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Amedeo Modigliani
Portrait de Berthe Lipchitz - Portrait moderne Dessin au crayon - Amedeo Modigliani

1916

À propos de cet article

Portrait au crayon sur papier signé de l'artiste italien Amedeo Clemente Modigliani. Le portrait est celui de Berthe Lipchitz qui était l'épouse de l'ami de Modigliani, le sculpteur Jacques Lipchitz. Cette œuvre est une étude pour le "Portrait de Jacques et Berthe Lipchitz" qui se trouve à l'Art Institute of Chicago. Signature : Signé en bas à droite Dimensions : Encadré : 26.75 "x18.25" Sans cadre : 18.75 "x12.25" Provenance : La Collection de Léopold Survage La Collection de Dimitri Snegaroff La Collectional de Leopold Zborowski Galerie Charpentier - Paris 1958 Collection'S privée française Galerie Pierre Levi's - Paris Collectional - Royaume-Uni Exposé : Galerie Charpentier - Cent Tableaux de Modigliani - Paris, 1958 Les Peintres de Zborowski - ~Fondation L'Hermitage, Lausanne 1994 Exposition Amedeo Modigliani - Museo d'Arte Moderna, Lugano 1999 Amedeo Modigliani est né dans une famille juive de la classe moyenne et était le frère d'Eugenio Modigliani, qui devint plus tard le chef du parti socialiste ouvrier italien avant la montée du fascisme. Modigliani a souffert d'une mauvaise santé pendant son enfance et a contracté une pleurésie en 1895, suivie en 1898 par le typhus avec des complications pulmonaires, qui ont abouti à la tuberculose en 1901. Il s'installe à Livourne pour étudier avec Guglielmo Micheli, qui avait lui-même été l'élève de Giovanni Fattori, l'un des peintres du groupe des Macchiaioli, qui travaillaient par fortes taches de couleur (macchie) pour obtenir des effets de lumière et de couleur vifs ; leur approche était une réaction contre l'art académique en Italie et, de la même manière que les impressionnistes français, ils préconisaient de peindre d'après nature plutôt que d'aspirer à communiquer un message ou une idéologie en particulier. En 1902, Modigliani s'inscrit à l'Académie des beaux-arts de Florence. En 1903, il se rend à Rome et à Venise, où il consacre l'essentiel de sa journée à la visite de musées. C'est à cette époque qu'il commence à lire Dante, rêvant sans doute de la VITA ; il dévore aussi les œuvres de Leopardi, Carducci, d'Annunzio, Spinoza et Nietzsche. En 1906, Modigliani s'installe à Paris et loge rue Caulaincourt. À cette époque, rien chez lui ne laisse présager la brillante carrière qui va suivre. Son arrivée dans le quartier des artistes, connu à l'époque sous le nom familier de maquis - l'enchevêtrement labyrinthique de rues étroites autour de l'actuelle avenue Junot à Montmartre - est passée pratiquement inaperçue pour les artistes qui y vivaient et y travaillaient déjà, notamment Picasso, Braque et Derain. La peinture de Modigliani n'a pratiquement pas eu d'impact immédiat et il a été reconnu principalement pour sa frêle constitution, ses yeux brillants, son élégance innée et ses prouesses intellectuelles. Il était accepté dans la communauté de Montmartre mais n'a jamais appartenu à un "groupe" ou à un cercle particulier, et il n'existe aucune trace de son invitation dans le studio de Pablo Picasso, le fameux "lavoir". Modigliani, lettré et très éloquent, choisit plutôt la compagnie de Maurice Utrillo, un peintre instinctif dont on aurait pu dire charitablement que sa conversation était, au mieux, limitée. Néanmoins, Modigliani et "Litrillo" (surnom donné à Utrillo par les "p'tits poulbots") commencent à fréquenter les cabarets et les dancings de la Butte de Montmartre, ainsi que les infâmes fumeries de haschisch - des "institutions" post-baudelairiennes, fréquentées essentiellement par des écrivains au chômage et des artistes sans talent. Modigliani développe une dépendance qui, aggravée par son alcoolisme, fait des ravages. Elle l'a également transformé d'un artiste aux capacités limitées en un artiste dépourvu de scrupules bourgeois. Dans sa