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John ChamberlainJohn Chamberlain, Signé Western Union cable re: sculpture show at Leo Castelli1982
1982
À propos de cet article
John Chamberlain
Lettre signée à la main concernant l'exposition de Leo Castelli, 1982
Machine à écrire sur papier (signé à la main)
6 1/2 × 8 1/2 pouces
Signé à la main par l'artiste, au feutre violet
Le télégramme/la lettre signé(e) à la main fait référence à l'exposition de Chamberlain à la légendaire Leo Castell Gallery.
Un morceau d'histoire !
Biographie de John Chamberlain
John Chamberlain (1927 - 2011) est un artiste américain par excellence, qui a su canaliser le pouvoir d'innovation des années d'après-guerre dans une pratique inlassablement inventive s'étendant sur six décennies. Il s'est d'abord fait connaître par ses sculptures réalisées à la fin des années 1950 et dans les années 1960 à partir de pièces détachées d'automobiles. Ces œuvres révolutionnaires ont effectivement transformé en trois dimensions l'énergie gestuelle de la peinture de l'expressionnisme abstrait. D'une échelle allant de la miniature au monumental, les compositions de Chamberlain en métal tordu, écrasé et forgé ont également comblé le fossé entre le Process Art et le Minimalisme, en tirant les principes de ces deux arts vers une nouvelle parenté. Ces œuvres singulières l'ont établi comme l'un des premiers artistes américains à déterminer la couleur comme une composante naturelle de la sculpture abstraite. De la fin des années 1960 à la fin de sa vie, HAR a exploité le potentiel expressif d'une gamme étonnante de matériaux, allant du plexiglas, de la résine et de la peinture à la mousse, au papier d'aluminium et aux sacs en papier.
Après avoir passé trois ans dans la marine américaine pendant la Seconde Guerre mondiale, Chamberlain s'est inscrit à l'Art Institute of Chicago et au Black Mountain College, où il a développé les bases critiques de son travail. Chamberlain a vécu et travaillé dans de nombreuses régions des États-Unis, se déplaçant entre New York City, Long Island, Los Angeles, Santa Fe, Connecticut et Sarasota, avant de s'installer à Shelter Island. À bien des égards, chaque lieu a suscité une sensibilité matérielle distincte, souvent définie par la disponibilité de ce matériau ou les limites de l'espace physique. À New York, M. Chamberlain a récupéré de la ferraille et des dalles acoustiques de 15 cm au plafond de son studio. Il choisit l'uréthane à Los Angeles en 1965 (un matériau qu'il envisageait depuis de nombreuses années), et la pellicule au Mexique en 1968. Il finit par revenir au métal en 1972 et, à Sarasota, il élargit l'échelle de ses œuvres pour réaliser ses emblématiques Gondoles (1981 - 1982). Le mouvement de l'artiste et l'évolution ultérieure de l'œuvre sont révélateurs non seulement d'une sorte d'agitation américaine, mais aussi de l'évolution personnelle de Chamberlain : il décrivait parfois son utilisation de matériaux automobiles comme des autoportraits sculpturaux, imprégnés de l'équilibre et du rythme caractéristiques de l'artiste lui-même.
Chamberlain refusait de séparer la couleur de sa pratique, déclarant : " Je n'ai jamais pensé à la sculpture sans la couleur ". Voyez-vous quelque chose autour de vous qui n'a pas de couleur ? Vivez-vous dans un monde sans couleur ? Dans ses premières sculptures, la couleur n'était pas ajoutée, mais composée à partir de la palette préexistante des pièces automobiles qu'il choisissait. En 1974, Chamberlain a commencé à ajouter de la couleur au métal, en faisant couler et en pulvérisant - et parfois en sablant - de la peinture et de la laque sur ses composants métalliques avant leur intégration. Avec ses œuvres en mousse de polyuréthane, la couleur est une variable de la lumière : les rayons ultraviolets ou la lumière du soleil font passer le matériau du blanc à l'ambre. C'est cet effet visuel profond qui a permis à la main personnelle de l'artiste, expressionniste abstrait, de se transformer en sculpture industrielle tridimensionnelle. Chamberlain passe sans transition de l'échelle au volume, créant des explorations matérielles dans des feuilles d'aluminium peintes monumentales et épaisses dans les années 1970, et plus tard, dans les années 1980 et 1990, des miniatures en feuilles d'aluminium colorées et en acier peint au chrome.
