Peintures - Portrait - Maîtres anciens

James Fellowes Floraison 1719 - 1750 Portrait de William Henry Kerr, Earl of Ancram, 4th Marquess of Lothian Huile sur toile, signée et datée de 1747 Taille de l'image : 29 1/2 x 24 ...

Ce charmant portrait à l'huile de maître ancien est attribué au cercle de Joseph Wright de Derby. Peint vers 1780, le tableau représente un garçon vêtu d'une tunique et d'un large co...

Scipione Pulzone, appelé Il Gaetano (Gaeta 1544 - Rome 1598) - atelier de Portrait de Bianca Cappello (Venise, 1548 - 1587) Grande-duchesse de Toscane, seconde épouse de Francesco Ie...

Jacopo BASSANO (C.I.C. 1510-1592, Italien) Portrait d'un Procuratore Huile sur toile 30 ¼ x 26 pouces (cadre compris) Provenance : Collection S (en tant que Portrait du doge Priuli,...

Attribué à Barthel Bruyn l'aîné 1493–1555 Portrait d'une archiduchesse Margaret d'Autriche Huile sur panneau de bois Taille de l'image : 10 pouces (25,5 cm) Cadre en fausse écaille d...

Ce somptueux portrait, peint vers 1695, est un exemple exquis du type de portrait en vogue durant le dernier quart du XVIIe siècle. Il est évident que l'artiste a été influencé par les écoles de peinture hollandaise et française. La personne représentée porte une abondante draperie de soie coûteuse ; elle en est presque enveloppée, ce qui souligne le fait que cette dame était un parangon de la société riche et privilégiée à laquelle elle appartenait. Un soin remarquable est apporté, par exemple, au rendu des chairs et au traitement des drapés, notamment la dentelle qui entoure le décolleté. La belle combinaison de couleurs blanc, roux et bleu a un fort impact visuel, il n'était pas nécessaire d'utiliser des accessoires excessifs et les bijoux se limitent à un simple (mais gros) brassard et à une broche en diamants. La palette claire et fraîche, les yeux brillants et le beau rendu sont exquis. Heldly dans un cadre doré d'époque. Herman Verelst...

DESCRIPTION : Peut-être le meilleur Romney en mains privées. Si le magazine Vogue existait à la fin du XVIIIe siècle, cette image de Lady Caroline Price figurerait sur l'une de se...

Lady Dormer, Mary Browne c. 1592 huile sur panneau 35 x 29 pouces, non encadré ; 41 x 34.75 pouces, cadre compris Inscrit "Lady Dormore" Mary a épousé Henry Wriothesley, 2e comte d...

Juan Alfonso Abril (actif au 17ème siècle à Valladolid, Espagne) Titre : Chef du bureau de Saint Paul Médium : Huile sur toile Dimensions : sans cadre 48,5 x 62 cm - avec cadre 63 x ...

Jacob Huysmans Flamands 1633 - 1696 Portrait d'une femme Huile sur toile Taille de l'image : 49 x 40 ¼ pouces Cadre doré Huysmans est né à Anvers et est arrivé en Angleterre s...

Cercle de Michael Coxie (Malines, 1499 - Malines, 1592) Ecce Homo avec Ponce Pilate Huile sur panneau École flamande 16e-17e siècle 112 x 81 cm - encadré 121 x 90 cm. Le tableau pr...

Cercle de Bernard van Orley Provenance : avec Leo Blumenreich et Julius Böhler, Munich, 1924 Dr Frederic Goldstein Oppenheim (1881-1963), San Antonio, Texas ; à qui il a été donné...

Ce portrait allemand en demi-longueur du milieu du XVIIIe siècle représente un aristocrate d'âge moyen portant une armure et une perruque. Malgré son apparence lourdement vêtue, il ...

Ce charmant portrait à l'huile de maître ancien du XVIIe siècle est attribué au cercle de Michael Dahl, né en Suède, qui a vécu et travaillé en Angleterre pendant la majeure partie d...

Ensemble de cinq portraits de putti ou d'anges italiens ou français de la fin du XIXe siècle Un ensemble unique de cinq huiles sur carton représentant des chérubins ou des putti, to...

