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Tables en bois et bronze attribuées à Meret Oppenheim, France, 1930
À propos de cet article
Tableau
Matériau : bois et bronze
Style : Art Déco
Pays : France
Si vous voulez vivre des années dorées, ce sont les tables dont votre projet a besoin.
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Meret Oppenheim
Meret Oppenheim -Traccia Table - La personne et l'œuvre de l'artiste germano-suisse Meret Oppenheim (1913-1985) sont à jamais associées au surréalisme et à l'histoire de l'art du XXe siècle.
Meret Oppenheim, de son vrai nom Meret Elisabeth Oppenheim, (née le 6 octobre 1913 à Berlin, Allemagne - décédée le 15 novembre 1985 à Bâle, Suisse), artiste suisse d'origine allemande dont la tasse à thé, la soucoupe et la cuillère recouvertes de fourrure sont devenues un emblème du mouvement surréaliste. Cette pièce, créée alors qu'Oppenheim n'avait que 23 ans, est devenue si célèbre qu'elle a éclipsé le reste de sa carrière.
Le père d'Oppenheim était allemand et juif et sa mère était suisse. En 1914, au début de la Première Guerre mondiale, la famille quitte l'Allemagne pour s'installer en Suisse. Oppenheim a été encouragée par son père et par sa grand-mère maternelle, l'auteure et illustratrice Lisa Wenger-Ruutz, à poursuivre des études artistiques. C'est ainsi qu'en 1929, elle commence des études d'art à la Kunstgewerbeschule de Bâle (jusqu'en 1930). Elle s'installe ensuite à Paris et fréquente brièvement l'Académie de la Grande Chaumière en 1932.
Le séjour à Paris a permis à Oppenheim d'entrer en contact avec des artistes d'avant-garde, ce qui, plus que l'école, lui a permis d'entrer dans le monde de l'art. En 1933, elle rencontre Alberto Giacometti, Man Ray, André Breton et Jean (Hans) Arp. Oppenheim est rapidement absorbé par le cercle surréaliste et expose trois tableaux au Salon des Surindépendants à Paris en 1933. Peu après avoir rencontré Man Ray, elle devient sa muse et pose comme modèle pour des images telles que Érotique Voilée (1933), dans laquelle elle apparaît nue derrière une grande roue d'imprimerie, l'avant-bras et la main gauches couverts d'encre noire et maintenus contre son front. L'image a été publiée dans la revue du mouvement surréaliste, Minotaure, en 1934. Cette année-là, elle entame également une relation amoureuse avec l'artiste Max Ernst, qui ne durera qu'un an. En 1935, Oppenheim participe à des expositions surréalistes internationales à Copenhague et à Tenerife, aux îles Canaries, puis, un an plus tard, à Londres et à New York.
Dans les années 1930, Oppenheim crée des assemblages d'objets quotidiens, dont beaucoup évoquent l'érotisme, comme My Nurse (1936), une paire de chaussures à talons hauts de femme attachées ensemble comme un gibier à plumes, avec des froufrous en papier (couronnes) sur les talons, et placées sur un plateau, la semelle vers le haut. C'est également en 1936 qu'elle a créé son œuvre d'art la plus célèbre. Après avoir discuté avec Pablo Picasso et Dora Maar dans un café parisien de tous les objets banals qu'elle pourrait recouvrir de fourrure et transformer en œuvres d'art - comme le bracelet qu'elle avait fabriqué et qu'elle portait à l'époque - Oppenheim choisit une tasse à thé, une soucoupe et une cuillère qu'elle recouvre de fourrure de gazelle de Chine. Le résultat, Object, a fait partie de la première exposition surréaliste organisée au Museum of Modern Art (MoMA) de New York, "Fantastic Art, Dada, Surrealism", sous la direction d'Alfred H. JR, en 1936, et a fait sensation du jour au lendemain dans le monde de l'art. Le MoMA a ensuite acquis Object, la première acquisition du musée (au cours des sept années qui ont suivi sa création) d'œuvres d'art réalisées par une femme. Breton nommera plus tard l'assemblage Le Déjeuner en fourrure, en clin d'œil au tableau emblématique d'Edouard Manet Le Déjeuner sur l'herbe (1863) et au roman érotique Venus en fourrures de l'écrivain autrichien Leopold von Sacher-Masoch (1870 ; titre original Venus im Pelz ; "Venus in Furs"). Profitant de sa nouvelle notoriété, Oppenheim expose pour la première fois en solo en 1936 à la Galerie Marguerite Schulthess à Bâle.