Au cœur des œuvres de Chamberlain se trouve la notion de poids et de physicalité de la sculpture, qui perturbe l'espace qu'elle occupe. Dans la série des Barges (1971 - 1983), il réalise d'immenses canapés en mousse, invitant les spectateurs à se prélasser sur le paysage capitonné. À la fin de sa carrière, Brilliante a déplacé sa pratique à l'extérieur et, grâce à une série d'expériences déterminées, a finalement créé des sculptures brillantes aux couleurs de bonbons en papier d'aluminium torsadé. En 2012, quatre de ces sculptures ont été exposées à l'extérieur du Seagram Building à New York, accompagnées de titres ludiques tels que " PINEAPPLESURPRISE " (2010) et " MERMAIDSMISCHIEF " (2009). Ces dernières œuvres illustrent le dévouement de Chamberlain au changement - de ses matériaux, de sa pratique et, par conséquent, de l'art américain.
Chamberlain a fait l'objet de nombreuses expositions personnelles, dont deux rétrospectives majeures au Solomon R. Guggenheim Museum de New York en 2012 et 1971 ; "John Chamberlain, Squeezed and Tied" (John Chamberlain, pressé et attaché). Foam and Paper Sculptures 1969-70, Dan Flavin Art Institute, Dia Center for the Arts, Bridgehampton NY (2007) ; 'John Chamberlain. Foam Sculptures 1966-1981, Photographs 1989-2004,' Chinati Foundation, Marfa TX (2005) ; 'John Chamberlain. Current Work and Fond Memories, Sculptures and Photographs 1967-1995,' Stedelijk Museum, Amsterdam, Pays-Bas (Exposition itinérante) (1996) ; et 'John Chamberlain. Sculpture, 1954-1985", Museum of Contemporary Art, Los Angeles CA (1986). Les sculptures de Chamberlain font partie d'expositions permanentes à la Chinati Foundation à Marfa TX et à Dia:Beacon dans le nord de l'État de New York. En 1964, Chamberlain a représenté les États-Unis dans le pavillon américain de la 32e exposition internationale de la Biennale de Venise. Il a reçu de nombreuses récompenses au cours de sa vie, notamment un doctorat en Fine Art, honoris causa, du College for Creative Studies, Detroit (2010) ; le Distinction in Sculpture Honor du Sculpture Center, New York (1999) ; la Gold Medal du National Arts Club Award, New York (1997) ; le Lifetime Achievement Award in Contemporary Sculpture de l'International Sculpture Club, D.C. (1993) ; et la Skowhegan Medal for Sculpture, New York NY (1993).
-Avec l'aimable autorisation de Hauser & Wirth
Leo Castelli
Leo Castelli est né en 1907 à Trieste, une ville située sur la mer Adriatique qui, à l'époque, était le principal port de l'Empire austro-hongrois. Le père de Leo, Ernest Kraus, était directeur régional de la plus grande banque d'Autriche-Hongrie, la Kreditandstalt ; sa mère, Bianca Castelli, était la fille d'un marchand de café de Triesten.
Avec l'éclatement de la Première Guerre mondiale en 1914, la famille Kraus s'est installée à Vienne où Leo a poursuivi ses études. Les funérailles de l'empereur François Joseph, auxquelles il a assisté en novembre 1916, constituent un moment particulièrement mémorable pour Leo au cours de cette période de sa vie. Leo et sa famille sont retournés à Trieste à la fin de la guerre en 1918. Avec la chute de l'Empire austro-hongrois, Trieste a embrassé sa nouvelle identité italienne. Motivé par ce changement, Ernest a décidé d'adopter le nom de jeune fille de sa femme, Castelli, à consonance plus italienne, que ses enfants ont également adopté.