Étude du début du 20e siècle du Portrait de vieille femme de Rembrandt en russe pour la gravure de Niello Une magnifique étude du portrait d'une vieille femme de Rembrandt utilisée...

Attribué à Pierre Paul Prud'hon (français, 1758-1823) la belle musicienne Huile sur toile, ovale Signé "P. P. Prudon" (en bas à gauche) 28.3/4 x 23.1/2 in. (73 x 59,5 cm.) Pierre Pa...

Ce charmant portrait à l'huile de maître britannique ancien est peint à la manière de Sir Henry Raeburn. Peint vers 1800, le modèle est Anne Neale Tucker Lauzun. Elle est née à St Ge...

Portrait d'une jeune femme Par Henri Millot (Paris, actif entre 1699 et 1756) Signé "peint par h. millot" et daté 1706 sur l'entablement Huile sur toile : h. 81 cm, l. 64 cm Cadre d'...

George Knapton (Londres 1698 - 1778), attribuable Portrait d'une jeune fille aristocratique assise près d'une fontaine dans un jardin en compagnie d'un agneau Huile sur toile (127 x...

John Alexander (écossais, 1686-1766) Portrait de George Gordon, 7e laird de Buckie (Écossais, 1707-1756), c. 1743 Huile sur toile Dans un cadre ébonisé sculpté, avec une légère bord...

École flamande du 17e siècle Le couple mal assorti Huile sur toile 75 x 96 cm. Encadré 96 x 118 cm. Le curieux sujet que nous voyons représenté dans la toile proposée ici appartie...

Cercle de Gerard van Honthorst 1592 - 1656 Portrait d'un gentleman Huile sur panneau de bois Taille de l'image : 29 x 23 pouces Cadre contemporain doré Gerard van Honthorst était un...

École française du XVIIIe siècle François de Troy (1645 - 1730), Paris, vers 1725 Portrait de femme sous les traits de la déesse Cérès Huile sur toile : h. 39 in, w. 31.3 in Cadre de...

Thomas Hudson 1701 – 1779 Portrait d'une femme Huile sur toile Taille de l'image : 30 x 25 pouces Cadre original en bois sculpté et doré Joseph avait de nombreux assistants et a emp...

Une belle et imposante Portrait du 18e siècle d'un aristocrate inconnu, dans un cadre doré L'artiste n'est pas non plus identifié mais il s'agit certainement d'une main talentueuse,...

Portrait d'Henrietta Pelham-Holles (née Godolphin) (1701-1776), duchesse de Newcastle, debout dans un paysage boisé avec une rivière au-delà, de trois quarts vêtue d'une robe de soie...

Le tableau représente James (Jacques) Dalbiac, sa femme Louise (ne de la Porte) et leurs cinq enfants, James, Charles, Louise, Marianne et Martha, dans les jardins d'agrément d'une ...

