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Charles Webster Hawthorne"Près de Provincetown" Charles Webster Hawthorne, paysage impressionniste de Cape Codvers 1910
vers 1910
21 417,08 €
À propos de cet article
Charles Hawthorne
Près de Provincetown
Signé et inscrit "A MON AMI RILLINGIK" en bas à gauche
Huile sur toile
16 x 20 1/4 pouces
Provenance :
Collection privée
Sotheby's New York, 12 septembre 1994, lot 145
Galerie Spanierman, New York
Collection S, Scarsdale, New York
Charles W. Hawthorne (1872-1930) était l'un des portraitistes américains les plus dynamiques, les plus pénétrants et les plus directs, ainsi qu'un professeur créatif et inspirant. Peintre d'un peintre, Hawthorne dirigeait une école d'été à Provincetown - l'école d'art de Cape Cod - depuis plus de trente ans et en a fait une colonie d'artistes de premier plan pour les talents inspirés par l'impressionnisme en plein air. Hawthorne grandit à Richmond, dans le Maine, fils de Joseph Jackson Hawthorne et de Cornelia Jane Smith Hawthorne. Ayant découvert très tôt ses capacités artistiques, Charles convainc ses parents de lui permettre d'étudier à New York en 1893, à l'Art Students League puis à la National Academy of Design. Il compte parmi ses professeurs Frank Vincent DuMond, George de Forest Brush et William Merritt Chase. Pendant la journée, Hawthorne gagne sa vie comme docker et il est employé aux J. and R. Lamb Studios, une fabrique de vitraux. En 1896, Hawthorne s'inscrit aux cours d'été de Chase à Shinnecock Hills. Au cours de la saison suivante, il est l'assistant de Chase et, à New York, il l'aide à organiser l'école Chase. C'est là qu'il rencontre sa future épouse, Ethel M. Campbell, secrétaire correspondante et l'une des étudiantes de Lorado Taft. Le fils de Hawthorne, Joseph, que Hawthorne a représenté sous le nom de The Fencer (Sheldon Memorial Art Gallery, Lincoln, Nebraska), a décrit comment son père vivait dans une cabane de pêcheur à Shinnecock (Hawthorne on Painting, 1938, p. xi).
À la surprise de Hawthorne, Chase abandonne la Chase School sans se préoccuper de l'avenir de Hawthorne. Sa seule consolation est un voyage en Europe, qui permet à Hawthorne d'apprécier les vieux maîtres, notamment Titien, Frans Hals et Rembrandt. Leur monumentalité classique a été combinée à la technique robuste et picturale de l'école de Munich de Chase pour former le style énergique et sincère propre à Hawthorne. À Zandvoort, en Hollande, Hawthorne découvre l'école de La Haye et visite le musée Frans Hals. Il a déclaré : "Lorsque je suis venu ici et que j'ai vu les Hals, j'ai été tellement subjugué par le travail au pinceau que je n'ai rien pu voir d'autre." (Hawthorne à Ethel Marion Campbell, 24 août 1898). L'année 1899 marque la découverte par Hawthorne de Provincetown, un village de pêcheurs encore intact et bon marché, un endroit idéal pour fonder une colonie d'artistes dédiée à la peinture de figures en plein air. Il s'installe dans une vieille maison sur Miller Hill, qui surplombe la baie : en 1907, il y ajoute un grand bâtiment en forme de grange pour son école.
Pour ses élèves, Brilliante a posé le modèle sous un soleil éclatant afin qu'ils puissent se concentrer sur le rendu des effets de la lumière. Hawthorne on Painting (1938) commence par un chapitre sur la figure extérieure. La figure dans la lumière du soleil, pour le débutant, était un objet ressemblant à une silhouette bien visible. "Ce qui était fondamental [pour Hawthorne, c'était] la mécanique qui consiste à mettre une tache de couleur à côté d'une autre". (Hawthorne on Painting, 1938, p. 23). Conseillant aux étudiants d'éviter les détails, Hawthorne voulait qu'ils capturent les formes de base du modèle, en utilisant une gamme limitée de valeurs. La figure ne devait pas être conçue comme une forme mollement modelée, comme l'étaient les gravures traditionnelles et académiques de la sculpture avec leur gamme complète de valeurs, la méthode enseignée dans les académies européennes pendant des siècles. Comme Claude Monet, Hawthorne disait à ses élèves d'éviter de dessiner, tout en posant des taches de couleur. " Laissez la couleur faire la forme - ne faites pas la forme et colorez-la " (Hawthorne on Painting, 1938, p. 26). Il conseille également aux étudiants de peindre avec un couteau à palette ou avec un pinceau large ; puisqu'ils sont jeunes et libres, il veut qu'ils peignent librement. Idéalement, les étudiants devraient transmettre "l'émotion de voir la chose pour la première fois" (p. 29). Surtout, Hawthorne encourage les étudiants à faire preuve d'audace, voire d'une certaine brutalité. Pratiquement comme un Fauve, Hawthorne insistait : "Sortez comme un sauvage, comme si la peinture venait d'être inventée" (p. 26). Lors des critiques hebdomadaires du samedi matin, les étudiants qui ont réussi à rendre le modèle de manière large en juxtaposant des zones de couleur intéressantes ont été félicités. Ceux qui ont essayé d'être décoratifs, ceux qui ont abordé le sujet timidement, ont été critiqués. L'autoritaire et imposant Hawthorne était décrit comme intimidant par de nombreux élèves "faibles" (Seckler, 1977, p. 23).
