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David RankinPeinture expressionniste abstraite australienne à la gouache fusain sur papier façonné1990
1990
1 054,10 €
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À propos de cet article
David Rankin
Américain (né en 1946)
Sans titre (noir sur gris) (1990)
Gouache et fusain sur papier
signé En bas à gauche
19 x 15 pouces
Rankin est un artiste australien d'après-guerre et contemporain basé à New York et né en Grande-Bretagne, connu pour ses peintures abstraites expressionnistes. Son travail se caractérise par l'utilisation de coups de pinceau rapides et lâches, qui rappellent les gribouillis sur une page. Rankin travaille principalement la peinture à l'huile et l'acrylique sur toile, mais aussi le papier, les gravures, les sculptures et la céramique. Rankin a organisé plus d'une centaine d'expositions personnelles dans des villes du monde entier, notamment New York, Londres, Paris, Pékin, Mexico, Vienne, Berlin et Cologne, ainsi que dans toute l'Australie. Représenté dans de nombreuses collections publiques et privées et dans les plus grands musées du monde, le travail de David Rankin figure dans les principales institutions australiennes, notamment la National Gallery of Australia, l'Art Gallery of New South Wales, la National Gallery of Victoria et la Queensland Art Gallery.
David Rankin est né à Plymouth, dans le Devon, en Angleterre, en 1946, puis a émigré en Australie avec sa famille en 1948. Il a passé son enfance dans les années 1950 dans la région semi-rurale de Port Hacking, au sud de Sydney, et son adolescence dans la campagne de la Nouvelle-Galles du Sud, de Hay, Wagga Wagga et Albury au sud à Bourke et Brewarrina au nord.
Rankin est autodidacte, développant ses techniques et ses idées dans les villes de l'Outback de sa jeunesse. Il a été inspiré par les plus grands, de Léonard de Vinci à Paul Klee, ainsi que par l'histoire du bouddhisme et de l'art asiatique. Au cours de ses voyages, avant son arrivée à Sydney en 1967, il a développé un concept de ce qu'il voulait réaliser en tant qu'artiste australien. Son rêve était d'exprimer l'anima, l'esprit de vie ou l'essence de Dieu dans toute la nature. En tant qu'artiste australien, il pensait pouvoir associer les éléments de l'art occidental à la compréhension et à l'amour des cultures asiatiques et aborigènes d'Australie. Il a également estimé que l'Australie étant plus proche de l'Asie que de l'Europe, il était logique de penser à l'art des artistes indiens, chinois et japonais, et que l'on ne pouvait pas être un artiste australien authentiquement articulé sans aimer et respecter les expressions artistiques et spirituelles des différents artistes, peuples et cultures aborigènes. Son travail combine des éléments de la peinture expressionniste abstraite avec des influences juives et aborigènes.
Sa première femme, Jennifer Mary Roberts (née Haynes), est décédée en 1979. Rankin a ensuite rencontré son épouse actuelle, Lily Brett, dont la vie a été marquée par la tragédie, ses parents ayant survécu à l'Holocauste. Elle aussi a émigré en Australie alors qu'elle était enfant, après la Seconde Guerre mondiale, en 1948. L'artiste raconte que son empathie pour Calle et la pitié pour la mort de sa première femme ont fusionné dans ce qu'il appelle "la bénédiction sombre de ma vie". L'obscurité s'est transformée en images. L'auteur Dore Ashton écrit que les événements de 1979 et l'incendie qui a ravagé son studio en 1997 et brûlé ses œuvres d'art et de nombreux biens personnels, ont eu un impact profond sur son travail.
