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William ZorachPremiers pas, Sculpture en bronze du début du 20e siècle, Cleveland School1918
1918
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William Zorach (américain 1891-1966)
Premiers pas, 1918
Bronze
8.5 x 5 x 4 pouces, y compris la base
Né en 1887 en Lituanie, William Zorach a immigré avec sa famille aux États-Unis alors qu'il n'avait que quatre ans et s'est installé à Cleveland, dans l'Ohio. Zorach fait preuve d'un talent artistique exceptionnel dès son plus jeune âge et, sur la recommandation de son professeur de septième année, commence à étudier la lithographie le soir à l'école d'art de Cleveland. Il ne tarde pas à faire son apprentissage dans une entreprise de lithographie à Cleveland. C'est là qu'il s'est rendu compte qu'il voulait devenir artiste - pour échapper à l'aspect commercial du domaine dans lequel il était soudainement plongé.
En 1907, Zorach a économisé suffisamment d'argent pour s'installer à New York et étudier l'art à la National Academy of Design, où il a reçu plusieurs prix pour ses peintures et ses dessins. Il poursuit ses études à Paris en 1910 à La Palette. Cette année à l'étranger s'avérera très fructueuse car, à Paris, il est très influencé par les mouvements cubiste et fauviste et expose plusieurs toiles au Salon d'automne. Cette influence et le succès qui s'ensuivit ont alimenté sa carrière aux États-Unis, où il a eu l'honneur de présenter sa première exposition personnelle. Grâce à cette nouvelle stabilité, il épouse une jeune femme rencontrée à l'école à Paris, et ils s'installent à New York où ils fondent un studio. Peu de temps après, leurs œuvres ont été acceptées au célèbre Armory Show de 1913.
Pendant les neuf années qui suivent, Zorach continue à se considérer comme un peintre, bien qu'il ait déjà commencé à expérimenter la sculpture. Il connaît un succès modeste avec sa peinture et hésite donc à l'abandonner complètement. Cependant, il est poussé vers la sculpture et, en 1922, il peint sa dernière huile.
L'engagement de Zorach dans la sculpture a commencé en grande partie par accident. Alors qu'il travaillait sur une série de gravures sur bois, Zorach s'est soudain intéressé davantage au panneau de noyer cendré qu'à la gravure et a transformé le panneau en un relief sculpté. Sans formation formelle de sculpteur, les premières sculptures de Zorach étaient en bois et ses outils de sculpture étaient primitifs, tels qu'un couteau à main. En fait, ses premières œuvres ont un certain aspect stylisé, suggérant l'influence de divers arts primitifs tels que le folklore africain et américain.
Zorach a trouvé sa Directional par instinct, mais n'ignorait pas ce que faisaient les autres sculpteurs, ici et à l'étranger. Il s'est rapidement allié à un nombre croissant de sculpteurs modernes qui croyaient en la nécessité esthétique de tailler leurs propres dessins directement dans le bloc de pierre ou de bois plutôt que de les modeler dans l'argile. Dès le début, il a trouvé une profonde satisfaction dans le processus lent et patient qui consiste à libérer l'image de son bloc emprisonnant, en regardant les formes émerger et apparaître.
"La résistance réelle du matériau résistant est un guide merveilleux", a déclaré Zorach lors d'une conférence sur la sculpture directe en 1930. Le sculpteur "ne peut pas changer facilement, il n'est pas possible de remettre demain ce qui a été coupé aujourd'hui. Ses sens sont constamment en éveil. Si quelque chose ne va pas, il faut se battre pour rétablir le rythme. Et lentement, la vision se développe au fur et à mesure que le travail progresse". Artistics a également constaté que le matériau lui-même avait un effet de modification constante sur la vision de l'artiste. Le grain du bois, les marques dans la pierre, la forme du tronc ou du rocher fixent des limites et suggèrent des possibilités. Il a toujours été sensible aux qualités caractéristiques de son matériau et les a parfois laissées jouer un rôle majeur dans la détermination de ses formes. Dans ce type d'œuvres, la sensation du matériau d'origine est préservée dans la pièce finie et est souvent accentuée en laissant certaines parties de la surface d'origine intactes et d'autres zones grossièrement marquées par les outils du sculpteur.
En 1923, Zorach achète une ferme dans le Maine, où il passe l'été avec sa famille. Il a continué à sculpter et a rapidement été reconnu comme l'un des principaux artistes du pays, honoré par de multiples commandes dans tout le pays et des expositions à l'Art Institute of Chicago, au Dallas Museum of Fine Art, au McNay Art Institute et au Whitney Museum of American Art, entre autres. Aujourd'hui, ses œuvres se trouvent dans des musées aussi prestigieux que le Metropolitan Museum of Art, le Museum of Modern Art, le Whitney Museum of American Art, l'Art Institute of Chicago, le Boston Museum of Fine Art, le Los Angeles Museum of Art, le Brooklyn Museum et le Cleveland Museum.
Dans l'ensemble, la sculpture de Zorach n'a rien d'américain. Il traite des thèmes universels de la vie. Il a finalement joué un rôle majeur dans le sauvetage de la sculpture américaine des tendances néoclassiques et du modelage illustratif qui la dominaient au début du siècle. Il a contribué à développer une avant-garde isolée dans ce pays, en partie parce qu'il s'est concentré non seulement sur des thèmes universels, mais aussi sur la beauté intrinsèque de son matériau, les valeurs tactiles sensuelles, la subtilité du modelage et la variété de l'imagerie.