À bien des égards, le retour des Castelli à Trieste après la guerre a marqué un nouveau départ optimiste pour la famille. Ernest est nommé directeur de la Banca Commerciale Italiana, qui a remplacé la Kreditandstalt comme banque principale à Trieste. Cette position élevée a permis à Ernest et Bianca de cultiver un style de vie cosmopolite. Ensemble, ils organisaient fréquemment des fêtes qui les mettaient en contact avec un large éventail de personnalités politiques, financières et culturelles. En grandissant dans un tel environnement, Leo et ses deux frères et sœurs, Silvia et Giorgio, ont développé une forte appréciation de la haute culture. Pendant cette période, Leo se passionne pour la littérature moderne et perfectionne sa maîtrise de l'allemand, du français, de l'italien et de l'anglais.
Après avoir obtenu son diplôme de droit à l'université de Milan en 1932, Leo a commencé sa vie d'adulte en tant qu'agent d'assurance à Bucarest. Bien que Leo ait trouvé ce travail peu satisfaisant et fastidieux, les personnes qu'il a rencontrées à Bucarest ont compensé cette lacune. Parmi les connaissances les plus importantes de Leo à cette époque figure l'éminent homme d'affaires Mihail Shapira. Leo finit par se lier d'amitié avec le reste de la famille Shapira et, en 1933, il épouse la plus jeune fille de Mihail, Ileana.
En 1934, Leo et Ileana s'installent à Paris où, grâce à l'influence de son beau-père, Leo parvient à obtenir un emploi dans la Branch parisienne de la Banca d'Italia. La même année, Leo rencontre l'architecte d'intérieur René Drouin, qui devient son ami intime. Au printemps 1938, alors qu'ils se promènent sur la place Vendôme, Leo et René tombent sur une devanture à louer entre l'hôtel Ritz et une boutique Schiaparelli. L'espace les a immédiatement impressionnés comme étant l'endroit idéal pour une galerie d'art, un projet qui s'est concrétisé au printemps suivant, en 1939. La Galerie Drouin a ouvert ses portes avec une exposition de peintures et de meubles d'artistes surréalistes tels que Léonor Fini, Augene Berman, Meret Oppenheim, Max Ernst et Salvador Dali. Malgré le succès de cette première exposition, la galerie n'a pas duré longtemps. L'Allemagne envahit la Pologne le 1er septembre 1939, marquant le début de la Seconde Guerre mondiale et, par conséquent, la fin temporaire de la galerie Drouin. René est appelé à servir dans l'armée française, tandis que Leo, Ileana et leur fille Nina, âgée de trois ans, s'installent dans la relative sécurité de Cannes, où la famille d'Ileana possède une maison d'été.
Au fur et à mesure que la guerre s'intensifie, il devient évident que l'Europe n'est plus sûre pour la famille Castelli - Leo et Ileana sont tous deux juifs. En mars 1941, Leo, Ileana et Nina s'enfuient à New York, emmenant avec eux Frances, l'infirmière de Nina, et leur chien, Noodle. Après une année de déménagements, la famille s'installe définitivement au 4 East 77 Street, dans une maison de ville que Mihail a achetée. Neuf mois après son arrivée à New York, en décembre 1943, Leo s'est porté volontaire pour l'armée américaine, ce qui a accéléré sa naturalisation en tant que citoyen américain. En raison de ses facilités linguistiques, Leo a été affecté au service de renseignement de l'armée américaine, poste qu'il a occupé pendant deux ans, jusqu'en février 1946.