Ayant pour sujet des expériences de vie personnelles, les peintures de Rankin contemplent ces choses. Par exemple, sa série Jérusalem fait suite à un voyage à Jérusalem en 1988, qui a débouché sur ses œuvres Golgotha. Ses voyages dans les déserts australien, américain et mexicain ont servi de sujet à nombre de ses toiles, telles que Ridge - Mungo, Golden Prophecy - San Antonio, Grey Sonora Landscape, et ont ensuite donné naissance à sa série Witness. À partir de l'incendie de son Studio, il a ensuite peint Bouddha et flammes. Il a illustré deux livres de Lily Brett sur l'holocauste et a approfondi le thème dans son immense œuvre The Drowned and The Saved (Les noyés et les sauvés), tirée d'un livre du même nom de Primo Levi. Grâce à Brett, il a découvert la mythologie juive et a peint des images judaïques, la Menorah noire et les Tefillin noirs. En témoignage de son amour pour elle, il a créé la série Mari et femme, qui comprend le Triptyque Mari et femme III et Mari et femme - Ying et Yang.
En 1989, Rankin s'est installé avec sa femme à New York. Depuis leur domicile à New York, ils continuent d'explorer à la fois leurs racines et leur culture australiennes, ainsi que les opportunités et les défis liés à l'appartenance à une communauté internationale. Leurs trois enfants, dont la célèbre artiste Jessica Rankin, vivent également à New York. La belle-fille de David est l'artiste Julie Mehretu.
Au cours des 30 dernières années, Rankin a organisé plus de 100 expositions personnelles dans des villes telles que Paris, Pékin, New York, Cologne et dans toute l'Australie. Il est représenté dans de nombreuses collections et musées de premier plan, dont la National Gallery of Victoria. Il a été choisi comme représentant officiel de l'Australie lors des célébrations de l'exposition du quarantième anniversaire de l'UNESCO qui a fait le tour des capitales du monde. Il a participé au Salon de Mai à Paris et à la Chicago Art Fair. Parmi les nombreux prix et récompenses qui lui ont été décernés, on peut citer le prix Wynne 1983, le plus important prix de paysage d'Australie. Récemment, une monographie anglo-allemande sur son œuvre intitulée "The Walls of the Heart : The Work and Life of David Rankin" a été publiée par le critique et historien de l'art américain Dore Ashton. En 2005-2006, une grande exposition des œuvres de Rankin, organisée par Dore Ashton, a fait le tour des galeries publiques d'Australie.
Parmi les nombreuses œuvres qui lui ont été commandées, citons The Scorched Earth, 1984-85, huile sur toile, diptyque au Victorian Arts Centre, Melbourne. Le Comité pour la Bosnie a commandé une affiche, A Day for Bosnia, à l'Université de Chicago. Ses peintures à l'huile, ses grandes aquarelles et ses céramiques sont exposées à l'hôtel Vista de New York.
En septembre 2013, un livre de Dore Ashton sur l'œuvre de David Rankin intitulé David Rankin : The New York Years a été publié.
Il a exposé ses œuvres à la Charles Nodrum Gallery, à Richmond, en Australie, à la Mossgreen Gallery et dans d'autres grandes galeries australiennes.
- Créateur:David Rankin (1946, Australie)
- Année de création:1990
- Dimensions:Hauteur : 48,26 cm (19 po)Largeur : 38,1 cm (15 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Surfside, FL
- Numéro de référence:1stDibs : LU38215617982
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4,9
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ÉDUCATION :
1970 M.F.A. en peinture, Université de l'Arizona
1967 BA en peinture, Washington State University
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Peinture mixte comprenant du fusain et de l'aquarelle
Signé à la main en bas à droite
Dimensions : 30.0" L x 22.5" H x 0.1" D
Richard Snyder est particulièrement connu pour ses grandes peintures expressionnistes abstraites aux couleurs vibrantes, souvent appliquées de manière irrégulière avec de grands coups de pinceau gestuels. Il était également un sculpteur accompli et faisait partie de la scène du mobilier d'art du Downtown New York, créée dans les années 1980 par la galerie de Soho "Art et Industrie" fondée par Rick Kaufmann. Downtown New York, vers 1977-1980, était un foyer d'impulsions créatives qui s'affranchissaient des restrictions et se lançaient à corps perdu dans l'expression émeutière. Punk, hip-hop, graffiti ou néo-expressionnisme,
Kaufmann a cherché de nouveaux talents susceptibles de créer un nouveau type de mobilier d'art. Il estimait que le design de l'époque était tellement standardisé, et il voulait donner la parole à de jeunes artistes et mettre de nouvelles idées sur le marché.