Ce portrait de Santi di Tito, récemment redécouvert, représente un sénateur de Florentine, avec une lettre à la main indiquant que le tableau a été exécuté en 1574, à l'âge de 66 ans. Sur la base de ces indices, il est tentant d'y voir un portrait de Bartolomeo Panciatichi, peint une trentaine d'années auparavant par Bronzino (1503 - 1572). Si le traitement des mains rappelle la tradition florentine des portraits maniéristes, la comparaison avec le portrait de Bronzino illustre la recherche d'un plus grand réalisme de la part de Santi di Tito, malgré une composition stéréotypée. 1. Santi di Tito, peintre et portraitiste de la Contre-Réforme Santi di Tito est le grand peintre de la Contre-Réforme florentine. Il propose un nouveau langage artistique en rupture avec le maniérisme. On sait peu de choses sur sa formation à Florence (peut-être aux côtés de Bronzino ou de Baccio Bandinelli), mais cette période de formation lui permet d'entrer en 1554 dans la Compagnie de Saint-Luc, la guilde des peintres de Florentine. Entre 1560 et 1564, Santi di Tito séjourne à Rome, où il fréquente l'atelier de Taddeo Zuccari. Ce séjour a eu une influence fondamentale sur son travail, grâce à la découverte de l'œuvre tardive de Raphael, mais aussi à ses rencontres avec les peintres Francesco Salviati et Federico Barocci. Vers 1565, Santi di Tito retourne à Florence, où il reste jusqu'à la fin de sa vie, partageant ses talents entre la réalisation d'importantes peintures religieuses et d'innombrables portraits. Il devient l'un des principaux peintres de la ville, se distinguant notamment par la création de grandes compositions religieuses dans lesquelles se reflète l'esprit de la Contre-Réforme. En 1568, Santi di Tito devient membre de la Confraternité de Saint Thomas d'Aquin, dont les membres sont de fidèles observateurs des principes élaborés lors du Concile de Trente. Vers 1574 (l'année de notre portrait), il réalise l'un de ses chefs-d'œuvre, La Résurrection, pour la basilique de Santa Croce à Florence dans laquelle il se démarque des œuvres florentines précédentes en proposant une représentation proche des textes sacrés, débarrassée de tout élément lascif ou purement ornemental. Son style, marqué par la préférence florentine pour le dessin, continue d'évoluer vers une peinture lumineuse et naturaliste qui inspirera les peintres de la génération suivante. 2. Santi di Tito en tant que portraitiste Malgré, ou peut-être à cause de l'ampleur de sa production et contrairement à ses peintures religieuses, les portraits de Santi di Tito n'ont pas fait l'objet d'une étude monographique à ce jour. Il a été établi que Santi di Tito dirigeait un atelier extrêmement actif dans la production de portraits, bénéficiant à la fois des commandes des Médicis et de celles des grandes familles de Florentine. L'inventaire des biens de Santi di Tito, dressé après sa mort le 5 novembre 1603. La liste des portraits qui témoignent de l'importance de cette activité est longue. Cette multiplication du portrait dans la seconde moitié du XVIe siècle reflète l'évolution politique de Florence où Cosimo 1er (mort en 1574, année de notre portrait) instaure une cour à l'organisation hiérarchique. D'une société républicaine et bourgeoise, la société florentine se transforme en une société aristocratique, dans laquelle les grandes familles imitent la famille grand-ducale des Médicis et commandent de nombreux portraits, souvent destinés à constituer des galeries d'ancêtres. L'une des caractéristiques des portraits de Santi di Tito est la description psychologique des personnages, au-delà de l'illustration du statut social par le choix des vêtements et des objets représentés. Deux autres portraits de sénateurs par Santi di Tito sont connus, démontrant l'intérêt de Florentine pour ces portraits d'apparat. 