monographie Modigliani : Sa Vie et Son Oeuvre, écrite en 1926 peu après la mort de Modigliani, André Salmon évoque un "pacte avec le diable". En exagérant quelque peu, on peut dire que ce peintre peu prometteur de Livourne s'est métamorphosé pratiquement du jour au lendemain en un artiste d'une habileté et d'une sensibilité rares. Le tournant se produit en 1907, lorsque Modigliani rencontre Paul Alexandre, un médecin qui se lie d'amitié avec lui, le prend sous son aile et achète certaines de ses œuvres. Aux tableaux banals qu'il avait réalisés à Montmartre succèdent soudain des œuvres exceptionnelles, produites d'abord à Montmartre (Le violoncelliste, 1909), puis à Montparnasse. A Montparnasse, Modigliani commence à fréquenter les milieux artistiques, rencontrant Chaim Soutine, Marc Chagall, Jules Pascin et d'autres, qui vivent et travaillent dans l'immeuble de la rue Vaugirard appelé "La Ruche". Puis, à la Cité Falguière, il rencontre le sculpteur d'origine roumaine Constantin Brancusi, qui l'encourage à se lancer dans la sculpture, ce qu'il fait, entre 1909 et 1913. En 1914, plusieurs marchands, dont l'ancien poète Léopold Zborowski et le collectionneur Paul Guillaume, tentent sans grand succès de commercialiser les tableaux de Modigliani. De 1914 à 1916, Modigliani est pris dans une liaison tumultueuse avec la poétesse et journaliste anglaise Beatrice Hastings. En 1917, il rencontre Jeanne Hébuterne à l'Académie Colarossi, qui devient sa compagne et son modèle, et qui donne naissance à leur fille Jeanne en 1918. En 1918 et 1919, Modigliani et Jeanne passent du temps à Nice, sur la Côte d'Azur, mais en 1920, il souffre d'une méningite tuberculeuse. Ses amis, Kisling et le Chilien Ortiz de Zarate, le ramènent à Paris avec Jeanne, enceinte, où il meurt le 20 janvier 1920 à l'hôpital de la Charité. Ses derniers mots auraient été : "CARA Italia". Le frère de Modigliani, alors député socialiste, a télégraphié des instructions pour "l'enterrer comme il convient à un prince". Le jour des funérailles de Modigliani, Jeanne Hébuterne, jeune peintre de vingt ans, se donne la mort avec son enfant à naître en se jetant d'une fenêtre du cinquième étage. Les premiers tableaux de Modigliani sont des portraits sans distinction, à la manière des impressionnistes. Après s'être installé à Paris en 1907, ses premières œuvres sont influencées par le lithographe d'origine suisse Théophile Alexandre Steinlen, Henri de Toulouse-Lautrec et Pablo Picasso, ce dernier étant alors dans sa période "bleue". Dès le début, la principale préoccupation de Modigliani est la figure humaine. Après les limbes artistiques (et littérales) de Montmartre, où sa production s'est limitée à quelques peintures expressionnistes de la vie de la rue, du théâtre et du cirque, Modigliani a soudainement fait irruption sur la scène en 1909 avec Artistics, une toile robuste, bien construite et vivement colorée qui a dépassé toutes les attentes préalables. Il n'a pas pris part aux longs débats qui ont lieu chaque nuit dans le Studio de Picasso, mais il a assimilé superficiellement les idées cubistes développées par Picasso et Georges Braque. Modigliani avait surtout été influencé par l'art africain, qui était un élément clé du mouvement cubiste. Il a réussi à trouver un équilibre entre l'approche froidement analytique des cubistes et la perception européenne trop commune de l'art africain comme une succession de grimaces faciales exagérées. Il semblerait que Modigliani ait toujours été attiré par la sculpture en tant que discipline. Les encouragements amicaux qu'il reçoit à partir de 1909 de la part de Brancusi intensifient sans doute son intérêt et renforcent ses tentatives d'atteindre une simplicité soutenue de la ligne et de la forme. En 1910, il se lie d'amitié avec les artistes russes Alexander Archipenko et Jacques Lipchitz, qui ont tous deux noté le dégoût de Modigliani pour le modelage dans l'argile (qu'il appelait "boue"), au