- Créateur:William Zorach (1887 - 1966, Américain)
- Année de création:1918
- Dimensions:Hauteur : 21,59 cm (8,5 po)Largeur : 12,7 cm (5 po)Profondeur : 10,16 cm (4 po)
- Support:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:Beachwood, OH
- Numéro de référence:1stDibs : LU1768215320252
William Zorach
Né en 1887, il est devenu en 1930 l'un des plus grands sculpteurs américains du XXe siècle et a été honoré par de nombreuses commandes et expositions, notamment à l'Art Institute of Chicago, au Dallas Museum of Fine Art, au Whitney Museum of American Art et à bien d'autres endroits. Il a étudié à New York à la National Academy of Design et à Paris sous la direction de Jacques-Émile Blanche. C'est à Paris, dans la première décennie du XXe siècle, que le chemin de Zorach croise celui de Marguerite, sa future épouse. Marguerite et William ont tous deux été représentés à l'Armory Show de 1913, qui a fait date. William a continué à peindre pendant les deux décennies suivantes, tout en expérimentant de plus en plus la sculpture. Au milieu des années 20, il sculpte des œuvres importantes en marbre et en pierre. Au début des années 30, il abandonne complètement la peinture au profit d'une nouvelle forme d'art, la sculpture. C'est dans la sculpture que Zorach a trouvé sa véritable voix en tant qu'artiste et qu'il a connu un succès considérable. "La sculpture, la taille directe, était pour moi un univers en expansion, une libération et une forme d'expression naturelle." a déclaré Zorach. Collectional : Musée d'art américain Amon Carter
Musée d'art de l'université d'État de l'Arizona
Musée d'art de Boca Raton
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Centre des beaux-arts de Colorado Springs
Musée de la Colonie de Cornouailles
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Institut des arts de Minneapolis
Musée d'art mobile
Musée des beaux-arts de Boston
Académie des beaux-arts de Pennsylvanie
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Musée d'art et de jardins Cummer
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Tout afficherNu marchant, début du 20e siècle Sculpture en bronze, Cleveland School Artist
Par Max Kalish
Max Kalish (américain, 1891-1945)
Nu marchant, 1930
Bronze
Signé et daté sur la base
17 x 9 x 4 pouces
Né en Pologne le 1er mars 1891, le sculpteur figuratif Max Kalish est arrivé aux États-Unis en 1894, sa famille s'installant dans l'Ohio. Jeune homme talentueux, Kalish s'inscrit à l'Institut d'art de Cleveland à l'âge de 15 ans et reçoit un premier prix pour le modelage de la figure lors de ses études avec Herman Matzen. Après avoir obtenu son diplôme, Kalish se rend à New York, où il étudie avec Isidore Konti et Herbert Adams pendant les deux années suivantes.
En 1912, Kalish étudie avec Paul Bartlett à l'Académie Colarossi à Paris, en France. En 1913, il poursuit ses études avec Jean Antoine Injalbert à l'Ecole des Beaux-Arts. Le soutien financier de son frère, de sa famille et de ses amis a permis à Kalish de se rendre en Europe. Mais l'argent vient à manquer et, bien que Kalish expose deux portraits-bustes au Salon de Paris de 1913, il est contraint de retourner en Amérique, où il travaille sur la Colonne du progrès pour l'Exposition de Panama-Pacifique de 1915, à San Francisco, en Californie, avec son ancien professeur, Isidore Konti.
De retour à Cleveland, il travaille sur des commandes de portraits de deux sénateurs des États-Unis et du maire. Dans l'armée en 1916, Kalish a sculpté une série de figures de soldats en bronze, grandeur nature. En 1920, il est de retour à Paris, où il commencera à passer la moitié de l'année. En 1921, il sculpte son premier ouvrier, "The Stoker", genre pour lequel il sera le plus connu, en utilisant comme modèle un ouvrier des hauts-fourneaux de Cleveland. À Paris, en 1922, les sculptures d'ouvriers de l'artiste belge Constantine Meunier (1831-1905) ont cimenté le désir de Kalish de sculpter des travailleurs. Kalish a remporté le premier prix pour quatre sculptures - trois ouvriers - en 1925 lors de l'exposition des artistes et artisans de Cleveland, dont l'une, un torse nu en marbre, a été acquise par le Cleveland Museum of Art. Ce prix et cet achat ont accéléré la carrière de Kalish. En 1928, la ville de Cleveland lui commande une sculpture en bronze de 12 pieds de haut représentant Abraham Lincoln prononçant le discours de Gettysburg. Elle se trouve aujourd'hui devant l'entrée ouest du Conseil de l'éducation, sur la 6e rue Est.
Vivant et travaillant à New York en 1932, il est élu associé de la National Academy of Design en 1933. Il est ensuite devenu membre de la National Sculpture Society. Au début de la Seconde Guerre mondiale, Kalish a été chargé par le Musée d'histoire américaine de sculpter 48 figures en bronze - grandeur nature - de personnes participant à l'effort de guerre, dont le président Roosevelt, son cabinet et d'autres personnalités importantes. Il a vécu jusqu'à l'achèvement de l'œuvre, bien qu'atteint d'un cancer dont il est mort le 18 mars 1945 à New York. La sculpture de Max Kalish a été incluse dans l'exposition de 1997 à Berkeley, Californie, "When Artists Became Workers : The People's Art Movement of the '30s and '40s", au Judah L. Magnes Museum.
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