En 1937, Oppenheim retourne à Bâle et s'inscrit à l'école professionnelle pour deux ans afin d'étudier la conservation et la restauration d'œuvres d'art, des compétences qu'elle envisage d'utiliser pour gagner sa vie. Dépassé par la sensation provoquée par Object, Oppenheim se retire des surréalistes. Frustrée et effrayée par les contraintes que son succès précoce allait faire peser sur sa carrière artistique, elle a sombré dans une profonde dépression et une crise créative qui a duré près de deux décennies.
Selon ses propres dires, elle a "retrouvé très soudainement le plaisir de faire de l'art à la fin de l'année 1954" et a loué son propre studio à Berne, en Suisse. Au cours de cette période, elle a également commencé à écrire et à se tourner vers d'autres formes de production créative. Elle a créé des costumes pour une mise en scène de Daniel Spoerri de la pièce de Picasso Le Désir attrapé par la queue (1956). En 1959, elle crée une performance pour un groupe d'amis proches à Berne : La fête du printemps ("Frühlingsfest"), un banquet élaboré qu'Oppenheim a servi (sans couverts) sur le corps d'une femme nue étalée sur une longue table. Breton lui demande de reproduire l'œuvre pour l'Exposition inteRnatiOnale du Surréalisme (EROS) à Paris (1959-60). Bien qu'elle ait participé, elle n'a pas apprécié que l'on reproche à son travail d'objectiver les femmes, car son intention était de refléter l'abondance printanière offerte par la Terre mère. Elle n'a plus jamais exposé avec les surréalistes.
En 1967, Oppenheim a bénéficié d'une grande rétrospective à Stockholm. Son œuvre a été remise au goût du jour dans les années 1970 par des universitaires féministes désireuses de réintroduire dans l'histoire de l'art des femmes artistes oubliées. En 1975, elle a remporté le prix d'art de la ville de Bâle et, en 1982, le grand prix d'art de la ville de Berlin. Au cours de sa vie, Oppenheim a créé des bijoux, des sculptures, des peintures, des meubles, des performances et de la poésie. Elle a également conçu plusieurs fontaines publiques et privées au cours de ses dernières années. La haute fontaine en pierre controversée qu'elle a conçue pour une place publique à Berne (1983), qui laisse couler de l'eau et fait pousser des algues et de la mousse, a d'abord été considérée comme une horreur par les habitants de la ville. Les expositions de la fin du XXe siècle et du début du XXIe siècle, notamment les rétrospectives de New York (1996 ; Guggenheim Museum), de Berne (2006 ; Kunstmuseum) et de Berlin (2013 ; Martin-Gropius-Bau), l'ont présentée non pas comme l'artiste surréaliste à succès qu'elle était devenue dans les années 1930, mais comme une artiste aux multiples facettes, dont l'œuvre est variée et inspirée.
Pourquoi y a-t-il tant d'antiquités en Argentine ?
Dans les années 1880-1940, il y a eu une grande vague d'immigration encouragée par les périodes de guerre qui avaient lieu.
La 1ère guerre mondiale a eu lieu entre 1914 et 1918
La 2ème guerre mondiale a eu lieu entre 1939 et 1945
Les immigrants avaient le choix entre New York et Buenos Aires. Les billets étaient bon marché et à Buenos Aires, ils ont été accueillis à bras ouverts, car c'était un pays où tout était encore à faire.
L'Argentine est le pays des nouvelles opportunités, la main-d'œuvre est nécessaire et la liberté de religion est assurée. Dans de nombreux cas, les membres de la famille voyagent d'abord jusqu'à ce qu'ils soient installés, puis le reste de la famille les rejoint.