motif qu'il dégradait l'art de la sculpture. Comme Brancusi, Modigliani croyait au travail direct, sculptant dans le bois pour deux pièces conservées, et dans la pierre (de sable) pour d'autres, à l'exception de quelques bronzes qui ont vraisemblablement été modelés dans l'argile avant d'être coulés dans le bronze. Sa sculpture est influencée par les cultures archaïques et non occidentales - gréco-romaine primitive, africaine et khmère - ainsi que par les têtes sculptées sur les colonnes ornant les façades des cathédrales romanes et gothiques (Modigliani sculptait rarement une vue arrière de ses personnages). Jusqu'en 1912 environ, ses sculptures prennent la forme de grands cylindres, généralement dotés de têtes allongées et d'échancrures ou de saillies en relief peu profondes pour indiquer la racine des cheveux, les traits du visage et le cou. Il ne s'écarte que rarement de ce style, notamment dans un petit nombre de pièces que l'on pense avoir été sculptées en 1913 et qui se caractérisent par un format cubiste comprimé et des traits moins profonds et moins distincts. Modigliani finit par abandonner la sculpture, probablement en raison de son état de santé général et de sa situation, et peut-être aussi parce que ses sculptures se vendaient encore moins cher que ses peintures. Pendant les années qu'il consacre à la sculpture, Modigliani ne produit que trente toiles, bien qu'après 1913, sa sculpture se reflète dans sa peinture. Après sa période montmartroise, l'œuvre de Modigliani se développe en termes quantitatifs et qualitatifs, probablement grâce à la relative stabilité de sa relation avec Jeanne Hébuterne. Les premières peintures après sa phase sculpturale éphémère le voient revenir brièvement au pointillisme néo-impressionniste, suivi d'un épisode marqué par le cubisme, qui se manifeste principalement dans les portraits d'amis et de collègues artistes vivant et travaillant à Montparnasse : Henri Laurens ; Juan Gris (1915) ; Jacques Lipchitz et sa femme ; Chaim Soutine ; Léopold Sauvage ; Paul Guillaume ; Max Jacob ; Béatrice Hastings con Capello (tous en 1916) ; Mlle Modigliani (1917) ; Léon Bakst ; Léopold Zborowski ; Fils de concierge ; Adolescent (1918) ; Mademoiselle Lunia Czechowska ; Madame Zborowska ; Portrait de la femme de l'artiste (1919). Parmi ses dessins, il existe un grand nombre d'autres portraits, la plupart exécutés de manière impromptue dans la rue ou dans les cafés. Ces portraits rapidement dessinés font souvent preuve d'une urgence et d'une lucidité surprenante. Citons par exemple Portrait du peintre gitan Fabiano de Castro ; André Salmon (1918) ; Portrait de la femme de l'artiste (1919) ; et Lada, auteur ; Mario, compositeur (1920). Quels que soient ses défauts, Amedeo Modigliani est l'un des plus grands peintres de la forme féminine du XXe siècle. La plupart de ses nus peints ont été réalisés en 1915-1916 (avant cette date, il s'agissait essentiellement de dessins), et sont tirés de tous les milieux, comme une habituée d'un café de Montparnasse ou une serveuse de la soupe populaire où il prenait ses maigres repas. Dans tous les cas, il a investi ses modèles d'une hauteur presque aristocratique. Ceci est illustré par un certain nombre de peintures (généralement basées sur de nombreux dessins antérieurs) : Flower Girl ; Blonde Lady ; Sleeping Nude (1917) ; Blonde Nude ; Young Woman ; Maria (1918) ; Pink Nude ; Reclining Nude ; Nude on a Divan ; Woman with a Fan (1919) ; and Young Woman in a Chemise ; Reclining Nude (1920). Modigliani peint ses sujets dans des ovales allongés et elliptiques : le gonflement d'un sein, la courbe prononcée du bassin, la plénitude de la cuisse, l'ovale symétrique du visage et l'arabesque gracieuse du corps. Les traits du visage sont réduits au strict minimum, avec des yeux typiquement vides, comme ceux d'une statue. Il a utilisé la couleur comme matériau de construction, de la même manière que la pierre dans la sculpture, en