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Bureau Art Déco français en acajou postmoderne de Dakota Jackson 96"

À propos de cet article

Vintage Dakota Jackson post modern Art Deco executive partners desk featuring mahogany with leather insert and stainless steel frame. Un plateau en placage à motif en V avec un insert en cuir noir. 2 caissons en dessous : chacun avec 2 tiroirs standard et 1 tiroir classeur, avant et arrière. Poignées de tiroirs, montants, plaques de sol et tréteaux arqués supportant le bureau en acier inoxydable poli. Cuir noir DJ Chelsea, finition polyrésine polie. Dakota Jackson (né le 24 août 1949) est un designer de meubles américain connu pour sa marque de meubles éponyme, Dakota Jackson, Inc[1], ses premières œuvres d'avant-garde impliquant des pièces mobiles ou des compartiments cachés[2][3], et ses collaborations avec la société de pianos Steinway & Sons[1]. Jackson a contribué à établir le mouvement du mobilier d'art dans les années 1970 à SOHO[4][5], devenant plus tard un designer célèbre dans les années 1980[6][7][8] Son passé dans le monde de la magie de scène l'a aidé à obtenir ses premières commandes et est souvent cité comme la source de son point de vue[6][9]. Début de la vie Dakota Jackson est née le 24 août 1949 et a grandi dans le quartier de Rego Park, dans le Queens, à New York. Magie de scène Le père de Jackson, Jack MALONE, est un magicien professionnel[10], qui a appris le métier auprès de son propre père, qui a étudié la magie de scène dans la Pologne du début du 20e siècle[1]. Jackson commence à étudier la magie dès son plus jeune âge et se produit parfois avec son père[11] Le nom de Jackson est en fait né d'un voyage en voiture à Fargo, dans le Dakota du Nord[11]. Tout au long de son adolescence et jusqu'au début de la vingtaine, Jackson se plonge dans le monde de la magie[2] En 1963, Jackson commence à se produire dans des spectacles de talents à son école secondaire de premier cycle, William Cowper JHS 73 (connue aujourd'hui sous le nom de The Frank Sansivieri Intermediate School)[12], et à des fêtes d'anniversaire d'enfants[13].[Jackson commence également à fabriquer ses propres accessoires, notamment de grandes boîtes pour scier une femme en deux et de petites boîtes d'où sortent des colombes en plein vol[11] Jackson reconnaît l'importance de ces premières expériences avec la magie pour sa carrière ultérieure de designer de meubles : " Les exigences du spectacle m'ont appris à me discipliner pour atteindre des objectifs esthétiques "[1][2][14]. Après avoir obtenu son diplôme de la Forest Hills High School en 1967, Jackson a continué à se produire en tant que magicien, travaillant dans des galeries d'art, des boîtes de nuit, effectuant des tournées dans les Catskills et donnant des représentations privées lors d'événements mondains[2][13][15] À l'âge de 17 ans, Jackson avait étudié avec le magicien Jack London pour apprendre le dangereux tour de l'attrape-balles[16]. "Ce qui m'attirait, c'était la notion de faire des choses qui semblaient miraculeuses", s'est souvenu un jour Jackson[6], "J'étais intéressé par le spiritisme. Je m'intéressais à des choses comme la capture de balles, des choses qui remettaient vraiment en question les sensibilités individuelles, qui étaient effrayantes, à la limite."[2]. Ce n'est que dix ans plus tard, lors de la dernière représentation professionnelle de Jackson en tant que magicien, qu'il a eu l'occasion d'exécuter le tour en public[1], comme en témoigne l'article intitulé "Dakota Jackson bites the bullet", publié dans le magazine Interview d'Andy Warhol[1][16]. Jackson admet qu'il se lasse parfois des références à son passé de magicien, bien qu'il reconnaisse qu'il s'agit d'une partie importante de son histoire[2]. La scène artistique du Downtown À la fin des années 1960, Jackson s'installe dans un loft sur la 28e rue à Chelsea[1][17] Jackson fait partie de la scène Downtown, une communauté " d'artistes, de danseurs, de performeurs et de musiciens " qui s'installent dans le quartier pour le loyer bon marché et la vie sociale[1][8][17][18]. En octobre 1970, Jackson s'est produit avec le groupe japonais Tokyo Kid Brothers au La MaMa Experimental Theatre Club de New York (également connu sous le nom de Café La MaMa) dans une production musicale rock intitulée " Coney Island Play " (" Konī airando purē ").