3. Description du portrait Notre sénateur est représenté de trois-quarts, dans un cadre architectural qui pourrait être son bureau. Il est vêtu de l'habit d'apparat des sénateurs de Florentine : une veste bleu nuit recouverte d'une chasuble à liseré rouge, composée d'une gaze transparente devant et d'un tissu de la même couleur que la veste, doublé d'une étoffe rouge, dans le dos. Le traitement de la gaze transparente est d'une grande fluidité. Par les ondulations qu'il donne à la chasuble, le peintre parvient à traduire la vie qui anime ce corps imposant. Notre sénateur tient une lettre pliée dans sa main droite ; son poignet repose sur une table drapée d'un tissu vert, tandis que dans sa main gauche il tient une paire de gants. Deux autres objets se trouvent sur la table à sa droite : un livre aux tranches ornées, dont on aperçoit le délicat fermoir, et sur lequel repose un béret quadrangulaire. Comme c'est souvent le cas avec des lettres similaires, elle nous fournit quelques informations sur le contexte de cette peinture. Bien que le nom du modèle ne soit pas indiqué, nous savons, grâce à l'inscription "annus aetatis suae 66 - PAD 1574", qu'il s'agit d'un homme de 66 ans, représenté en 1574. Notre attention est attirée par son regard impérieux ; la photographie rend son visage encore plus imposant, puisqu'il est légèrement allongé afin d'être vu sans déformation par le bas. Ce portrait est un équilibre entre l'imitation (imitare) et le portrait (ritrarre). La grande présence physique du modèle évoquée par sa stature imposante, la précision des proportions et la touche naturaliste du rendu de la barbe établissent un équilibre avec la signification symbolique du vêtement (qui indique clairement la fonction du modèle), et du seul élément de décoration (un livre posé sur la table, qui pourrait être une bible ou un livre de prière). 4. Analyse stylistique Si plusieurs éléments rattachent ce portrait à la tradition picturale florentine développée par les artistes maniéristes, le rendu plus naturaliste du visage témoigne de l'évolution stylistique de Santi di Tito. L'espace idéal dans lequel notre personnage est représenté est très moderne, plein de clarté et de simplicité parfaite, avec une certaine sophistication. Au-delà d'un premier plan délimité par un pilier à droite se trouve un espace concave qui enferme notre personnage. Cet espace architectural s'inscrit dans la tradition florentine développée au cours du XVIe siècle, selon laquelle les portraits se détachent sur un fond architectural, et non plus sur un paysage (comme, par exemple, dans le portrait de Bartolomeo Panciatichi par Bronzino, que nous présenterons plus loin). Le traitement très raffiné des mains rattache notre tableau à la tradition maniériste, et en particulier à l'art de Bronzino ou d'Alessandro Allori, comme l'illustre la comparaison entre la main droite de notre sénateur et la main gauche du jeune homme représenté vers 1560 par Alessandro Allori : La position de notre sénateur, le bras gauche légèrement replié le long du corps et la main droite posée sur la table, est le prototype d'une composition que Santi di Tito reprendra à plusieurs reprises pour des portraits officiels, comme ceux réalisés en 1589 pour Christine de Lorrain, à l'occasion de son mariage avec Ferdinand I+I, ou celui de Marie de Médicis, réalisé à la toute fin du XVIe siècle, avant son départ pour le trône de France. Un dernier détail est intéressant car il révèle l'évolution du style de Santi di Tito vers le naturalisme - et donc son éloignement du maniérisme. Le traitement de la barbe de notre sénateur, à la fois très élaboré et très libre, est proche de celui de l'un des deux fils de Guido Guardi, dans un célèbre portrait de Santi di Tito avec les trois hommes, probablement réalisé dans les années 1570-1580. 5. Proposition d'identification du modèle En 1722, Giuseppe Manni publie un recueil intitulé Serie de' senatori fiorentini, qui donne les principales références chronologiques de tous les membres du Sénat des Quarante-Huit depuis la création de cette institution en 1532. Seuls trois sénateurs remplissent les conditions et pourraient servir de modèle pour notre portrait : ils doivent être nés entre 1507 et 1508, pour avoir 66 ans en 1574. Le premier est Bartolomeo Panciatichi, né le 21 juin 1507 et décédé le 23 octobre 1582. L'autre est Giovanni Ugolini, né le 11 mai 1508 et décédé le 18 août 1588. Élu sénateur en 1540, il est commissaire de Tito et nommé ambassadeur auprès de Sa Sainteté le pape Grégoire XIII en 1572, ce qui semble exclure la réalisation de son portrait par Santi di Tito à Florence en 1574. Quant à Simone Corsi (8 décembre 1508 - 31 mars 1587, élu sénateur en 1556), son anniversaire semble trop proche de la fin de l'année pour permettre