En 1903, Hawthorne épouse Ethel et commence à collectionner les récompenses impressionnantes avec le premier prix Hallgarten de la National Academy en 1904 pour Girl in Green. Il reçoit ensuite le deuxième prix Hallgarten en 1906, une médaille d'argent à l'exposition de Buenos Aires en 1910 et, l'année suivante, il est élu académicien à part entière et reçoit le prix Clarke de la NAD pour Le Trousseau (Metropolitan Museum of Art). Hawthorne a remporté le premier prix Altman et la médaille d'or Isidore de la National Academy pour The Offering, une version moderne de la Vierge à l'enfant avec l'accessoire favori de Hawthorne : un plateau de poissons récemment pêchés sur les quais de Townes. Tout au long de sa vie, Hawthorne a remporté des prix, trop nombreux pour être énumérés ici (au moins vingt autres ont suivi). La biographie de Hawthorne est assez calme, à l'exception d'un voyage en Italie en 1906 et d'un autre en Espagne et en France vers la fin de sa vie ; il est resté à Provincetown jusqu'à sa mort en 1930. En 1909, HENRY est désigné pour reprendre les cours de Robert Henri à la New York School of Art.
À Provincetown, Hawthorne résiste aux assauts des modernistes et à l'"invasion" de Greenwich Village. Ce cercle bohème comprenait le journaliste et romancier Hutchins Hapgood, George Crams Cook et sa femme Susan Glaspell, Mabel Dodge, John Reed, William Zorach et Eugene O'Neill. Les rebelles qui s'y sont rendus en 1915 ont perdu leur idéalisme. Hapgood (1939, p. 391) explique que "toutes les théories existantes se sont révélées impuissantes", dès lors que l'on s'est rendu compte qu'une guerre terrible était inévitable. C'est alors que O'Neill entre en scène, alors qu'il sort d'une saison de beuverie (Watson, 1991, p. 219). Sa pièce Bound East for Cardiff a été jouée pour la première fois le 28 juillet 1916. C'était une fête sauvage organisée par des croisés désillusionnés et des artistes anti-establishment, des couples sexuellement libérés, comme O'Neill et Louise Bryant, des artistes défilant dans des costumes cubistes, des bains nus, et ce que Hapgood a caractérisé comme un esprit général de suspicion et de malveillance, un "certain instinct de destruction de la personnalité de l'un et de l'autre".
Bien qu'opposé à ces "frasques" d'avant-garde, Hawthorne participe aux Beachcombers, un club d'artistes de bas étage mais à vocation caritative, réservé aux hommes, qui se réunit dans une maison de poisson appelée le Hulk. Pourtant, en matière d'esthétique, Hawthorne s'en tient vigoureusement à ses armes réalistes - il contrôle la Provincetown Art Association et " interdit pratiquement aux modernistes d'y exposer ", à l'exception de la faction d'E. Ambrose Webster (Jacobs, 1985, p. 178). Webster, le rival de Hawthorne, avait ouvert une école en 1900. À l'époque, son style impressionniste brillant et sa palette fauve étaient étonnamment progressistes. Webster était considéré comme un moderniste : il a exposé à l'Armory Show, étudié avec Gleizes à Paris au début des années 1920 et s'est retrouvé aux côtés de Demuth, Zorach et Karl Knaths lors de l'exposition de groupe de Provincetown en 1930. Il n'en reste pas moins un artiste figuratif et Hawthorne et lui continuent d'être des rivaux amicaux. En 1915, Hawthorne a peint The Crew of the Philomena Manta (Townes, Provincetown), peut-être son chef-d'œuvre, qui met en scène un solide groupe de pêcheurs portugais ramenant la prise du jour. À la même époque, son élève Edwin Dickinson (1891-1978) exécute son dynamique Interior (Collectional). Hawthorne est mort avant que le peintre abstrait Hans Hofmann n'établisse sa propre école à Provincetown. Ironiquement, ce dernier a occupé la maison et le studio de Hawthorne à partir de 1935.