[Le spectacle explore les thèmes de la communication et de la compréhension interculturelles[19] et fait suite à la première représentation de " The Golden Bat " à La MaMa plus tôt cet été-là[20][21][22] Jackson joue le rôle d'un " astucieux prestidigitateur "[19]. Au cours des années suivantes, Jackson s'intéresse à la danse minimaliste et se produit dans les compagnies de danse de Laura Deans et Trisha Brown[2][15][23]. Jackson reconnaît que son exposition au minimalisme et à la danse minimaliste en particulier a eu une forte influence sur son approche du design ; en 1989, Jackson a déclaré au Los Angeles Times : Pour moi, la finesse essentielle d'un design réside dans l'idée, et non dans l'objet lui-même.... Dans le minimalisme, l'objet est ramené à son sens premier en le dépouillant de toutes les excroissances [...], c'est-à-dire des éléments qui ne contribuent pas à l'idée pure[24]. Carrière de designer Au début des années 1970, alors qu'il expérimente la performance et la danse, Jackson commence à se diversifier en tant que consultant en effets spéciaux pour d'autres magiciens, producteurs de films et musiciens[2][23], comme Donna Summer[6][9]. Le loft a également permis à Jackson de mettre à profit sa créativité et ses compétences en matière de construction : "À l'époque, les lofts n'étaient pas des ... condominiums de luxe. C'étaient des espaces bruts, durs... et nous, artistes, bohèmes, créatifs, nous avons créé notre environnement. J'ai donc dû construire"[17][25]. Reconnaissant ses talents de constructeur, Jackson décide de s'éloigner de la performance et de devenir un fabricant à plein temps[1][15][17]. Il commence à fabriquer divers objets, notamment des meubles pour d'autres artistes et des boîtes magiques avec des compartiments cachés pour des collectionneurs d'art et des galeries[17][24]. Les relations sociales de Jackson l'aident à faire connaître son travail[15], ce qui lui permet d'obtenir ses premières commandes[1][25]. Premières commissions Bureau pour John Lennon par Dakota Jackson En 1974, la carrière de Jackson en tant que designer débute lorsque Yoko Ono lui demande de construire un bureau avec des compartiments cachés pour son mari John Lennon[26] : " Elle voulait faire un meuble qui serait un objet mystique ; qui serait comme un casse-tête chinois ", se souvient Jackson dans une interview publiée en 1986 dans le Chicago Tribune[6].[Le résultat fut une petite table d'écriture de forme cubique aux coins arrondis rappelant le style Art déco[15]. En touchant des points de pression secrets, les compartiments du bureau s'ouvraient[23]. Cette commande contribua à asseoir la réputation de Jackson et lui permit de fusionner son expérience de magicien et d'artiste avec son intérêt grandissant pour le mobilier[27]. En 1978, un lit conçu pour la créatrice de mode Diane von Furstenberg a valu à Jackson une notoriété encore plus grande[8][10][28][29] Appelé " The Eclipse ", le lit a été décrit dans le New Yorker comme " grand, stupéfiant, somptueux, avec des éclats de soleil en bois de cerisier et du satin ivoire matelassé à la tête et au pied "[10]."Un système d'éclairage placé derrière la tête de lit s'allumait automatiquement au coucher du soleil et diffusait des rayons de lumière "comme une aurore boréale"[2][17], qui devenaient de plus en plus lumineux jusqu'à s'éteindre à 2 heures du matin[23][30]. Les commandes de ce type continuent d'affluer[8] et Jackson se fait bientôt connaître en tant que designer pour les riches et les célèbres[30]. Parmi ses autres clients de cette période, on compte l'auteur-compositeur Peter Allen, le créateur et producteur du Saturday Night Live Lorne Michaels, l'éditeur de Rolling Stone