la livraison de son portrait en 1574. L'hypothèse Bartolomeo Panciatichi nous semble la plus intéressante, d'autant plus qu'il a posé vers 1545 pour un célèbre portrait de Bronzino (dernier tableau de la galerie) dans lequel on retrouve un certain nombre de traits caractéristiques communs. S'il est toujours difficile de reconnaître un ami sur une photo prise trente ans plus tôt, il est certainement encore plus difficile de reconnaître un inconnu, représenté par deux peintres différents à trente ans d'intervalle. On reconnaît cependant la forme du nez, les pommettes assez hautes, les sourcils finement arqués et la même position de l'oreille dans les deux portraits, malgré la différence de pose, plus frontale chez Bronzino. On retrouve également la même barbe bifide, blanchie par le temps. On peut se demander si l'élégant chapeau du portrait de Bronzino ne cache pas une calvitie naissante. Le béret posé sur la table trente ans plus tard pourrait alors être interprété comme un autre élément naturaliste, le modèle s'acceptant tel qu'il est et acceptant de donner une image la plus proche possible de la réalité physique. Enfin, il est intéressant de comparer les deux expressions, et l'évolution entre le regard distancié et interrogateur du jeune homme peint par Bronzino et le regard intense et légèrement angoissé de l'homme âgé peint par Tito. 6. Quelques informations biographiques sur Bartolomeo Panciatichi Né le 21 juin 1507 à Lyon, où son père avait des intérêts commerciaux, le jeune Bartolomeo entre comme page à la cour de François Ier. Ses liens avec la France sont destinés à durer, puisque Cosimo I+I nomme plus tard Bartolomeo ambassadeur en mission diplomatique auprès du roi qu'il avait autrefois servi, puis auprès d'Henri II. Bartolomeo étudie à Padua entre 1529 et 1531, puis à Lyon, où il entre en contact avec les milieux réformateurs français. En 1534, Bartolomeo épouse Lucrezia di Gismondo Pucci et le couple s'installe à Lyon, ne revenant à Florence qu'à la fin des années 1530. Les voyages entre Florence et la France sont documentés en 1539, 1547, 1549 et 1552, mais ils étaient sans doute plus fréquents. L'intérêt du couple Panciatichi pour les doctrines de la Réforme leur a valu d'être jugés pour hérésie luthérienne en 1552 et de devoir se rétracter publiquement. Ils ont adhéré à une stricte orthodoxie catholique après leur abjuration. Bartolomeo Panciatichi a développé des contacts assez étroits avec le monde littéraire, qui ne se limitait pas à Florence, comme en témoigne son amitié avec Pietro Aretino, établi à Venise. Connu de ses contemporains principalement comme poète latin, Bartolomeo rejoint l'Accademia degli Umidi le 2 janvier 1541, quelques semaines avant Bronzino, et peu avant que le groupe ne devienne l'Accademia Fiorentina. Son portrait fait partie d'un groupe de cinq tableaux commandés par Bartolomeo à Bronzino entre 1540 et 1545 : trois scènes religieuses, deux Saintes Familles et un Christ crucifié inspirés par des idées réformistes, et deux portraits de lui et de sa femme. Nommé sénateur en 1567, Bartolomeo Panciatichi poursuit ensuite une carrière politique, devenant commissaire de Pistoia en 1568 et de Pise en 1578. Le choix d'un livre comme seul accessoire dans son portrait par Santi di Tito est doublement émouvant : il évoque évidemment l'intellectuel, mais la présence de fermoirs sur les côtés indique qu'il s'agit probablement plutôt d'un livre religieux et témoigne de sa profonde foi chrétienne. La majesté de ce portrait est rehaussée par son encadrement dans un magnifique cadre à cassettes en bois doré de la fin du XVIe siècle, qui est probablement son cadre d'origine. L'identification de l'auteur de ce portrait comme étant Bartolomeo Panciatichi ouvre un champ d'analyse fascinant. S'il est tout à fait exceptionnel d'avoir deux portraits d'un homme de la Renaissance peints à moins de 30 ans d'intervalle, le parcours de Santi di Tito, qui s'éloigne des séductions du maniérisme pour aller vers des images plus réalistes, suit l'évolution personnelle du modèle. De l'apparence hautaine et séduisante d'un homme d'une trentaine d'années, il devient un vieillard qui affiche devant nous sa pleine humanité, malgré son pouvoir politique. Principales références bibliographiques : Giuseppe Manni Serie...

