Cauda Pavonis Synergique - Encaustique conceptuelle, pigments à l'huile, toile sur bois

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Krzysztof Gliszczyński
Cauda Pavonis Synergique - Encaustique conceptuelle, pigments à l'huile, toile sur bois
2017

Name: Cauda Pavonis Synergique - Encaustique conceptuelle, pigments à l'huile, toile sur bois
Brand: Krzysztof Gliszczyński
Rating: 5 (29 reviews)

À propos de cet article

"Cauda Pavonis" peinture synergique : pigments, huile, encaustique sur toile tendue sur bois, ∅ 80 cm, 2017. Krzysztof Gliszczyński est professeur de peinture à l'Académie des beaux-arts de Gdansk. Krzysztof Gliszczyński est né à Miastko en 1962. Diplômé de l'Académie des Beaux-Arts de Gdańsk en 1987 dans l'atelier du professeur Kazimierz Ostrowski. Entre 1995 et 2002, fondateur et co-directeur de la galerie Koło à Gdańsk. Initiateur du prix Kazimierz Ostrowski, décerné par l'Union des artistes et designers polonais (ZPAP), section de Gdańsk. Doyen de la faculté de peinture de l'Académie des beaux-arts de Gdańsk dans les années 2008-2012. Vice-recteur pour le développement et la coopération de l'Académie des beaux-arts de Gdańsk dans les années 2012-2016. A obtenu un poste de professeur en 2011. Actuellement chef du troisième atelier de peinture de la faculté de peinture de l'Académie des beaux-arts de Gdańsk. Il a participé à quelques dizaines d'expositions en Pologne et à l'étranger. Il a reçu d'innombrables prix et récompenses pour son travail artistique. Il est actif dans le domaine de la peinture, du dessin, des objets et de la vidéo. Déclaration de l'artiste : Dans les années 1990, j'ai commencé à collecter des écailles de peinture - des restes de mon travail. Je mettrais les frais dans des coffrages en bois, les secs dans des récipients en verre. Elles constituent des couches d'investigations dans le domaine de la peinture, enfermées dans des cuboïdes datés et numérotés de 47 × 10,5 × 10,5 cm. J'ai appelé ces objets des Urnes. En 2016, je les ai présentées lors d'une exposition, en moulant un objet unique à partir de toutes les Urnes. Les Urnes m'ont inspiré une redéfinition du statut de mon travail en tant que peintre. Pour ce faire, j'ai effectué une tâche décourageante en plaçant les couches de peinture non pas dans une urne, mais sur une toile, en pressant chaque morceau de peinture fraîche avec mon pouce. Dans le cycle de peintures Autoportret a'retour, la matière a été transférée d'un tableau à l'autre, élargissant la surface de chaque tableau consécutif. Ensemble, les morceaux, les résidus de peinture, gardaient vivante la mémoire des œuvres précédentes. C'était une étape de l'atomisation de la matière picturale et de son aliénation des concepts et des relations esthétiques traditionnels. C'est ainsi qu'est né le cycle de tableaux synergiques, comme je les ai appelés, guidé par le sentiment qu'évoquaient en moi les flocons de peinture qui s'intensifiaient mutuellement. Le résultat esthétique final du raffinage de la matière digérée était une conséquence de l'automatisme du processus de superposition, de pression du pouce et de grattage. Comme dans une fouille archéologique, on tente de réunir et de retrouver ce qui a été perdu. Ce concept avant-gardiste consiste à transférer dans le domaine de la peinture de la matière, virtuellement dégradée et n'appartenant pas au domaine de l'art. Et pourtant la matière y rentre, acquérant une nouvelle signification. La matière que j'ai créée, s'accumulant comme de la lave, est devenue ma nouvelle technique. Je l'ai appelé perpetuum pictura - peinture auto-perpétuée. Les concepts alchimiques m'ont permis d'identifier le processus inhérent à la matière émergente, de lui donner une direction et un sens. D'une certaine manière, je créais de la matière qui m'introduisait dans le monde pré-symbolique - un monde avant la forme, sans nom. De ce magma pictural jaillissent des idées, les vieilles théories de la couleur et le problème alambiqué de la quadrature du cercle se manifestent à nouveau. Tout comme le cristal de Harriot qui réfracte la lumière en 1605, j'ai essayé de briser la couleur dans le tableau Iosis. Les peintures devenaient des symptômes, comme dans l'œuvre Pulp fiction, qui était à l'époque un geste de fragmentation totale de la matière et de dépassement de ses limites, mon dialogue avec les œuvres de Jackson Pollock et la liberté apportée par son art. Le tableau Geometrica de physiologiam pictura contient un diagramme dans lequel j'inscris quatre couleurs qui constituent une introduction à la protopsychologie, à la transmutation alchimique et à l'ancienne théorie des couleurs. Dans ce travail, j'ai réussi à présenter l'identification de l'essence de la physiologie humaine avec l'art. Mais l'aspect essentiel de mes considérations dans mes tableaux les plus récents est l'analyse de l'abstraction, l'étude de sa signification pour le langage contemporain de l'art et la recherche des possibilités de créer un nouveau message. Pour moi, l'abstraction n'est pas une fin en soi, répondant aux attentes largement prévisibles des spectateurs. Étudier la frontière entre visibilité et invisibilité, comme dans l'œuvre Unsichtbar, revient à s'interroger sur le statut des possibilités du langage de l'abstraction. Le moment de fluidité que je suis capable d'atteindre résulte de la matière - une matière qui ne contient qu'un souvenir des œuvres précédentes, et qui devient pourtant la raison de la recherche d'un équilibre entre les couches les plus profondes de la psyché, qui ne sont jamais statiques, mais toujours sujettes à des changements. Son contrepoids est la géométrie, qui représente la rationalité et a la capacité d'organiser et de définir la forme artistique, comme dans l'œuvre Memory. En revenant à l'œuvre du Greco et à son tableau Tolède, j'ai pu étudier une fois de plus la force de l'idée de lumière, qui donne au tableau sa forme et l'atmosphère apocalyptique qu'il contient. Le Greco, redécouvert par Paul Cézanne, a énormément contribué à la création des bases de la peinture moderne. L'idée d'El Greco m'a inspiré pour peindre Tolède. Dans l'œuvre Anamnesis, j'aborde l'idée de la mémoire et de son contraire, l'oubli, qui, dans le processus de création, permet de déconstruire la rationalité de la mémoire. Histoire du peintre de Borowy Młyn est une installation qui parle du processus de peinture, de l'acte de création, et fait référence à l'histoire de mon père, peintre en bâtiment, et à ses expériences traumatisantes après avoir été séparé de sa famille par les nazis en 1944. Rouler des rouleaux à partir de bandes de toiles est devenu un acte symbolique de pansement d'une blessure. Les parchemins étaient enroulés sur un cadre métallique jusqu'au moment où le fardeau devenait trop lourd à porter.

Créateur:
Krzysztof Gliszczyński (1962, Polonais)
Année de création:
2017
Dimensions:
Hauteur : 80 cm (31,5 po)Largeur : 80 cm (31,5 po)
Support:
Toile,Bois,Encaustique,Huile,Pigment
Mouvement et style:
Conceptuel
Période:
2010-
État:
Adresse de la galerie:
Salzburg, AT
Numéro de référence:
1stDibs : LU103538491102

4 855 $US

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