juxtaposant des roses sourds, des ocres et des bruns pâles à des tons de fond discrets fournis par le décor et les vêtements. L'effet global est de produire une image plate dépourvue de clair-obscur mais qui capture l'essence d'un sujet. On a souvent remarqué que ses femmes, avec leur tête allongée et leur long cou gracieux, généralement incliné sur le côté, possèdent une beauté mélancolique proche de celle des Madones de Sienne (dont Modigliani gardait des reproductions épinglées au mur de son Studio), ce qui a valu à Modigliani le surnom de "peintre des chagrins". À partir de 1917, la plupart de ses nus, caractérisés par une élongation plus prononcée du corps féminin et une palette plus claire, sont modelés par Jeanne Hébuterne et Luna Czechowska. Très peu d'artistes ont fait l'objet d'autant de monographies et de biographies que Modigliani ; la sélection annexée à cette entrée n'indique que quelques-unes des plus importantes d'entre elles. On a peut-être trop insisté sur sa vie d'artiste maudit, sur sa vie "maudite" mais colorée, plutôt que sur la qualité de son œuvre. Certains critiques ont décelé en lui un artiste d'une grande et persistante curiosité intellectuelle ; d'autres soulignent qu'il était un "gentleman jusqu'au bout" et insistent sur sa fragilité physique, ignorant que celle-ci faisait partie intégrante de sa créativité. Plus grave, sa notoriété posthume auprès du grand public joue à la fois en sa faveur et en sa défaveur, comme si sa popularité ultérieure était devenue l'étalon de sa capacité artistique. Le maniérisme de son style fait qu'un "Modigliani" est immédiatement reconnaissable, mais son succès dans l'adaptation du cubisme et de l'art africain à un langage et à une palette qui lui sont entièrement propres le place carrément au cœur du mouvement moderne. L'œuvre d'Amedeo Modigliani a figuré dans de nombreuses expositions collectives, notamment : Paris en 1908, où il expose sa Juive et trois autres toiles ; le Salon des Indépendants en 1910 ; et le Salon d'Automne en 1912, où il présente des exemples de ses sculptures. Sa participation posthume à la Biennale de Venise de 1922 a été considérée en Italie comme un véritable fiasco, ce qui a incité le critique Giovanni Scheiwiller à paraphraser la remarque de Charles Baudelaire selon laquelle "nous savons que peu de gens nous comprendront, mais cela suffira". En 1917-1918, la Berthe Weill Gallery organise une exposition personnelle à l'instigation de Zborowski mais, sur ordre du chef de la police de l'époque, certains des nus sensuels de Modigliani sont retirés pour cause d'indécence présumée. Le 20 décembre 1918, la Paul Gallery expose plusieurs tableaux de Matisse aux côtés d'autres de Matisse, Picasso et Derain. Toutes les autres expositions de l'œuvre de Modigliani ont eu lieu depuis sa mort. Elles comprennent celles de la Bernheim-Jeune Gallery à Paris (1922) ; de la Galerie Bing (Paris, 1925 et 1927) ; de la Marcel Benhelm Gallery (Paris, 1931) ; du Palais des Beaux-Arts (Bruxelles, 1933) ; de la Kunsthalle Basel (1934) ; de l'American-British Art Center (New York, 1944) ; Galerie de France (Paris, 1945 et 1949) ; Gimpels Fils Gallery (Londres, 1947) ; Cleveland Museum of Art (1951) ; Museum of Modern Art (New York, 1951) ; Cantini Museum (Marseille, 1958) ; Palazzo Reale (Milan, 1958) ; Galerie Charpentier (Paris, 1958) ; Chicago Arts Club (1959) ; Cincinnati Art Museum (1959) ; Galleria Nazionale d'Arte Moderna (Rome, 1959) ; Boston Museum of Fine Arts (1961) ; Perls Galleries (New York, 1963 et 1966) ; Kyoto National Museum of Modern Art (1968) ; Musée Jacquemart-André (Paris, 1970) ; Musée St-Georges (Liège, 1980) ; Tokyo Arts Centre (1980) ; Musée de l'Art Moderne de la Ville de Paris (1970 ; une exposition complète des sculptures de Modigliani) ; North Rhine-Westphalia Art Collection (Düsseldorf, 1991) ; Palazzo Grassi (Venise, 1993-1994) ; the Royal Academy (Londres, 1993-1994 : exposition