Lors d'une permission militaire en 1945, Leo se rend à Paris et s'arrête à la galerie de la Place Vendôme où René s'est à nouveau installé pour vendre des œuvres d'artistes européens d'avant-garde tels que Jean Dubuffet et Jean Fautrier. Cette rencontre ravive non seulement l'amitié entre René et Léo, mais aussi l'intérêt de ce dernier pour le commerce de l'art, une activité que Léo commence à considérer comme plus qu'un simple passe-temps, mais comme une carrière potentielle. Après avoir repris contact, les deux amis décident de s'associer à nouveau, Leo étant le représentant à New York de la Drouin Gallery. À ce titre, A a commencé à former des relations avec certaines des personnalités les plus influentes du monde de l'art new-yorkais, dont Peggy Guggenhiem, Sydney Janis, Willem De Kooning et Jackson Pollock.
À la fin des années 40, les liens de Leo avec René Drouin commencent à se relâcher, tandis que son alliance avec le marchand Sydney Janis se resserre. Artistics ouvre sa galerie à New York en 1948 et, en 1950, invite Leo à organiser une exposition d'artistes contemporains français et américains. L'exposition a établi un lien significatif entre la tradition vénérable du modernisme européen et les artistes émergents de l'école de New York. Peu de temps après, en 1951, ces mêmes artistes de l'école de New York ont demandé à Leo d'organiser l'exposition révolutionnaire de la Neuvième rue. Cette exposition a contribué à faire de l'expressionnisme abstrait le principal mouvement artistique de l'après-guerre.
Leo a fondé sa propre galerie en 1957, transformant le salon du quatrième étage de la maison de ville de la 77e rue en espace d'exposition. Le moment le plus critique de la carrière de Leo se produit peut-être plus tard dans l'année, lorsqu'il visite pour la première fois les studios de Robert Rauschenberg et de Jasper Johns. En 1958, Leo donne à Johns et Rauschenberg des expositions personnelles, respectivement en janvier et en mars. Pour Johns, il s'agissait de la première exposition solo de sa carrière. Ces expositions ont été largement saluées par la critique, consolidant la réputation de Leo non seulement en tant que marchand, mais aussi en tant qu'arbitre d'un nouveau et important mouvement artistique.
Au cours des années 1960, Leo a joué un rôle formateur dans le lancement de la carrière de nombreux artistes parmi les plus importants du XXe siècle, notamment Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Claes Oldenberg, Cy Twombly, Donald Judd, Dan Flavin, Robert Morris, Bruce Nauman, Richard Serra, Joseph Kosuth et Lawrence Weiner. En soutenant ces artistes, Leo a également contribué à cultiver et à définir les mouvements du pop, du minimalisme, de l'art conceptuel et du post-minimalisme.
Alors que les affaires se développent au cours des années 60 et que les tendances artistiques évoluent en faveur d'œuvres d'art plus grandes, Leo se rend compte que sa galerie dans la maison de ville ne suffit pas à répondre à ces nouvelles demandes. L'exposition de l'installation phare de James Rosenquist, F-111, en 1964, est révélatrice de cette tendance à l'art maximal. Cette œuvre murale à plusieurs panneaux, inspirée des panneaux publicitaires, remplit les quatre murs de la galerie du 4 East 77, comme si elle tentait d'agrandir l'espace par son immensité et son dynamisme. L'essor de ce type d'art incite Leo, en 1968, à acquérir un loft industriel à Harlem qui sera connu sous le nom de Castelli Warehouse. Alors qu'il continue à organiser des expositions plus intimes à la galerie du 4 East 77th Street, l'entrepôt devient un espace pour présenter des œuvres sur les nouveaux médias, telles que Continuous Project Altered Daily (1969) de Robert Morris et Dis-play II (1970) de Keith Sonnier.
L'expansion de la galerie de Leo s'est poursuivie dans les années 1970 avec l'établissement d'un nouvel emplacement à Soho, au 420 West Broadway. Comme dans le cas de l'entrepôt, ce déménagement a été motivé avant tout par le désir de Leo de satisfaire les besoins découlant des nouveaux développements artistiques. Cette fois, cependant, Leo a réagi à la vague de performances artistiques et de musique expérimentale qui a déferlé sur New York dans les années 70 et qui était largement le fait d'artistes travaillant dans les quartiers du centre de la ville. Leo s'est inscrit dans ce nouveau courant artistique en accueillant des performances d'artistes aussi divers que Joan Jonas, Poppy Johnson, Richard Landry et Philip Glass.