Jann Wenner, et l'actrice de soap opera Christine Jones[8]. Le mouvement américain du mobilier d'art et le style industriel À la fin des années 1970, Jackson fait partie d'un petit groupe d'artistes et d'artisans qui produisent et exposent des meubles faits à la main à New York[5][31] Jackson et ses pairs font partie du " American Art Furniture Movement ", un groupe parfois appelé " Art et Industrie Movement "[32], du nom de la principale galerie de meubles d'art de l'époque[32], Art et Industrie, fondée par Rick Kaufmann en 1976[33]. Dans un article de Town & Country de 1984 intitulé " Art You Can Sit on " (L'art sur lequel on peut s'asseoir), Kaufmann déclare avoir créé la galerie pour " servir de lieu au public pour les artistes et les designers qui créent de nouveaux arts décoratifs "[31].Les œuvres exposées étaient des " objets radicaux " qui s'inspiraient d'un certain nombre de traditions des beaux-arts, notamment " le pop, le surréalisme, le pointillisme et DADA [qui étaient] " jetés ensemble avec les lignes sévères du Bauhaus et de l'avant-garde russe, mélangés avec les couleurs de Mondrian et filtrés par une sensibilité vidéo - le tout pour créer une nouvelle déclaration "[31]."L'article décrivait Jackson comme un " vétéran du genre depuis dix ans " et soulignait les " formes épurées et les couleurs tranquilles " de ses meubles[4]. Jackson a présenté à Art et Industrie une variété d'œuvres en laque, en métal et en verre d'aspect industriel, notamment son Standing Bar (également connu sous le nom de Modern Bar)[33], un meuble laqué que Jackson a conçu en 1978 pour sa femme (alors petite amie) RoseLee Goldberg[13]. Parmi les autres œuvres de cette période, citons le bureau T-Bird, la table à cocktail à remontage automatique et le tabouret Saturn, qui est devenu l'une des œuvres les plus reconnaissables de Jackson[23] après avoir figuré dans des expositions au Whitney, à l'International Design Center et à l'American Craft Museum (aujourd'hui connu sous le nom de Museum of Arts and Design), ainsi que dans des publicités pour Diane von Fürstenberg et Calvin Klein[34]. Tabouret Saturn par Dakota Jackson Le Sun-Sentinel a décrit le tabouret Saturn comme " un siège planète rose entouré d'un anneau vert pâle sur un ascenseur hydraulique en aluminium... "[35] Le tabouret en aluminium anodisé et en bois laqué[36] est devenu synonyme de l'œuvre de Jackson[37] et, une décennie plus tard, il a été utilisé dans une publicité pour Absolut Vodka intitulée " Absolut Jackson "[38]. Jackson a appelé cet ensemble d'œuvres la série Deadly Weapons[10][23][39] Dans leur concept et leur style, ces œuvres chevauchent les mondes de l'art et du design[40][41] et s'inspirent de la technologie de pointe de l'époque, comme le Rockwell B-1 Calle, ou bombardier B1, comme on l'appelait communément.[En 1984, le New York Times a décrit le lien entre l'avion de chasse et une autre des conceptions d'armes mortelles de Jackson, le bureau B1 : "Comme l'avion, dont les ailes se déplacent en vol, le bureau a des parties qui s'ouvrent et se déplient en coulissant, y compris un compartiment secret"[42]. Le travail de Jackson au cours de cette période est associé au style industriel pour l'ameublement[43], une nouvelle tendance en matière de design qui est documentée dans le livre de Joan Kron et Suzanne Slesin, High-Tech, publié en 1978[44] : The Industrial Style and Source Book for the Home"[44], publié en 1978 par Joan Kron et Suzanne Slesin, dans le catalogue de l'exposition du Whitney intitulée "High Styles : Twentieth-Century American Design", Lisa Phillips, commissaire de l'exposition, cite le tabouret Saturn de Jackson comme exemple de produits contemporains présentant un "aspect matériel high-tech"[43]. Passage à la fabrication Le conservateur, poète et critique d'art John Perreault a inclus le tabouret Saturn dans l'exposition "Explorations II : The New Furniture" à l'American Craft Museum en 1991. Dans le catalogue de l'exposition, Perreault établit un lien entre l'approche de Jackson en matière de design et celles utilisées dans diverses pratiques artistiques d'avant-garde, mais il note également la réticence de Jackson à être étiqueté comme artiste[40] : " Dans les meilleures œuvres de Jackson ", écrit Perreault, " le design industriel, l'artisanat et la sculpture fusionnent, fournissant un modèle controversé pour les possibilités futures "[45]."