Les critiques admirent la technique de Hawthorne et le sens de la vie que ses peintures incarnent. Anna Seaton-Schmidt (1913, p. 824) apprécie la manière dont ses portraits véhiculent des images universelles de l'humanité. En même temps, les pêcheurs portugais, souvent utilisés comme modèles par Hawthorne, sont de superbes portraits qui révèlent l'essence spirituelle intérieure du modèle : "la poésie qui sous-tend toute vie humaine". Quelques années plus tard, Duncan Phillips (1917, p. xx) soulignait lui aussi "l'intuition sympathique du caractère" de Hawthorne, mais relevait certains de ses défauts : tons chair cireux, manque de textures contrastées et modélisation simpliste. Quelques critiques, par exemple Henry McBride, n'appréciaient pas du tout les œuvres de Hawthorne. Phillips, cependant (1917, p. xxiv), pouvait prédire un brillant avenir à Hawthorne : "C'est un jeune homme de la race des aventuriers, et l'on peut s'attendre avec confiance à de nouveaux développements." Leila Mechlin (1931) a eu l'avantage de travailler avec l'ensemble de l'œuvre de Hawthorne. Elle a souligné sa contribution en tant qu'enseignant :
Hawthorne encourageait la virilité et insistait auprès de ses élèves sur l'importance de l'expression directe - il leur apprenait à faire la différence entre la couleur et le ton et à recréer l'illusion de la lumière sans employer la formule des impressionnistes. En ce sens, il était un moderniste, mais il n'a jamais voulu aller jusqu'au bout (p. 96). La "qualité spirituelle, cette perspicacité dans le caractère" et son imagination placent Hawthorne "à un niveau plus élevé que la majorité" des peintres (p. 102).
Ce qui rend les portraits de Thomas si forts et si convaincants, c'est la transmission du caractère et de la personnalité, combinée à la grandeur classique associée à l'art italien et à un réalisme yankee attachant, en partie inspiré par Thomas Eakins. Les modèles sont souvent représentés de face et établissent un contact visuel direct avec le spectateur. Certains portraits de groupe rappellent ceux des maîtres hollandais, tandis que d'autres, comme Three Women of Provincetown (vers 1924 ; Mead Art Museum, Amherst College) présentent un isocéphalisme primitif et une primauté collective moralisatrice qui semblent avoir inspiré les Daughters of Revolution de Grant Wood, peintes six ans plus tard. Pour Annette Stott (1998, pp. 74-76), ce tableau ressemble à The Regentesses of the Old Men's Almshouse de Frans Hals, que Hawthorne avait mentionné spécifiquement (Hawthorne à Ethel Marion Campbell, 29 juin 1898).
Bien que Hawthorne ait conseillé à ses élèves de traiter la figure comme un élément de nature morte, il l'a rarement fait dans ses propres œuvres. Ses figures sont loin d'être des objets sans vie inscrits dans un schéma formaliste. En privilégiant l'observation directe de la Nature plutôt que l'apprentissage auprès des vieux maîtres, Hawthorne a placé la créativité personnelle au plus haut rang. Peut-être pensait-il qu'une fois que les étudiants auraient maîtrisé les compétences de base, ils perfectionneraient leur art en analysant et en expérimentant Rembrandt, Titien, Léonard et Giorgione - ces peintres qui ont exercé une influence si profonde sur son art, au-delà de la technique. Comme beaucoup d'impressionnistes américains, Hawthorne n'a retenu de l'esthétique impressionniste que les éléments qui lui convenaient. Hawthorne, l'un des plus grands artistes américains, a été reconnu par un autre grand professeur, Hans Hofmann (dans Hawthorne on Painting, 1938, p. viii), comme un peintre "robuste et provocateur" doté d'un "esprit abondant et vigoureux, d'un tempérament cataclysmique". Hofmann voyait en Hawthorne un individualiste américain, dans la tradition de Whistler et de Ryder. Ajoutez à cette monumentalité de la Renaissance une forte dose de la technique pimpante de Chase, un souci presque propre à Can de trouver la beauté dans l'ordinaire, le laid et le banal, et une aspiration inflexible à l'originalité créative, et vous aurez défini l'art de Hawthorne.
- Créateur:Charles Webster Hawthorne (1872-1930, Américain)
- Année de création:vers 1910
- Dimensions:Hauteur : 55,88 cm (22 po)Largeur : 66,04 cm (26 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:New York, NY
- Numéro de référence:1stDibs : LU1841213147172
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