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Charles Caleb Ward Son seul animal de compagnie1871
1871
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À propos de cet article
Charles Caleb Ward est né à St. John, Nouveau-Brunswick, Canada. Il est le petit-fils d'un Ward de New York qui avait quitté le Nouveau-Brunswick à l'époque de la guerre d'Indépendance en raison de ses sympathies loyalistes. La famille Ward y a acquis une certaine notoriété locale, en s'impliquant dans le transport maritime et l'exploitation de carrières. Jeune homme, Charles Caleb Ward est envoyé à Londres pour apprendre le métier d'armateur de la famille. Au lieu de cela, il a passé la plupart de son temps à étudier l'art avec le peintre préraphaélite anglais, William Henry Hunt (1790-1864), connu pour ses natures mortes méticuleuses souvent centrées sur un nid d'oiseau dans un décor forestier. Après avoir vécu à Londres et à Paris pendant plusieurs années, Ward s'installe à New York en 1850, où il reste un an avant de quitter la ville pour voyager dans tout l'Est, et finalement se réinstaller et se marier au Nouveau-Brunswick. Ward retourne à New York en 1868, où il garde un studio au moins jusqu'en 1872. On ne sait pas où il a passé les dix années suivantes, mais il est probable qu'il soit resté à New York jusqu'au début des années 1880.
On sait que Ward était de retour au Canada en 1881, car lorsque l'une de ses œuvres a été incluse dans l'exposition annuelle de la National Academy of Design cette année-là, il était enregistré comme vivant au Nouveau-Brunswick. Mais cela confirme que Ward a conservé un lien avec le monde de l'art new-yorkais même après son retour au Canada. On sait très peu de choses de son activité après 1881, même si un petit nombre d'œuvres ont fait surface à la fin des années 1880 et dans les années 1890. Il est décédé à Rothesay, au Nouveau-Brunswick, en 1896.
Les années que Ward passe à New York sont les plus prolifiques en tant qu'artiste professionnel. Il expose souvent à New York, notamment à la National Academy of Design, à l'American Society of Painters in Water Colors, à la Century Association et à la Brooklyn Art Association. Il a également envoyé des œuvres à l'Union League Club, à Philadelphie, à la Cincinnati Academy, dans l'Ohio, à l'Utica Art Association à New York, et à la Louisville Industrial Exposition, dans le Kentucky.
Même si nos connaissances actuelles sur l'activité et l'œuvre de Ward sont fragmentaires, il était tenu en haute estime à son époque. William H. Gerdts a noté que Ward « était l'un des meilleurs spécialistes du genre du milieu du 20e siècle, et l'un de ceux dont le travail a été quelque peu négligé, autant en raison de sa rareté que pour toute autre raison » (19th Century American Painting from the Collection of Henry Melville Fuller, exhib. cat. [Manchester, New Hampshire : Currier Gallery of Art, 1971), p. 9). En effet, Ward s'est spécialisé dans les scènes de genre, principalement d'enfants et d'Amérindiens, tant à l'huile qu'à l'aquarelle. Ward était particulièrement renommé pour ses peintures de genre de petit format, et on a dit de son œuvre que « ses tableaux étaient de petite taille, mais si finement et magnifiquement exécutés qu'ils supportaient toujours un examen minutieux avec un verre puissant » (David Russell Jack, Acadiensis VI [1906], p. 97). Même si Ward été de toute évidence un artiste prolifique, peu de ses œuvres sont connues. La plupart se trouvent dans des collections canadiennes, mais quelques-unes font partie de collections d'importants musées américains, dont la National Gallery of Art, Washington, D.C. ; le Metropolitan Museum of Art de New York ; le Smith College Museum of Art de Northampton, Massachusetts ; le Bowdoin College Museum of Art de Brunswick, Maine ; le Mead Art Museum, Amherst College de Amherst, Massachusetts ; et la Currier Gallery of Art de Manchester, New Hampshire.