Huile sur toile ancienne représentant un noble russe ou polonais, peinte par Rembrandt van Rijn en 1637. Cette peinture, actuellement conservée à la National Gallery of Art de Washin...

Cette magnifique peinture à l'huile de maître italienne du XVIIIe siècle sur toile ovale avec cadre en bois doré est attribuée à Solimena et représente une scène religieuse. Cette sp...

Gilbert Jackson Anglais Actif : 1620 - 1650 Portrait d'une fille Huile sur panneau, signée en haut à gauche et inscrite en haut à droite Taille de l'image : 24 ½ x 20 pouces Cadr...

Portrait de l'Hon. James Thynne (vers 1680-1704), en pied, dans les jardins de Longleat House, assis à côté d'une fontaine, tenant un coquillage sous l'eau jaillissant d'une corne so...

Atelier de Hendrick van Balen (Anvers 1575 - 1632) Possible Jan van Balen (Anvers 1611 - 1654) Vierge à l'enfant avec trois anges Huile sur panneau 65 x 50 cm. - dans le cadre 94 x...

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Très beau portrait d'un officier militaire britannique signé et daté Thomas Beach 1774 en bas à gauche. Cette huile sur toile est présentée dans un cadre doré d'époque et est prête à...

Charles d'Agar (1669-1723) (attrib.) Portrait d'une dame en veuvage, de trois-quarts, assise dans un décor architectural Huile sur toile Dans un cadre original sculpté et doré de L...

Provenance : Bradley Collectional. Collectional, Upperville, Virginie. La littérature : Katlijne van der Stighelen et Hans Vlieghe, Rubens : Portraits of Unidentified and Newly I...

Ce charmant portrait à l'huile de maître britannique du XIXe siècle est attribué au cercle de Thomas Lawrence. Peint vers 1810, il s'agit d'un portrait à mi-corps d'une dame assise, ...

Pieter de Witte, dit Peters (Bruges, 1548 - Munich, 1628) - Atelier/école L'Annonciation huile sur toile (cm) : 79 x 110 - encadré 92 x 127 Nous avons le plaisir de présenter une œuvre fascinante, datant du début du XVIIe siècle, inspirée du prototype de l'Annonciation réalisé vers 1586-1595 par Pieter de Witte, dit Peters Candid (Bruges, 1540/1548 - Munich, 1628), perdu mais rendu célèbre grâce à une gravure réalisée et publiée par Jan Sadeler I (1550-1600). Peintre d'origine flamande ayant de fortes affinités avec la culture italianisante du XVIe siècle, De Witte aborde à de nombreuses reprises le thème de l'Annonciation, révélant une connaissance du maniérisme romain et florentin, héritée de son séjour italien. Certaines de ces œuvres sont aujourd'hui conservées dans divers musées internationaux, sans compter les œuvres autographes ou d'atelier qui se trouvent dans de nombreuses collections publiques ou privées ; à cet égard, on peut citer les suivantes : - Musée national de Prague [1] - Académie Carrara de Bergame, Angelo Annunziante et Vergine Annunziata [2]. - Musée national finlandais, Helsinki - Propriété privée, institution religieuse Bergame (région de Bergame) En observant la composition, on peut admirer le schéma iconographique plutôt bien établi, avec les deux personnages plongés dans une atmosphère presque onirique : l'archange Gabriel à gauche, d'une beauté éthérée, semble impérieux en délivrant l'annonciation suprême à la Vierge Marie, qui l'accueille les yeux baissés, composée dans son étonnement ; surprise en train de lire un livre, elle reçoit les lys blancs, symbole de pureté et de chasteté, tandis que de l'autre apparaît la colombe, emblème de l'Esprit Saint, enveloppée d'une lueur de lumière. Inspiré, comme nous l'avons déjà mentionné, du prototype du peintre flamand, le tableau est ici repris assez fidèlement et peut donc être comparé aux nombreuses répliques et dérivations du tableau - dont certaines ne sont plus traçables - attribuées à l'atelier de De Witte. En particulier, son exécution devrait, à notre avis, être attribuée à l'un des nombreux élèves qui gravitaient autour de son œuvre et, compte tenu des caractéristiques stylistiques, presque certainement actifs en Italie. Dans notre cas, en effet, tout en observant un précieux dessin aux tons brillants, le ductus nordique typique de l'artiste est ici adouci par des influences maniéristes italiennes, avec des échos de la peinture toscane...

Portrait d'une jeune femme du début du XVIIIe siècle, en demi-longueur, portant une robe en soie bleue avec une chemise blanche et un manteau garni d'or drapé sur son bras et ses épa...