[45] Dans une critique de l'exposition, Roberta Smith, critique d'art au New York Times, observe que le tabouret de Jackson est l'un des rares objets de l'exposition qui semble prêt pour la production de masse[41]. "J'ai toujours voulu être associé au monde de l'artisanat, mais l'artisanat a toujours été confiné à ce que la main peut faire ", a déclaré Jackson dans une interview au Chicago Tribune à propos de l'exposition[46], " Le design unique a un attrait limité pour un groupe limité de collectionneurs ", a-t-il poursuivi, " l'époque de la relation patron-client est derrière nous "[46]. Jackson a souvent déclaré qu'il s'inspirait d'industriels comme Andrew Carnegie[47] pour augmenter la production et créer des designs pouvant être fabriqués en plusieurs exemplaires[5][48]. Lorsqu'il a commencé à construire au début des années 1970, Jackson a pu réaliser six pièces par an avec l'aide d'un seul assistant.[En 1976, il quitte son loft et son atelier de Chelsea pour un studio plus grand dans le sud de Manhattan et engage cinq assistants[49] Après que les ventes aient dépassé les 100 pièces par an en 1978, Jackson déménage à nouveau, cette fois dans une usine de 12 500 pieds carrés à Long Island City, avec une équipe de 15 personnes[11]. Le déménagement à Long Island City permet à Jackson de créer un studio de design qui est à la fois un atelier et une usine[26] Bien qu'il continue à réaliser des commandes uniques[8], Jackson conçoit également des meubles dans une optique de production, en simplifiant les formes et en éliminant les pièces mobiles et les compartiments cachés[11], ce qui lui permet de commencer à fabriquer des meubles à bas prix en petites séries[23]. CollectionNew Classics La première collection basée sur cette approche à la chaîne[50] est la New Classics[8], que Jackson lance sur le marché du mobilier résidentiel en 1983[51] : " J'ai extrait les éléments caractéristiques de mon travail et je m'oriente vers une gamme de prix plus abordable ", déclare Jackson à USA Today[26].[Connu pour ses meubles sur mesure au prix du "monde de l'art", Jackson compare cette percée sur un nouveau marché à l'introduction d'une collection de "prêt-à-porter" par un créateur de "haute couture" dans le monde de la mode[51]. New Classics s'inspire du mouvement architectural post-moderne, qui est une réaction à l'austérité de l'architecture et du design modernes[52] Jackson - avec les architectes Robert Venturi et Michael Graves - a contribué à définir le nouveau style[8] avec des œuvres qui font référence à des caractéristiques architecturales traditionnelles telles que les proportions classiques, les colonnes et les arcs[52]. La collection comprend une table à manger, un buffet, une armoire, une table basse et un bureau, chacun dans un design de poteau et de linteau qui est plus facile à reproduire que les autres œuvres plus sculpturales de Jackson[51]. Pour aider à commercialiser New Classics auprès des architectes et des designers du marché résidentiel, Jackson ouvre en 1984 une salle d'exposition à Manhattan, à l'Interior Design/One Building[26][53][54]. Collection'S La chaise Ke-zu de Dakota Jackson En 1989, Jackson fait son entrée sur le marché des meubles de série[24] avec la collection de sièges Ke-zu, qui commence par une chaise longue " angulaire "[55] et se développe pour inclure une gamme de fauteuils, de chaises d'appoint, de fauteuils club, d'ottomans et de canapés recouverts de cuir[24] Tout comme le tabouret Saturn, la chaise Ke-zu définit Jackson[56], se taillant une place dans la collection permanente du Brooklyn Museum et dans les publicités de la mode de l'époque. Chaise Vik-ter En 