Après avoir obtenu une licence en beaux-arts à l'école du Musée des beaux-arts de Boston, Snyder a fait carrière dans les domaines de l'art et du design, pratiquant la sculpture, la peinture, la conception et la fabrication de meubles, la décoration d'intérieur, l'ébénisterie, la construction et le design industriel. Outre une vaste expérience dans une grande variété de matériaux et de processus, Snyder possède également un large éventail de vocabulaire visuel et expérientiel acquis lors de ses nombreux voyages à travers les Amériques, l'Afrique, le Moyen-Orient, l'Asie centrale et l'Asie du Sud-Est. Snyder considère que ses objets ne se limitent pas à la forme, à la fonction, à la couleur, au matériau et au processus, mais qu'ils sont plutôt des fantaisies dotées d'un esprit, d'une magie et d'une histoire. Au cours des dix-sept années passées à la galerie Art et Industrie, Snyder a participé à cinq expositions personnelles et à plus de vingt expositions collectives, qui l'ont consacré comme un acteur majeur du mouvement du mobilier d'art américain. Ses œuvres ont été publiées dans de nombreux médias et publications à travers le monde. Elles font partie de nombreuses collections privées dans le monde entier ainsi que de la collection permanente de l'Art Institute of Chicago. Snyder est invité à donner des conférences à la Rhode Island School of Design à Providence, à la New School à New York et à SUNY Purchase.
Il a fait partie de la rétrospective de référence de la Magen H Gallery (a) Gallery, Art et Industrie - un mouvement new-yorkais. Art et Industrie a été le premier à exposer le Studio Alchemia, Shiro Takahama et Ron Arad.
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Sans titre
Peinture mixte, y compris à l'huile
Signé à la main en bas à droite au dos
Dimensions : 22.5" L x 30.0" H x 0.1" D
Richard Snyder est particulièrement connu pour ses grandes peintures expressionnistes abstraites aux couleurs vibrantes, souvent appliquées de manière irrégulière avec de grands coups de pinceau gestuels. Il était également un sculpteur accompli et faisait partie de la scène du mobilier d'art du Downtown New York, créée dans les années 1980 par la galerie de Soho "Art et Industrie" fondée par Rick Kaufmann. Downtown New York, vers 1977-1980, était un foyer d'impulsions créatives qui s'affranchissaient des restrictions et se lançaient à corps perdu dans l'expression émeutière. Punk, hip-hop, graffiti ou néo-expressionnisme,
Kaufmann a cherché de nouveaux talents susceptibles de créer un nouveau type de mobilier d'art. Il estimait que le design de l'époque était tellement standardisé, et il voulait donner la parole à de jeunes artistes et mettre de nouvelles idées sur le marché.
Après avoir obtenu une licence en beaux-arts à l'école du Musée des beaux-arts de Boston, Snyder a fait carrière dans les domaines de l'art et du design, pratiquant la sculpture, la peinture, la conception et la fabrication de meubles, la décoration d'intérieur, l'ébénisterie, la construction et le design industriel. Outre une vaste expérience dans une grande variété de matériaux et de processus, Snyder possède également un large éventail de vocabulaire visuel et expérientiel acquis lors de ses nombreux voyages à travers les Amériques, l'Afrique, le Moyen-Orient, l'Asie centrale et l'Asie du Sud-Est. Snyder considère que ses objets ne se limitent pas à la forme, à la fonction, à la couleur, au matériau et au processus, mais qu'ils sont plutôt des fantaisies dotées d'un esprit, d'une magie et d'une histoire. Au cours des dix-sept années passées à la galerie Art et Industrie, Snyder a participé à cinq expositions personnelles et à plus de vingt expositions collectives, qui l'ont consacré comme un acteur majeur du mouvement du mobilier d'art américain. Ses œuvres ont été publiées dans de nombreux médias et publications à travers le monde. Elles font partie de nombreuses collections privées dans le monde entier ainsi que de la collection permanente de l'Art Institute of Chicago. Snyder est invité à donner des conférences à la Rhode Island School of Design à Providence, à la New School à New York et à SUNY Purchase.
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