Portrait d'une dame en Vénus ATTRIBUÉ À PIERRE GOBERT (1662-1744) ÉCOLE FRANÇAISE VERS 1720 HUILE SUR CANVAS : H. 55.51 in, W. 42.91 in. IMPORTANT CADRE EN BOIS DORÉ DU 18E SIÈCLE (REDORÉ) DIMENSIONS DU CADRE : H. 68.9 in, L. 55.91 in Provenance : Vente Drouot, Paris, 13 mai 1907, comme Alexis Simon Belle " Portrait de femme en Hébé " (l'étiquette de la vente est encore présente au dos). Acquis par Eugène Bretel (industriel normand), Collection Château de Chiffrevast (La Manche) jusqu'en 2006. Collection privée parisienne. Grand et imposant portrait d'une jeune princesse en Vénus trônant sur son char. La jeune femme est représentée à mi-jambe, assise dans un char monumental en bois doré. À ses côtés, un cupidon regarde attentivement la déesse. Partiellement couvert par les draperies vert bouteille attachées à son bras, il brandit une torche enflammée destinée à enflammer les cœurs et à enflammer l'amour. La jeune femme est vêtue d'une robe de satin blanc brodée de fils d'argent et doublée de satin bleu. Elegamment enveloppée dans un grand manteau rose dont l'agencement des drapés volumineux est habilement placé sur son côté droit. Elle renverse une fiole d'un geste élégant du bras droit tandis que son bras gauche s'appuie sur l'épaule du putto. Le visage ovale délicatement maquillé, dominé par de grands yeux bleu-gris, est entouré de cheveux poudrés, coiffés "à la Fontanges" Sa silhouette illuminée à la chair d'un blanc laiteux se détache sur la toile de fond d'un ciel crépusculaire. Notre portrait semble avoir perdu l'identité du modèle représenté depuis plus d'un siècle, puisque dans la vente de 1907, il était déjà présenté comme un "portrait de femme" anonyme. Connaissant la vie et l'œuvre de Pierre Gobert, l'hypothèse d'une origine princière est tout à fait possible. Ayant travaillé dans les années 1720 pour la cour de Lorrain, mais simultanément pour celle de Versailles, l'artiste a également peint la quasi-totalité de la progéniture du Régent, ainsi que les innombrables princesses des branches de Condé et de Conti. Peintre à la mode et très apprécié de son temps, il semble très probable qu'une princesse de sang lui ait commandé son effigie. Notre œuvre par sa composition est très proche du portrait de Charlotte Aglaé, duchesse de Modène, fille du Régent, conservé au musée de Kassel (Allemagne), inventaire SM 1.1.848. Pierre Gobert (1662-1744) Fils de Jean Gobert, sculpteur du roi, petit-fils de Jean Gobert l'aîné, menuisier sculpteur, frère de Jean Gobert, dit "peintre ordinaire du roi" Pierre Gobert est né à Paris ou à Fontainebleau en 1662. Il s'est imposé par ses élégantes effigies comme l'un des tout premiers portraitistes galants. Reçu à l'Académie de peinture le 24 septembre 1701, avec les portraits de Corneille van Clève et de Bon Boullogne, Pierre Gobert expose quinze portraits au Salon de 1704, et démontre son accès privilégié à la cour : parmi ces portraits figure celui de la duchesse du Maine et du petit duc de Bretagne, le futur Louis XV. Malgré une concurrence redoutable, il n'a pas eu de mal à établir sa réputation. Sans doute grâce à Élisabeth-Charlotte, Lorrain est sollicité par la cour de Lorraine en 1707, afin de réaliser le portrait des ducs de Lorraine...

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Guirlande de fleurs avec un portrait de la Vierge Francesco Trevisani (Capodistria 1656 - Rome 1746) et Niccolò Stanchi (Rome 1623 - 1690), attribuables Huile sur toile 66 x 49 cm. ...

Domenico Parodi (Gênes, 1672 - 1742) Portrait d'Anne-Marie d'Orléans (Château de Saint-Cloud, 27 août 1669 - Turin, 26 août 1728), première reine consort de Sardaigne et grand-mère m...

Ce charmant portrait à l'huile en cartouche de maître ancien du XVIIIe siècle est attribué au cercle de Philips Mercier. Peinte vers 1740, la composition est un portrait de trois qua...

Atelier/Cercle de François de Troy (Toulouse 1645 - Paris 1730) Portrait d'une jeune femme (probablement Marianne de Cogny, épouse de Philippe-Emmanuel de Beaufort) Peinture à l'hui...