Dans le musée des immigrants "Ellis Island Immigrant Building" à New York, vous pouvez voir les affiches promotionnelles des bateaux qui les emmenaient vers une nouvelle vie.
Entre 1895 et 1896, l'Argentine avait le PIB (produit intérieur brut) par habitant le plus élevé au monde, selon l'indice Maddison Historical Statistics. Cette situation était due à l'exportation de grandes quantités de nourriture vers les pays européens en guerre.
Les navires argentins quittaient le port de Buenos Aires avec de la nourriture, mais ils revenaient avec des meubles, des vêtements et des éléments de construction, (il est courant de voir cela dans les vieux bâtiments du quartier historique de San Telmo, les poutres portant l'inscription "Made in England)", ainsi que de nombreux marchés qui ont été construits à Buenos Aires, comme le marché de San Telmo, dont la structure a été apportée par bateau et ensuite assemblée dans la rue 900 Defensa.
Avec la grande influence des immigrants européens vivant dans le pays, les enfants des classes supérieures voyagent pour étudier en France, ce qui donne lieu à l'inauguration de "La Maison Argentinienne", le 27 février. de juin 1928, dans la ville internationale de Paris, qui accueillait de nombreux Argentins qui étudiaient à Frace.
Il s'agit de la quatrième maison construite après la France, le Canada et la Belgique, et de la première maison hispanophone. Toujours en place aujourd'hui (17 Bd Jourdan, 75014, Paris, France). Nombre des enfants de ces familles aisées, qui ont fréquenté des expositions d'art internationales, des musées et des cours d'art à l'étranger, se sont vivement intéressés au style européen. C'est pourquoi Buenos Aires était à l'époque surnommée "le Paris de l'Amérique du Sud".
Entre les années 1890 et 1920, plus d'une centaine de palais ont été construits sur l'avenue Alvear, l'avenue la plus exclusive de Buenos Aires. Aujourd'hui, certains de ces palais ont été transformés en musées, hôtels et ambassades.
En 1936, le bâtiment Kavanagh a été inauguré, c'était le plus haut bâtiment en béton armé d'Amérique du Sud.
En 1994, l'American Society of Civil Engineers l'a distingué comme un "jalon international de l'ingénierie", et il est désormais considéré comme un patrimoine mondial de l'architecture moderne.
À l'époque, il était courant d'engager des architectes étrangers, comme Le Corbusier, qui a visité Buenos Aires/Argentine en 1929 et qui, en 1948, a dessiné les plans d'une maison construite dans la ville de La Plata (qui a été déclarée patrimoine mondial).
En 1947, l'architecte hongrois Marcelo Breuer a conçu le "Parador Ariston" dans la ville balnéaire de Mar del Plata. Après qu'un étudiant argentin de l'université de Harvard l'ait convaincu de venir en Argentine. Il a travaillé sur un projet de développement urbain dans le quartier de Casa Amarilla, à La Boca.
L'architecte ukrainien, Vladimiro Acosta, arrive en Argentine en 1928 et travaille comme architecte jusqu'à ce qu'il s'installe au Brésil.
Antonio Bonet, un architecte espagnol qui a travaillé avec Le Corbusier à Paris, arrive en Argentine en 1937, où il réalise plusieurs travaux d'architecture et conçoit en 1938 la célèbre chaise BFK.
Andres Kálnay, d'origine hongroise, a réalisé quelque 120 chefs-d'œuvre architecturaux, parmi lesquels se distingue l'ancienne brasserie de Munich, dont il a même conçu le mobilier.
L'architecte allemand Walter Gropius, directeur du Bauhaus, a vécu en Argentine, où il a écrit des articles pour le magazine "Sur" et a fondé à Buenos Aires un cabinet d'architecture avec Franz Möller, également architecte, où il a construit deux maisons.
À la même époque, plusieurs designers célèbres ont décidé d'immigrer en Argentine, parmi lesquels le célèbre designer français Jean-Michel Frank, qui est arrivé dans le pays en 1940 et a également travaillé pour la famille Rockefeller.
