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Krzysztof Gliszczyński
Caput Mortuum - Peinture à l'huile conceptuelle, frêne et poussière de marbre sur toile XXL

1997

À propos de cet article

Taille totale : Hauteur 200cm x Largeur 300cm ( Le tableau est composé de 2 parties, une partie : 200x150cm ) Taille totale : Hauteur 78,7402 pouces x Largeur 118,11 Inch ( Le tableau est composé de 2 parties, une partie : 78,7402 x 59,0551 ) "Caput Mortuum de la série The Mythology of Red, 1997 Krzysztof Gliszczyński, Huile, encaustique, pigments, poussière de marbre sur toile, 200 x 300 cm (deux parties, une partie 200x150cm) Krzysztof Gliszczyński est professeur de peinture à l'Academy Fine Paintings de Gdansk. Krzysztof Gliszczyński est né à Miastko en 1962. Diplômé de l'Académie des beaux-arts de Gdańsk en 1987 dans le studio du professeur Kazimierz Ostrowski. Entre 1995 et 2002, fondateur et co-gérant de la galerie Koło à Gdańsk. Initiateur du prix Kazimierz Ostrowski, décerné par l'Union des artistes et designers polonais (ZPAP), section de Gdańsk. Deans de la faculté de peinture de l'Académie des beaux-arts de Gdańsk dans les années 2008-2012. Vice-recteur pour le développement et la coopération de l'Académie des beaux-arts de Gdańsk de 2012 à 2016. A obtenu un poste de professeur en 2011. Il dirige actuellement le troisième studio de peinture de la faculté de peinture de l'Académie des beaux-arts de Gdańsk. Il a participé à quelques dizaines d'expositions en Pologne et à l'étranger. Il a reçu d'innombrables prix et récompenses pour son travail artistique. Il est actif dans le domaine de la peinture, du dessin, des objets et de la vidéo. Déclaration de l'artiste : Dans les années 1990, j'ai commencé à collectionner des écailles de peinture - des restes de mon travail. Je mettrais les frais dans des coffrages en bois, les secs dans des récipients en verre. Elles constituent des couches d'investigations dans le domaine de la peinture, enfermées dans des cuboïdes datés et numérotés de 47 × 10,5 × 10,5 cm. J'ai appelé ces objets des Urnes. En 2016, je les ai présentées lors d'une exposition, en moulant un seul objet à partir de toutes les Urnes. Les Urnes m'ont incité à redéfinir le statut de mon travail de peintre. Pour ce faire, j'ai exécuté une tâche intimidante consistant à placer les couches de peinture non pas dans une urne, mais sur une toile, en pressant chaque parcelle fraîche de peinture avec mon pouce. Dans le cycle de peintures Autoportret a'retour, la matière est transférée d'un tableau à l'autre, en élargissant la surface de chaque tableau consécutif. Ensemble, les morceaux, les résidus de peinture, ont gardé vivante la mémoire des œuvres précédentes. C'était une étape de l'atomisation de la matière picturale et de son aliénation des concepts traditionnels et des relations esthétiques. C'est ainsi qu'est né le cycle de peintures synergiques, comme je les ai appelées, guidé par le sentiment évoqué en moi par les flocons de peinture qui s'intensifient mutuellement. Le résultat esthétique final de l'affinage de la matière digérée est une conséquence de l'automatisme du processus de superposition, de pression du pouce et de grattage. Comme lors d'une fouille archéologique, on tente de rassembler et de récupérer ce qui a été perdu. Ce concept d'avant-garde consiste à transférer dans le domaine de la peinture de la matière, virtuellement dégradée et n'appartenant pas au domaine de l'art. Et pourtant, la matière y entre à nouveau, acquérant une nouvelle signification. La matière que j'ai créée, s'accumulant comme de la lave, est devenue ma nouvelle technique. Je l'ai appelé perpetuum pictura - peinture auto-entretenue. Les concepts alchimiques m'ont permis d'identifier le processus inhérent à la matière émergente, de lui donner une direction et un sens. D'une certaine manière, je créais de la matière qui m'introduisait dans le monde pré-symbolique - un monde avant la forme, sans nom. De ce magma pictural, des idées ont jailli, les vieilles théories de la couleur et le problème alambiqué de la quadrature du cercle se sont manifestés à nouveau. Tout comme la lumière réfractée par le cristal de Harriot en 1605, j'ai essayé de briser la couleur dans le tableau Iosis. Les peintures devenaient des symptômes, comme dans l'œuvre Pulp fiction, qui était à l'époque un geste de fragmentation totale de la matière et de dépassement de ses limites, mon dialogue avec les œuvres de Jackson Pollock et la liberté apportée par son art. Le tableau Geometrica de physiologiam pictura contient un diagramme dans lequel j'introduis quatre couleurs qui constituent une introduction à la protopsychologie, à la transmutation alchimique et à l'ancienne théorie de la couleur. Dans cette œuvre, j'ai réussi à présenter l'identification de l'essence de la physiologie humaine avec l'art. Mais l'aspect essentiel de mes considérations dans mes peintures les plus récentes est l'analyse de l'abstraction, l'étude de sa signification pour le langage artistique contemporain et la recherche des possibilités de créer un nouveau message. Pour moi, l'abstraction n'est pas une fin en soi, répondant aux attentes largement prévisibles des spectateurs. Étudier la frontière entre visibilité et invisibilité, comme dans l'œuvre Unsichtbar, c'est s'interroger sur le statut des possibilités du langage de l'abstraction. Le moment de fluidité que je parviens à atteindre résulte de la matière - une matière qui ne contient qu'une mémoire des œuvres précédentes, et qui devient pourtant la raison de la recherche d'un équilibre entre les couches les plus profondes de la psyché, qui ne sont jamais statiques, mais toujours sujettes à des changements. Son contrepoids est la géométrie, qui représente la rationalité et a la capacité d'organiser et de définir la forme artistique, comme dans l'œuvre Memory. En revenant à l'œuvre du Greco et à son tableau Tolède, j'ai pu étudier à nouveau la force de l'idée de lumière, qui a donné au tableau sa forme et l'atmosphère apocalyptique qu'il contient. Le Greco, redécouvert par Paul Cézanne, a apporté une contribution énorme à la création des fondements de la peinture moderne. L'idée du Greco m'a inspiré pour peindre Tolède. Dans l'œuvre Anamnesis, j'aborde l'idée de la mémoire et de son contraire, l'oubli, qui, dans le processus créatif, permet de déconstruire la rationalité de la mémoire. History of the Painter from Borowy Młyn est une installation qui parle du processus de peinture, de l'acte de création, et qui fait référence à l'histoire de mon père, peintre en bâtiment, et à ses expériences traumatisantes après avoir été séparé de sa famille par les nazis en 1944. Rouler des rouleaux à partir de bandes de toiles est devenu un acte symbolique de pansement d'une blessure. Les rouleaux étaient roulés sur un cadre métallique jusqu'au moment où le fardeau devenait trop lourd à porter.
  • Créateur:
    Krzysztof Gliszczyński (1962, Polonais)
  • Année de création:
    1997
  • Dimensions:
    Hauteur : 200 cm (78,75 po)Largeur : 150 cm (59,06 po)Profondeur : 3 cm (1,19 po)
  • Support:
    Pigment,Toile,Marbre,Encaustique,Huile
  • Mouvement et style:
    Conceptuel
  • Période:
    1990-1999
  • État:
  • Adresse de la galerie:
    Salzburg, AT
  • Numéro de référence:
    1stDibs : LU103538381312
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