Giacomo Stella (Brescia 1545 - Rome 1630) - Allégorie du temps indiquant la vérité, Peinture à l'huile sur toile, 192 x 74 cm. - dans un cadre doré 198 x 81 cm. L'ouvrage est accomp...

Peintre italien (XVIIIe siècle) - Chrono. 90,5 x 106 cm. Peinture à l'huile ancienne sur toile, sans cadre. État des lieux : Toile doublée. Bon état de conservation de la surface ...

Une belle peinture d'après George Romney représentant le révérend Anchitel Grey (1774 - 1833) dans son enfance. Le tableau représente un garçon d'une dizaine d'années, debout, tou...

Ce magnifique portrait à l'huile de maître ancien du XVIIIe siècle a été précédemment attribué à Sir Peters Paul Rubens. En effet, Helena Fourment ou Hélène Fourment (11 avril 1614 -...

18e siècle, peinture ancienne, huile sur toile, vieux maître. Mère et enfant. Toile regarnie. Le cadre de la civière a également été renouvelé. Artiste inconnu.

Erasmus Quellinus II (Anvers 1607 - 1672) Vanitas (comme allégorie de la vanité de la vie ou de la jeunesse) Peinture à l'huile sur toile - cm. 121 x 84, dans le cadre cm. 135 x 98 L'ouvrage est accompagné d'une étude approfondie rédigée par le professeur Emilio Negro, dont nous présentons quelques extraits. Le thème du tableau que nous proposons est une singulière et rare "Vanitas", un sujet à forte valeur morale qui, dans le champ pictural, se réfère à une composition avec des éléments symboliques faisant allusion au thème de la fugacité de la vie, et donc destiné à solliciter le spectateur à méditer sur le caractère éphémère de la destinée humaine et sur la fragilité des plaisirs du monde. Ces sujets, qui ont eu un succès particulier dans le contexte flamand, sont des œuvres de grand charme, intéressantes à étudier et souvent difficiles à déchiffrer ; protagoniste de notre toile nous voyons un petit amour capricieux, assis sur un sarcophage, une sorte de Carpe Diem anthropomorphique pictural (saisissez l'instant fugitif), qui vous invite à méditer sur le caractère éphémère de la vie et à profiter des moments de bonheur qu'elle vous accorde ; et ce, quelles que soient les vicissitudes du destin, symbolisées par le pied du putto piétinant les pièces d'or, le tissu précieux, le sceptre, l'étole d'hermine, la tête de mort, le cor de chasse et les livres. À côté de lui se trouve une nature morte de fleurs multicolores, rassemblées dans un vase de cristal, dont la présence prend une signification allégorique évidente, puisqu'elles constituent la métaphore du caractère éphémère de la beauté juvénile qui, comme les fleurs fraîches, est destinée à se faner. . Il convient de souligner la pierre tombale sur laquelle est assise la dulcinée et sur laquelle figure le sigle "DMS", à dissoudre dans la phrase latine "Diis Manibus Sacrum", c'est-à-dire aux dieux sacrés des mains, ce qui correspond à l'invocation gravée sur les pierres tombales du dernier paganisme, adressée aux esprits des ancêtres déifiés. Un autre détail très intéressant est le drap blanc qui émerge des pages du volumineux psautier fermé, dans lequel est tracée, dans une belle calligraphie du XVIIe siècle, la phrase latine : " Defecerunt sicut fumus dies / mei Psal J.97 " pour traduire : " mes jours presque fumés ils se sont évanouis " (Psautier, Psaume 1. 97), équivalent à une autre exhortation à la réflexion sur la courte durée de l'existence. En ce qui concerne l'origine picturale de la composition en question, il convient tout d'abord de noter qu'il s'agit d'une réplique intéressante, avec quelques modifications, d'une œuvre à quatre mains d'Erasmus Quellinus le Jeune (la figure du putto) et de Daniel Seghers (la nature morte). De la même composition est également connue une version intitulée 'Allégorie du passage de la jeunesse', passée par Sotheby's à Amsterdam comme Cornelis Schut et Daniël Seghers (12.12.1991, Old master Paintings and Drawings, lot 218, Prix € 16,630, puis vendue à Londres comme Thomas Willeboirts Bosschaert...