Abstract de 1982 témoignent tous deux d'une rupture par rapport à ses œuvres antérieures dont les sujets étaient dérivés d'images existantes. Ici, Lichtenstein peint des sujets plus conformes aux normes de l'histoire de l'art - une scène pastorale et une nature morte - mais il a traduit leurs compositions dans son style graphique caractéristique, dans lequel les éléments visuels des bandes dessinées imprimées sont encore une caractéristique déterminante.

L'œuvre de Lichtenstein est représentée dans les collections du Metropolitan Museum of Art, du Museum of Modern Art, du Tate Modern, et de bien d'autres. Il a reçu la médaille nationale des arts en 1995, deux ans avant sa mort.

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Motivés uniquement par la mission de répandre la joie et de célébrer la beauté à travers leur travail, Christo et Jeanne-Claude (1935-2020 ; 1935-2009) ont créé des installations d'art public à grande échelle fascinantes qui ont poussé l'art éphémère à un niveau sans précédent. Bien que les deux artistes aient créé des estampes , des photographies et toute une série d'autres types d'œuvres d'art, ils sont surtout connus pour leurs installations. Travaillant avec une combinaison de textiles et de matériaux industriels, Christo et Jeanne-Claude ont créé des sculptures colossales spécifiques à des sites et d'autres projets qui consistaient souvent à envelopper des monuments, des allées et même des côtes dans des rames de tissu afin d'attirer l'attention et d'encourager les spectateurs à découvrir des objets et des lieux familiers d'une manière entièrement nouvelle. 

Christo et Jeanne-Claude ont souvent intégré les forces de la nature dans leurs œuvres, créant des clôtures gonflées, d'énormes structures gonflables autoportantes et des passerelles flottantes colorées. Partenaires dans la vie et dans l'art, les deux hommes ont conçu des installations dont la réalisation prenait souvent des années, voire des décennies, et qui ne duraient que quelques jours ou quelques semaines. Les travaux préparatoires, les dessins détaillés et les collages de Christo et Jeanne-Claude témoignent aujourd'hui de leurs chefs-d'œuvre éphémères complexes et de leur héritage.

Le 13 juin 1935, Christo Vladimirov Javacheff est né à Gabrovo, en Bulgarie, et le même jour, Jeanne-Claude Denat de Guillebon est née à Casablanca, au Maroc. Alors que Jeanne-Claude a reçu une large éducation et un baccalauréat en latin et en philosophie, grandissant en France, en Suisse, au Maroc et en Tunisie, Christo a étudié l'art dès l'âge de six ans. Il a ensuite étudié la peinture, le dessin, l'architecture et la sculpture à l'Académie nationale des arts à Sofia, avant de quitter la Bulgarie pour échapper à la révolution hongroise. 

Christo a passé du temps à Prague avant de faire un bref séjour à l'Académie des beaux-arts de Vienne , puis à Genève et enfin en France. Il gagne de l'argent en peignant des portraits pour des familles riches. Après avoir été engagé par la mère de Jeanne-Claude pour peindre trois portraits d'elle, Christo rencontre sa future femme et collaboratrice. Le couple a créé sa première installation environnementale, Dockside Packages and Stacked Oil Barrels, en 1961. 

Ensemble, Christo et Jeanne-Claude ont poursuivi des projets de plus en plus ambitieux, proposant de tout envelopper, des arbres dans Wrapped Trees, Fondation Beyeler et Berower Park, Riehen, Suisse, 1997-98 à d'importants bâtiments publics dont le Wrapped Reichstag, Berlin, 1971-95. Ils ont également créé des sculptures abstraites autonomes telles que 5,600 Cubicmeter Package, des rideaux flottants tels que Valley Curtain, Rifle, Colorado, 1970-72, et ont proposé des installations dans des lieux aussi éloignés que Dubaï et le Japon. Ces projets et d'autres ont été associés au mouvement Pop art-adjacent nouveau réalisme.

Ayant reçu une formation classique en dessin, Christo a réalisé des croquis et des collages préparatoires pour les projets, vendant ses œuvres pour financer indépendamment les installations temporaires monumentales que le couple a érigées. Pendant ce temps, Claude défend les œuvres du couple en prenant la parole lors de forums publics, en envoyant des propositions aux autorités municipales et en utilisant sa combinaison unique de charme irrésistible et d'obstination stoïque pour faire approuver leurs projets. 

Dévoués à leurs idéaux de diffusion de la joie et de la beauté, les deux artistes n'ont accepté aucune commande ou collaboration commerciale - toutes leurs installations ont été financées uniquement par la vente de leurs œuvres d'art préparatoires. La dernière de leurs œuvres urbaines réalisées, ce projet de 2005 invitait les New-Yorkais à faire une promenade glorieuse à travers 7 503 portails drapés de tissu safran le long des allées de Central Park. Plus de 4 millions de personnes l'ont fait.

Les sculptures enveloppées de Christo, qu'il a commencé à réaliser au début de sa carrière, ainsi que ses travaux préparatoires, font partie des collections permanentes de musées et d'autres institutions, notamment le Smithsonian American Art Museum, la National Gallery of Art, le Museum of Contemporary Art et le Centre Pompidou. Jeanne-Claude est décédée en 2009, et Christo a continué à réaliser les projets prévus par la paire jusqu'à son propre décès en 2020. 

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