Peint en 1871, His Only Pet est issu de la période d'activité de Ward à New York. Il s'agit de l'une des petites pièces de genre typiques de Ward, semblables à des pierres précieuses, et comme pour beaucoup d'entre elles, l'artiste parvient à combiner un sujet à la fois humoristique et sentimental avec une variété de détails maîtrisés qui enrichissent subtilement la composition. À l'extérieur d'une grange en briques stuquée et usée par le temps, trois enfants aux pieds nus découvrent un oiseau mort sur le sol. Un chat calicot, qui a tué l'oiseau, observe froidement la scène depuis un perchoir situé en haut d'une échelle accrochée au mur extérieur de la grange. Deux des garçons s'agenouillent pour voir l'oiseau de plus près, s'émerveillant de sa petite forme retournée. Le troisième garçon, quant à lui, reste debout et essuie une larme du revers de la main, ayant perdu son seul animal de compagnie qui s'est échappé de sa cage. La composition est complétée par quelques détails anecdotiques rendus de manière experte, notamment une pomme à moitié mangée, une casserole en métal, ce qui semble être un petit piège en bois et d'autres détritus à gauche, et un peu de lierre rampant le long du mur blanc à droite.
Au-delà des sentiments et de l'humour évidents que l'on retrouve dans His Only Pet, la peinture de Ward représentant un oiseau mort prend une signification supplémentaire en jouant habilement sur le motif de l'oiseau mort comme pathos fréquent dans l'art américain au milieu du 20e siècle. Le motif de l'oiseau mort était relativement rare dans l'art américain au milieu du 20e siècle, mais il était particulièrement présent dans les œuvres des préraphaélites américains, un groupe d'Américains adeptes de l'esthétique de la vérité sur la nature du critique anglais John Ruskin, actif dans les années 1860 et 1870. La forme immobile d'un oiseau chanteur mort devait susciter le pathos par le biais d'une réflexion sur la fragilité et la beauté délicate de la vie. Les peintures d'oiseaux chanteurs morts étaient courantes chez les préraphaélites, la plus connue étant la gravure de John Henry Hill, Black Capped Titmouse, publiée dans ses Sketches from Nature de 1867 (pl. 7 ; voir Linda S. Ferber et William H. Gerdts, The New Path: Ruskin and the American Pre-Raphaelites, exhib. cat. [New York : The Brooklyn Museum, 1985], p. 171 n° 19 illus.), quatre ans avant que Ward ne peigne His Only Pet. Parmi les autres membres du groupe préraphaélite connus pour avoir peint des études d'oiseaux morts, citons Thomas Charles Farrer et John William Hill ; d'autres artistes travaillant dans un esprit ruskinien, tels que Robert Brandegee et Fidelia Bridges, ont également abordé ce thème. Si Ward n'était probablement pas directement lié aux préraphaélites, il a certainement pris connaissance de leurs œuvres lors d'expositions new-yorkaises. De plus, le maître anglais de Ward, William Henry Hunt, était l'un des favoris de Ruskin, et l'œuvre de Ward témoigne de l'exaltation des sentiments et de l'attention méticuleuse portée à la nature que Ruskin évoque dans ses célèbres écrits sur l'art.
Cependant, dans His Only Pet, Ward inverse habilement ce motif. Au lieu de faire du sujet de sa peinture la forme délicate de l'oiseau mort, Ward centre le récit sur les réactions enfantines et désarmantes des enfants devant la figure de l'oiseau mort. Il n'est pas demandé au spectateur de philosopher sur la vie et la mort, mais sur l'innocence de l'enfance.
Ward expose His Only Pet à l'exposition annuelle de la Brooklyn Art Association à la fin de l'année 1871, en même temps qu'un autre tableau de genre représentant des enfants, Coming Events Cast Their Shadows Before (1871, The Metropolitan Museum of Art ; voir Natalie Spassky et al., American Paintings in The Metropolitan Museum of Art, II [New York : The Metropolitan Museum of Art, 1985], p. 336 ill. Un critique du Brooklyn Daily Eagle a salué la réussite de Ward : « Charles C. Ward est représenté par deux superbes exemples de meubles équivalents à certains des plus beaux tableaux étrangers de par l'éclat de leurs couleurs et leur finition. « His Only Pet » représente trois enfants pleurant un oiseau mort. Les attitudes des petits sont enfantines et naturelles » (« Brooklyn Art Association », Brooklyn Daily Eagle, 2 novembre 1871, p. 4). En effet, Ward était reconnu pour ses peintures d'enfants en raison de sa capacité exceptionnelle à capturer l'essence même de ses jeunes sujets.