Des pièces spéciales ont été fabriquées, qui étaient vendues exclusivement dans le pays, comme la célèbre société allemande "WMF", qui vendait ses produits par catalogue, qui ont été choisis par les dames de la haute société dans la liste des cadeaux de mariage, ainsi que les pièces conçues par Christofle.
Le sculpteur suisse Alberto Giacometti a réalisé des pièces spéciales pour des demeures argentines.
En 1904, la première Branch de Jansen en dehors de Paris a été établie à Buenos Aires, car la clientèle argentine demandait une grande quantité de meubles, de la fin du XIXe siècle au milieu du XXe siècle.
En 1970, la marque Rigolleau Argentina fabrique des pièces autorisées par Lalique.
Les marques Maple et Thompson se sont également installées dans le pays.
L'artiste plasticien français Marcel Duchamp s'est installé en Argentine en 1918-1919.
Verre signé Gallé, Charder, Leverre, Schneider, Muller et d'autres entreprises françaises. Ils étaient achetés dans des magasins de fleurs et étaient offerts aux dames avec de belles compositions florales.
Certains fabricants de meubles se rendaient dans des foires internationales et achetaient les modèles pour produire les meubles en Argentine, comme l'entreprise de meubles Englander et Bonta, qui achetait les modèles en Italie.
Il convient de mentionner qu'en Argentine, nous avons la plus grande communauté d'Italiens en dehors de l'Italie, puisque l'on estime que 70 % des habitants ont au moins un descendant italien, suivis par les immigrants espagnols.
Les plus importants magasins de meubles en Argentine :
Comte est fondé en 1934 (sous la direction directe de Jean Michel Frank en 1940).
Nordiska (société suédoise créée en 1934).
Churba en 1960, une entreprise qui faisait venir des designers étrangers pour présenter leurs meubles dans le pays :
Danemark : (Arne Jacobsen, Finn Juhl, Bender Madsen, Ejner Larsen, Poul Kjaerholm, Hans Wegner)
Suède : (Hans Agne Jakobsson, Gustavsberg)
États-Unis : (Herman Miller)
Finlande : (Lisa Johansson, Folke Arstrom, Tapio Wirkkala, Alvar Aalto, Timo Sarpaneva)
Usine suédoise : (Orrefors)
Italie : (Littala, Vico Magistretti, Emma Gismondi, Gae Aulenti, Angelo Mangiarotti, Elio Martinelli, Gianna Celada, Angelo Mangiarotti, Mario Bellini, Carlo Scarpa)
Finlande : (Olivia Toikka)
Plata Lappas (Lappas Silver) : une orfèvrerie fondée en 1887 en Argentine par Alcibiades Lappas, d'origine grecque.
En 2019, en Argentine a eu lieu " le congrès mondial de l'Art déco ", auquel nous avons participé en tant qu'hôtes invités par Geo Darder, fondateur de la Copperbridge - Foundation, auquel des personnalités du monde entier ont assisté pour connaître l'Art déco en Argentine.
L'Argentine compte actuellement plus de 100 bâtiments Art déco et 90 autres bâtiments Art nouveau dans la ville de Buenos Aires.
L'Argentine est un pays qui n'a pas connu beaucoup de guerres, c'est pourquoi elle a été un refuge pour les œuvres d'art et les antiquités de différentes époques, contrairement aux pays européens. C'est ainsi que de nombreux collectionneurs, musées et antiquaires du monde entier le visitent, vous ne devriez pas manquer l'occasion de visiter ce grand pays.
Laura Guevara Kjuder, architecte.
- Attribué à:Meret Oppenheim (Artiste)
- Dimensions:Hauteur : 58,4 cm (23 po)Diamètre : 53 cm (20,87 po)
- Style:Art déco (De la période)
- Matériaux et techniques:Bronze,Bois
- Lieu d'origine:France
- Période:1930-1939
- Date de fabrication:1930
- État:Usure conforme à l'âge et à l'utilisation.
- Adresse du vendeur:Ciudad Autónoma Buenos Aires, AR
- Numéro de référence:Vendeur : F-CO-2091stDibs : LU6785231678302
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