1991, Jackson présente la " biomorphique " Vik-ter Stacking Chair[57] (communément appelée Vik-ter Chair) lors de la troisième édition annuelle de l'International Contemporary Furniture Fair au Jacob K.K Contemporary Convention Center à Manhattan[58]. Le design de la chaise, " hautement orienté vers la production ", comprend un cadre incurvé en acier soudé et une assise effilée en contreplaqué de cerisier stratifié qui peut être fabriquée en sept minutes[59]. La chaise Vik-ter de Dakota Jackson La chaise Vik-ter a été la première création de Jackson à pouvoir être produite en série et à un prix compétitif[60]. Elle a reçu un prix d'argent pour le design environnemental lors des Industrial Design Excellence Awards de 1992[61], ainsi que des prix décernés par les magazines I+I, Metropolis et Interior Design[62][63][64] et a fait l'objet d'expositions à la Weatherspoon Art Gallery, à l'American Craft Museum (aujourd'hui connu sous le nom de Museum of Arts and Design) et au Cooper-Hewitt National Design Museum[65][66][67] L'American Craft Museum et le Cooper-Hewitt ont tous deux acquis la chaise Vik-ter pour leurs collections permanentes, et le Cooper-Hewitt possède également une collection de modèles et de dessins relatifs à la conception de la chaise[68]. Dans le catalogue de l'exposition à la Weatherspoon Art Gallery, intitulée "The Chair : De l'artefact à l'objet", le conservateur Trevor Richardson explique le contexte de la réalisation de Jackson avec la chaise Vik-ter : Entre la sévérité du minimalisme, d'une part, et l'exubérance de Memphis, d'autre part, est apparue une nouvelle race de designers qui ont choisi de travailler en respectant les contraintes des langages de conception traditionnels, tout en cherchant de nouvelles façons d'enrichir leur vocabulaire existant. Loin de paraître fatigué et usé, ce remaniement a atteint, entre les mains d'individus tels que Jonas Bohlin, Dakota Jackson et Bořek Šípek, un nouveau niveau de raffinement et de sophistication[69]. Bien que la chaise Vik-ter ait été conçue pour le marché contractuel, sa popularité a conduit Jackson à la rendre disponible pour le marché résidentiel et à la vendre directement aux acheteurs par le biais du catalogue du Museum of Modern Art Design Store[59][70]. La chaire de bibliothèque En 1991, Jackson commence à travailler sur une chaise destinée aux bibliothèques et autres établissements d'enseignement[9][71][72] Inspiré par les chaises de bureau de style Banque d'Angleterre, ainsi que par les collections de sièges en contreplaqué de Charles et Ray Eames[73], Jackson passe cinq ans[74] à développer et à tester son design pour ce qui deviendra " The Library Chair " et l'une de ses œuvres les plus omniprésentes[8][75]. La chaise de bibliothèque de Dakota Jackson Jackson voulait concevoir une chaise en bois solide et confortable qui puisse être produite en série de manière rentable[73] Pour y parvenir, il s'est tourné vers la technologie de découpe par commande numérique par ordinateur, ou CNC comme on l'appelle plus communément[74], et est devenu l'un des premiers fabricants de meubles indépendants aux États-Unis à acquérir cet équipement[5][9].[Bien que d'apparence faussement simple, le design de Jackson pour la Library Chair présente des courbes composées, un joint caché à languette et rainure entre les plans de l'assise et du dossier qui se plient dans des directions différentes, et des bras qui sont reliés aux pieds du dossier et au dossier de chaque côté.