de 430 dessins de la collection de Paul Alexandre, reprise ensuite à Tokyo, Tel Aviv, Montréal et, en 1996, au Musée des Beaux-Arts de Rouen) ; Modigliani : l'ange au visage grave au Musée de Luxembourg (Paris, 2002) ; et Linear Grace : Drawing and Sculpture by Amedeo Modigliani, une exposition organisée en 2003 par l'University Art Museum and Gallery, Pokfulam, Hong Kong. Fonds de musées et de galeries Anvers (Koninklijk Mus. voor Schone Kunsten) : Nu accroupi Buffalo (Albright-Knox AG) : Servante (La Servante) (c. 1918, huile sur toile) ; Deux femmes Chicago (AI) : Madame Pompadour (1915) ; Portrait de Jacques Lipchitz et de sa femme (1916-1917) ; Femme au collier (1917). Cincinnati (AM) : Femme au collier rouge (peinture) ; Portrait de Max Jacob (peinture) ; Nu assis (dessin) ; Cariatide (dessin) ; Sans titre (gravure) Cologne (Mus. Ludwig) : Almaisa l'Algérienne (1917) Copenhague (Statens Mus. for Kunst) : Self-Portrait en Pierrot (1915) ; Alice (1916) Détroit : Portrait de femme Düsseldorf (Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) : Kisling (1915-1916) ; Portrait de Max Jacob (1916) Helsinki (Ateneumin Taidemus.) : Portrait de Léopold Survage (1917) Indianapolis (MA) : Boy in a Blue Jacket (1919) Londres (Courtauld Institute of Art) : Nu féminin (c. 1916, huile sur toile) Londres (Collection TATE) : Tête (c. 1911-1912, pierre calcaire, sculpture) ; Le petit paysan (c. 1918, huile sur toile) ; Portrait d'une jeune fille (c. 1917, huile sur toile). Los Angeles (County MA) : Frank Haviland (1914) Merion (Fondation Barnes) : Beatrice Hastings con Capello (1916) ; Nu couché (arrière) (1917) ; Jeune fille assise (1918) ; Portrait de profil de Jeanne Hébuterne (1918) ; Hanka Zborowska (1919) ; Cyprès et maisons (huile sur toile). Milan (Gal. d'Arte Moderna) : Portrait de Paul Guillaume (1915) Moscou (MFA Pouchkine) : Portrait féminin ; Portrait de Blaise Cendrars (1919, dessin) New York (Metropolitan Mus. of Art) : Femme italienne ; Jean Hébuterne à Camicia (1918) ; Nu couché (1918, huile sur toile) New York (MoMA) : Caryatide (c. 1913-1914, sculpture) ; Nu assis (1914) ; Mariés (1915) ; Hanka Zborowska (1917) ; Femme s'appuyant sur un coude (1918) ; Nu couché (Le Grand Nu) (1918-1919) ; Mario (1919-1920). New York (Solomon R. Guggenheim Mus.) : Tête (c. 1912, sculpture) ; Nu couché avec les mains derrière la tête (1917) ; Étudiant (1917) ; Garçon en bleu (1918) ; Portrait de Jeanne Hébuterne devant une commode (1919) ; Pull-over jaune (1919). Paris (MAMVP) : Femme aux yeux bleus ; Femme aux boucles d'oreilles : Lunia Czechowska avec un éventail (1919) Paris (MNAM-CCI) : Tête ou cariatide (1913, sculpture) ; Lolotte (1917) ; Portrait de Madame Haydn (c. 1917). Paris (Mus. de l'Orangerie) : Fille aux cheveux rouges (1915) ; Antonia (1915) ; Femme au ruban de velours (1915) ; Portrait de Paul Guillaume (1915) ; Jeune apprenti (1917-1918) Paris (Mus. National des Arts et Traditions Populaires) : Portrait d'une jeune femme aux cheveux longs (1910-1912) Riehen (Fondation Beyeler) : Portrait de Beatrice Hastings (1916) Rome (Gal. Nazionale d'Arte Moderna) : Femme au collier (Madame Zborowska) (1917) São Paulo (MA) : Diego Rivera (1914-1915) ; Portrait de Léopold Zborowski (1917) ; Renée (1917) ; Portrait de Madame G. Van Muyden (1917) Troyes (MAM, donation Pierre et Denise Lévy) : Tête de femme Washington DC (NGA) : Tête de femme (1910-1911, pierre calcaire, sculpture) ; Chaim Soutine (1917, huile sur toile) ; Gitane avec bébé (1919, huile sur toile) ; autres peintures. Zurich (Kunsthaus) : Servante (1916)
  • Créateur:
    Amedeo Modigliani (1884 - 1920, Italien)
  • Année de création:
    1916
  • Dimensions:
    Hauteur : 67,95 cm (26,75 po)Largeur : 46,36 cm (18,25 po)
  • Support:
  • Mouvement et style:
  • Période:
  • État:
    Très bon état d'origine.
  • Adresse de la galerie:
    Marlow, GB
  • Numéro de référence:
    Vendeur : LFA04521stDibs : LU415316436162