- Créateur:Charles Caleb Ward (1831 - 1896)
- Année de création:1871
- Dimensions:Hauteur : 14,48 cm (5,7 po)Largeur : 20,07 cm (7,9 po)Profondeur : 3,81 cm (1,5 po)
- Support:
- Mouvement et style:
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- Adresse de la galerie:New York, NY
- Numéro de référence:Vendeur : APG 88281stDibs : LU236197392
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William John Hennessy est né en Irlande. Il est arrivé en Amérique en 1849 avec sa mère et son frère, un an après que son père eut fui leur pays après avoir pris part au soulèvement infructueux du Young Ireland Party. Les Hennessy se sont installés à New York, et lorsque le jeune William a atteint sa majorité, il a décidé de faire carrière en tant qu'artiste. À l'âge de quinze ans, il s'inscrit à la National Academy of Design, où il apprend à dessiner d'après l'antique, et l'année suivante, il est admis dans la classe de dessin d'après nature de l'Académie.
Hennessy expose pour la première fois à la National Academy en 1857, ce qui marque le début d'une série ininterrompue d'apparitions dans ses annuaires jusqu'en 1870, date à laquelle il s'expatrie en Europe. Pendant son séjour en Amérique, Hennessy était principalement connu comme peintre de genre et illustrateur prolifique pour des publications telles que Harper's Weekly et un certain nombre de livres, notamment les œuvres illustrées de William Cullen Bryant, Henry Wadsworth Longfellow et Alfred Lord Tennyson.
Hennessy a quitté les États-Unis et s'est installé à Londres, où il a vécu pendant quelques années, ainsi que dans ses environs, et a passé l'été en Normandie, où il a finalement établi une résidence permanente en 1875. En 1893, Hennessy retourne en Angleterre, mais continue à passer une bonne partie de son temps en France. Bien qu'il ait passé l'essentiel de sa carrière à l'étranger, Hennessy s'est toujours identifié comme un Américain et a exposé avec d'autres expatriés américains à la Centennial Exposition de Philadelphie en 1876, et a également envoyé occasionnellement des œuvres aux expositions annuelles de la National Academy.
Peu d'œuvres de Hennessy sont connues aujourd'hui. D'après ce que l'on peut glaner dans les œuvres qui subsistent, au début de sa carrière, Hennessy semble s'être concentré sur les scènes de genre et les paysages influencés par Barbizon, tandis qu'à la fin des années 1870, il semble avoir adopté un style plus esthétisé dérivé de Whistler et des préraphaélites anglais. Ses œuvres ultérieures, à partir du milieu des années 1890, montrent la forte influence de l'impressionnisme.
Les œuvres de Hennessy font partie de collections publiques, dont le Metropolitan Museum of Art, New York ; le Brooklyn Museum, New York ; la Yale University Art Gallery, New Haven, Connecticut ; la National Academy of Design, New York ; le Mead Art Museum, Amherst College, Massachusetts ; la Century Association, New York ; et le Frances Lehman Loeb Art Center, Vassar College, Poughkeepsie, New York.
La présente œuvre, exposée par l'artiste à l'exposition annuelle de 1860 à la National Academy of Design, New York, comme The Race, est une quintessence de la scène de genre du milieu du siècle, un succès assuré pour un jeune artiste en quête d'un public. Au centre du tableau, Hennessy peint deux passagers adultes assis derrière un conducteur dans un traîneau tiré par un gracieux cheval cabré. Un homme et une femme, habillés pour l'occasion, sont protégés par ce qui semble être une enveloppe de fourrure. La femme porte un bonnet en fourrure blanche et une veste en fourrure assortie, tandis que le conducteur est amplement protégé du froid par un chapeau à visière et à oreillettes, un gilet à col montant et des mains gantées qui tiennent sa cravache. Observant cet élégant équipement, un groupe de quatre enfants au premier plan décide de tester sa propre mobilité contre celle du cheval et du traîneau. Une jeune fille élégante, vêtue d'un bonnet fantaisie et d'une cape rouge, est assise sur un coussin sur un traîneau d'enfant, tenant la rampe et serrant sa poupée. Les câbles de son traîneau sont tenus par un garçon plus âgé qui semble sur le point de faire la course contre le traîneau tiré par des chevaux. Bien qu'il n'y ait aucune garantie que la fille sur son traîneau soit liée aux adultes, sa tenue élaborée et son teint de poupée de porcelaine...
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