[La capacité de la fraiseuse CNC à effectuer des opérations de coupe complexes, en changeant d'outil au besoin, a permis aux menuisiers de Jackson de façonner les composants de la chaise avec efficacité et précision[3][9]. Le fait de réaliser ce travail en interne dans son usine de Long Island City a permis à Jackson de produire la chaise à un faible coût unitaire et de la vendre à un prix compétitif[76]. Après que Jackson a exposé la chaise à l'International Contemporary Furniture Fair (ICFF) en 1993, Metropolitan Home l'a décrite comme " la simplicité même " et a observé qu'elle marquait " la nouvelle humeur austère du design "[77] Metropolitan Home a également reconnu la Library Chair avec un prix " Best of Show " à l'exposition de meubles, et Jackson a reçu le ICFF Editors Award for Best Body of Work[78]. La chaise de bibliothèque a été spécifiée pour la première fois pour la nouvelle bibliothèque principale de la bibliothèque publique de San Francisco, qui a été conçue par l'architecte James Ingo Freed de Pei Cobb Freed & Partners et le cabinet d'architecture californien de Simon Martin-Vegue Winkelstein Moris. Le nouvel établissement a ouvert ses portes en 1996 et a nécessité plus d'un millier de chaises, dont 722 chaises latérales et 154 fauteuils pour les salles de lecture principales, et 165 fauteuils rembourrés pour les salles de collections spéciales de la Bibliothèque[73]. Toutefois, avant d'être acceptée, la chaise de Jackson a dû subir des tests au Forest and Natural Resources Product Laboratory de l'université de Purdue pour s'assurer qu'elle pouvait résister à un usage institutionnel[72]. Elle a subi deux tests de performance à Purdue avant de satisfaire à la norme LTR de l'American Library Association, qui certifie une performance équivalente à 10 ans d'utilisation dans une bibliothèque très fréquentée sans défaillance[72].[L'un des tests consistait à faire tomber un poids de 250 livres sur la chaise 175 000 fois d'affilée[73] Pour augmenter la résistance de la chaise, Jackson " a expérimenté différents bois et renforcé le cadre avec des goujons, des tenons, des joints à entures multiples et des inserts en acier fileté "[73] Les pièces sculptées avec précision assurent l'étanchéité des articulations entre les bras, les jambes et le siège[73]. En 1995, la chaise de bibliothèque a reçu le prix de la rédaction de l'ICFF pour le meilleur savoir-faire et, en 1997, elle a été incluse dans le Metropolitan Home "Design 100", une liste des "meilleures idées et produits du monde"[74]. En 1999, le Cooper-Hewitt a ajouté la chaise de bibliothèque à sa collection permanente. Dans une interview accordée en 2008 au New York Daily News, Jackson a décrit un moment où il a visité une bibliothèque et a vu sa chaise. "Je l'ai pris pour l'examiner et un chewing-gum frais s'est collé à ma main", s'est souvenue Mme Jackson. C'est à ce moment-là qu'il s'est rendu compte que son design n'était "qu'une chaise - une chaise simple et stupide" et qu'il avait créé une chaise institutionnelle avec une longévité...". Elle sera là bien plus longtemps que moi", a-t-il déclaré[1]. Steinway & Sons Le 160e anniversaire du piano de concert Arabesque B par Dakota Jackson pour Steinway & Sons Jackson a collaboré avec Steinway & Sons pour produire plusieurs pianos en édition limitée. Le premier projet a débuté en 1998 lorsque Steinway a demandé à Jackson de concevoir le piano à queue Tricentennial Artcase pour commémorer le 300e anniversaire de l'invention de l'instrument[79][80]. En 2014, en l'honneur du 160e anniversaire de Steinway, Jackson et Steinway ont présenté le piano à queue Arabesque 160e anniversaire édition limitée au Steinway Hall[81] Le design, avec des pieds torsadés qui ont été inspirés par l'Arabesque (position de ballet)[82], est devenu le premier piano Steinway & Sons à recevoir un Red Dot Design Award pour la conception de produits[83][84]. DIMENSIONS 42" x 96" x 30 "h
  • Créateur:
    Dakota Jackson (Designer)
  • Dimensions:
    Hauteur : 76,2 cm (30 po)Largeur : 243,84 cm (96 po)Profondeur : 106,68 cm (42 po)
  • Style:
    Art déco (Dans le style de)
  • Matériaux et techniques:
    Cuir,Acajou,Acier inoxydable
  • Période:
    Fin du XXe siècle
  • Date de fabrication:
    Fin du 20e siècle
  • État:
    Usure conforme à l'âge et à l'utilisation. Bon état, usures et dégradations correspondant à l'usage, usure des bords, quelques éraflures.
  • Adresse du vendeur:
    Dayton, OH
  • Numéro de référence:
    Vendeur : 385561stDibs : LU5343235786222
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