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Georges BraqueLa Charrue (Vallier 150), Derrière le miroir1960
1960
À propos de cet article
Lithographie sur papier vélin. Format du papier : 15 x 22 pouces, avec pli central, tel qu'il a été publié. Inscription : Non signé et non numéroté, tel que publié. Références du catalogue raisonné : Vallier, Dora, et al. Braque, l'intégrale des graphiques : Catalogue raisonné. Traduit par Robert Bononno, The Illustrated Gallery Books, 1988, illustration 150. Notes : Extrait de l'in-folio Derrière le miroir, Poètes, peintres, sculpteurs, N° 119, 1960. Publié par Aimé Maeght, Éditeur, Paris ; imprimé par Mourlot Frères, Paris, 1960. Notes supplémentaires : Extrait d'un essai de lot de Christie's, New York, La durée de vie de Derrière le Miroir a été de trente-cinq ans. La publication a commencé en 1946. Aimé Maeght, initiateur de Derrière le Miroir, avait déjà fait quelques tentatives pour lancer des publications illustrées de belles lithographies imprimées en couleurs dans les années précédant le lancement de Derrière le Miroir. Le nom Derrière le Miroir a été suggéré par Jacques Kober, directeur de la Galerie Maeght. La galerie avait ouvert en 1945 ; le premier numéro de Derrière le Miroir est sorti un an plus tard. Pour ce premier numéro, Geer van Velde a été invité à créer des lithographies pour illustrer la publication. Les lithographies du premier numéro ont été imprimées par Mourlot, Paris. Les trois premières éditions de Derrière le Miroir ont été un échec pour Maeght en ce qui concerne la taille de l'édition - les tirages initiaux étaient beaucoup trop importants. De 30 000 pour la première édition, le nombre a été ramené à 10 000 pour les numéros deux et trois, jusqu'à ce que Derrière le Miroir numéro quatre soit publié avec un tirage de 1500 exemplaires. Maeght a institué une politique selon laquelle les numéros invendus étaient recyclés et utilisés pour la fabrication de nouveau papier pour les éditions suivantes - ce qui a permis à la fois de préserver les ressources et de faire en sorte que les éditions finales soient bien inférieures à 1 500 exemplaires. Avec le numéro quatre, le format permanent de Derrière le Miroir est établi. Les lithographies en couleurs sont essentielles, les textes se limitent à des commentaires sur l'exposition de l'artiste présenté à la Galerie Maeght, et ce format de catalogue est caractéristique de Derrière le Miroir. La Galerie Maeght a assumé le rôle de leader à Paris et a présenté tous les principaux artistes, notamment Braque, Matisse, Chagall, Léger, Bonnard, Chillida et bien d'autres. Il en va de même pour Derrière le Miroir. Entre-temps, l'idée d'un magazine est restée dans l'esprit d'Aimé Maeght. Il a trouvé un insert comme solution. A partir de 1952, deux, puis quatre pages de critique d'art ont été insérées. En 1968, cette découverte a mûri jusqu'à l'indépendance et le rêve d'Aimé Maeght est désormais un fait tangible nommé L'Art vivant. Derrière le Miroir a retrouvé sa place. Plus de 250 numéros d'affilée. L'éditeur Aimé Maeght souhaitait alors marquer le coup en publiant un hommage à tous ceux qui ont contribué à la revue, sous la forme du numéro 250, mais le décès d'Aimé Maeght l'a retardé. Publié après le numéro 253 en 1982, il devient un hommage à Aimé et Marguérite Maeght et à 35 ans d'amitié avec des artistes et des poètes. L'ère de Derrière le Miroir s'est achevée avec cette dernière publication.
GEORGES BRAQUE (1882-1963) est un peintre, collagiste, dessinateur, graveur et sculpteur français majeur du XXe siècle. Ses contributions les plus notables sont son alliance avec le fauvisme à partir de 1905 et le rôle qu'il a joué dans le développement du cubisme. L'œuvre de Braque entre 1908 et 1912 est étroitement associée à celle de son collègue Pablo Picasso. Leurs œuvres cubistes respectives sont restées indiscernables pendant de nombreuses années, mais la nature tranquille de Braque a été partiellement éclipsée par la célébrité et la notoriété de Picasso. En 2013, le tableau Paysage à la Ciotat de Braque a été vendu chez Sotheby's pour 15,8 millions de dollars américains, établissant le record mondial de l'artiste.
- Créateur:Georges Braque (1882 - 1963, Français)
- Année de création:1960
- Dimensions:Hauteur : 38,1 cm (15 po)Largeur : 55,88 cm (22 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Auburn Hills, MI
- Numéro de référence:1stDibs : LU1465216454492
Georges Braque
Georges Braque est né à Argenteuil, en France, en 1882. Braque a vécu une grande partie de son enfance et de sa vie de jeune adulte au Havre. Il suit les cours du soir de l'école des beaux-arts de 1897 à 1999, puis s'installe à Paris, où il obtient sa licence de maître décorateur. À partir de 1905-06, après avoir étudié à l'École des Beaux-Arts de Paris et avoir été influencé par les œuvres de Henri Matisse, il commence à peindre à la manière du fauvisme en utilisant des couleurs vives et en tirant parti de la liberté de la composition. Paysage à L'Estaque (1906) est l'une des principales œuvres d'art réalisées à cette époque.
L'année 1907 est une période importante dans le développement de Braque, puisqu'il visite la rétrospective de Paul Cézanne et qu'il entre en contact avec Picasso, qui est alors très absorbé par la réalisation de Les Demoiselles d'Avignon. C'est à cette époque que Braque commence à s'intéresser de près à l'art primitif. Après la Première Guerre mondiale, Braque travaille de manière autonome et développe un style plus personnel, caractérisé par des couleurs vives et des surfaces texturées. Braque a peint des natures mortes, des vues d'intérieur et des scènes de mer. Les séries Ateliers (1948-55) et Birds (1955-63) ont été peintes pendant cette période. En 1948, il obtient son premier prix de peinture à la XXIVe Biennale de Venise .
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JEAN POUGNY (1892-1956), également connu sous le nom d'Ivan Albertovich Puni, était un suprématiste russe d'avant-garde, un cubo-futuriste et un artiste français, qui changea intensément son style jusqu'à ce qu'il devienne un primitivisme lyrique dans la direction de Pierre Bonnard et d'Edouard Vuillard. Il poursuivit sa formation formelle à Paris en 1910-11 à l'Académie Julien et dans d'autres écoles, où il peignit dans un style fauviste dérivé. À son retour en Russie en 1912, il épouse une autre artiste, Xenia Boguslavskaya, et rencontre des membres de l'avant-garde de Saint-Pétersbourg, dont Kazimir Malevitch et Vladimir Tatlin, avec lesquels il expose. Il effectue un second voyage à Paris en 1914, puis retourne à Saint-Pétersbourg lorsque la Première Guerre mondiale éclate. C'est alors qu'il commence à peindre dans un style cubiste qui rappelle Juan Gris. En 1915, Puni organise les expositions Tramway V et 0.10, toutes deux tenues à Saint-Pétersbourg, auxquelles participent Malevitch, Tatlin, Aleksandra Ekster, Liubov Popova, Ivan Kliun...
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