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Il collabore ensuite à diverses publications en tant que dessinateur et chroniqueur, en commençant en 1876 par La Cravache, puis en collaborant aux journaux Le Journal Amusant, Le Figaro et L'Écho de Paris. Il découvre ainsi les différents mondes de la société parisienne - le monde du théâtre, des spectacles, de la littérature - et note avec malice les habitudes et les travers propres à chacun. Cela l'a conduit à suivre une voie très caractéristique de cette période, déjà observée dans les travaux de Steinlen, Caran d'Ache et Toulouse-Lautrec dans les revues La Pléiade, La Vogue et La Revue Blanche. Son œuvre dresse un portrait de la société de l'époque, non pas de manière strictement imitative mais sous la forme du "dessin-charge" ou de la caricature légère. En 1880, il illustre les Croquis Parisiens de J.-K. Huysmans. Si les journaux auxquels il collaborait ne lui laissaient pas suffisamment de liberté pour exprimer la causticité qu'il ressentait, la création du Courrier Français puis du Rire lui ont permis de donner libre cours à son éloquence particulière. Le scandale politico-financier de la faillite de la Compagnie Universelle du Canal Interocéanique en 1892 lui fournit un terrain d'observation privilégié des affairistes et des politiciens véreux qui nagent dans les eaux troubles du monde judiciaire. Il décide de rassembler ses dessins dans des albums thématiques qui constituent un tableau de la société de son temps : en 1892 L'Album Forain, La Comédie Parisienne, en 1893 Les Temps Difficiles, Nous, Vous, Eux et en 1897 Doux Pays. Dans l'affaire Dreyfus, Forain se range du côté des opposants à la révision du procès. En 1898-1899, il fonde avec Caran d'Ache la société Pss't ! qui deviendra un vecteur d'antisémitisme, plus féroce qu'habile, mais qui trouvera toujours son marché. Forain a également fondé la revue Le Fifre et a été l'un des membres fondateurs de la Société des Humoristes. De 1914 à 1920, il réalise pour Le Figaro une longue série d'illustrations sur la Première Guerre mondiale, dans lesquelles il oppose l'héroïsme des soldats sur le front à la lâcheté de ceux qui se dérobent à l'arrière-plan. Il se convertit alors à la religion et consacre les dernières années de sa vie à des sujets pieux dans lesquels il ne peut utiliser le pilier de son talent : son esprit caustique et même un certain degré de méchanceté. Il a été fait Chevalier de la Légion d'Honneur en 1893 et a reçu de nombreuses distinctions, dont l'élection à l'Institut de France. Outre ses nombreuses collaborations à des revues et magazines de l'époque, Forain a réalisé des eaux-fortes et 99 lithographies, dont quelques affiches. 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Portrait sensible d'un jeune homme dans les années 1950 The Moderns Modernity par Harold Haydon
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Portrait sensible et finement rendu d'un jeune homme dans les années 1950 par le célèbre artiste de Chicago, Harold Haydon (Am. 1909-1994). Dimensions de l'œuvre : 12 x 9 1/2 pouces...
Catégorie

Milieu du XXe siècle, Modernisme américain, Dessins et aquarelles - Port...

Matériaux

Papier, Graphite

Un étonnant portrait moderne du milieu du siècle d'un beau jeune homme noir de profil
Par Harold Haydon
Un étonnant portrait moderne du milieu du siècle d'un beau jeune homme noir par le célèbre artiste de Chicago, Harold Haydon (Am. 1909-1994). Un magnifique portrait d'étude en studi...
Catégorie

Milieu du XXe siècle, Modernisme américain, Dessins et aquarelles - Figu...

Matériaux

Papier, Pastel, Graphite

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