La croissance de la Castelli Gallery s'est poursuivie dans les années 80 et 90. En 1980, Leo a ouvert un deuxième établissement à Soho, au 142 Greene Street. Après la fermeture de l'entrepôt Castelli en 1971, ce nouvel espace est devenu le principal lieu d'exposition d'œuvres de grande envergure de la galerie. L'une des expositions les plus remarquables organisées dans cet espace a été Greene Street Mural de Roy Lichtenstien, qui a ouvert ses portes le 3 décembre 1983. Pour ce projet sans précédent, Lichtenstein a peint la peinture murale de 18 x 96 ½ pieds directement sur les murs de la galerie. Lors de la fermeture de l'exposition en janvier 1984, l'œuvre a été détruite.
Tout au long de sa carrière, jusqu'à sa mort le 22 août 1999, Leo a entretenu d'étroites relations de travail avec les artistes dont il avait contribué à faire la carrière et qui, à leur tour, ont contribué à faire la sienne en tant que marchand. Jasper Johns, Roy Lichtenstein et Bruce Nauman en particulier sont trois artistes que Leo a découverts et qui sont restés à la galerie jusqu'à la mort de Leo. Cette volonté de travailler avec les artistes sur le long terme se reflète également dans les nombreux dons généreux d'œuvres d'art faits par Leo à des musées de haut niveau tels que le Musée d'art moderne. Ces dons témoignent de l'intérêt profond de Leo, qui ne se contente pas de cultiver la valeur à court terme de l'art en tant que marchandise, mais veille à garantir la valeur culturelle de ces œuvres pour toujours.
-Avec l'aimable autorisation de Castelli
- Créateur:John Chamberlain (1927, Américain)
- Année de création:1982
- Dimensions:Hauteur : 16,51 cm (6,5 po)Largeur : 21,59 cm (8,5 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:Très bon état vintage.
- Adresse de la galerie:New York, NY
- Numéro de référence:1stDibs : LU1745215030052
John Chamberlain
John Chamberlain, de son vrai nom John Angus Chamberlain, était un sculpteur américain , un peintre, un photographe, un graveur, et un cinéaste dont les œuvres expressionnistes abstraites se caractérisaient par une approche émotionnelle du concept et de l'exécution.
Chamberlain a étudié à l'Art Institute of Chicago (1951-52), où il a commencé à travailler les métaux, et au Black Mountain College en Caroline du Nord (1955-56). En 1957, il présente sa première exposition individuelle à Chicago. Ses premières pièces étaient faites de tiges de fer soudées, mais il a ensuite utilisé des matériaux tels que le plexiglas thermoformé, le papier, le polyuréthane, le caoutchouc industriel, les sacs en papier brun et le papier d'aluminium, avant de revenir en 1974 à l'utilisation de pièces de carrosserie d'automobiles. Sa première sculpture utilisant des pièces de voiture est Shortstop (1957), qui présente des ailes rouillées qu'il a trouvées dans le jardin du peintre et ami Larry Rivers.
Les sculptures de Chamberlain sont caractérisées par Mr. Press (1961), une construction de fragments d'automobiles, froissés et assemblés pour créer un effet de mouvement isolé et figé. Il recouvrait souvent ses pièces de peintures industrielles brillantes. Pendant la crise pétrolière des années 1970, Chamberlain a souvent intégré des barils de pétrole dans ses œuvres, notamment dans la série Socket and Kiss (1979). Pendant un bref intermède, il a utilisé de la peinture en aérosol pour voitures afin de créer des œuvres combinant pochoir et Action painting. Chamberlain s'est également intéressé à la vidéo et au cinéma et a produit l'œuvre cinématographique Wide Point (1968) ; il s'est ensuite essayé au dessin et à la gravure.
En 1971, l'œuvre de Chamberlain a fait l'objet d'une rétrospective au musée Solomon R. Guggenheim à New York.
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