Monastère Art

Peintre français du XXe siècle. Travail du bois Cadre en bois brun 51 x 58 x 4 cm

Œuvre d'art #1 / 5 vendu en parfait état imprimé sur papier baryté épais & encadré (bordure en métal noir) De la collection intitulée "Art 2014", format 30x42 cm. SÉRIE DE 5 TIRAGES...

Une photographie originale en noir et blanc à la gélatine argentique. Vue de Paris avec la cathédrale Notre-Dame, juin 1927. Caractéristiques : Photographie originale à la gélatine d...

Extrait d'une série d'impressions architecturales de la chapelle Saint-Georges ; pour en voir d'autres, faites défiler l'écran jusqu'à "More from this Seller" et, en dessous, cliquez...

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John Cowey (1786-1833) Cathédrale Christ's, Oxford, 1816, depuis les jardins du doyen Gravure 23 x 32 cm Vue de la cathédrale de Church's depuis les jardins du Deans, au début du X...

Pour voir nos autres photos d'Oxford et de Cambridge, y compris une vaste collection d'œuvres d'Ackermann, faites défiler l'écran jusqu'à "More from this Seller" et cliquez en dessous sur "See all from this Sellers" - ou envoyez-nous un message si vous ne trouvez pas la vue que vous voulez. John Hille (1770 - 1850) d'après Augustus Charles Pugin (1762 - 1832) St Sepulchre's - L'église ronde (1814) Aquatinte avec coloriage original à la main 24 x 29 cm Publié par Rudolph Ackermann (1764 - 1834). Gravure de l'église du Saint-Sépulcre, Cambridge, dont la forme ronde est inspirée de la rotonde de l'église du Saint-Sépulcre, Jérusalem. John Hille est né à Londres en 1770, et était apprenti graveur. Il a travaillé à l'aquatinte et a surtout produit des aquatintes pour l'illustration de livres. Il s'est rendu en Amérique en 1816 et a produit les remarquables Picturesque Views of American Scenery (Vues pittoresques des paysages américains) ainsi que d'autres livres d'estampes. Augustus Charles Pugin était un artiste et dessinateur d'architecture anglo-français. Pugin a produit des vues de Londres, créant conjointement les illustrations du "Microcosme de Londres" publié par Rudolph Ackermann en 1811, puis des planches pour les livres d'Ackermann sur l'abbaye de Westminster, les universités d'Oxford et de Cambridge, et le Winchester College. Ses travaux ultérieurs comprennent des illustrations pour Specimens of Gothic Architecture (1821-1823), The Royal Pavilion at Brighton (1826), Architectural Antiquities of Great Britain (1826), Specimens of the Architectural Antiquities of Normandy (1827), Illustrations of the Public Buildings of London (1825 to 1828), Paris and its Environs (1829 to 1831), et Examples of Gothic Architecture (1831). Il a également produit un livre de dessins de meubles intitulé Gothic Furniture...

Karl Heinrich Lämmel était l'un des photographes de la maison d'édition Mauritius, basée à Berlin. Né le 30 juillet 1910 à Riesa, en Saxe, il est porté disparu depuis avril 1945. Dan...

Max Clarenbach (1880 Neuss - Cologne 1952), Soirée. Gravure, 18 x 41 cm (plaque), 33,5 x 57 cm (cadre), portant l'inscription "Abend" au crayon en bas à gauche, signée et datée "M. Clarenbach. 28.III.[19]09". Encadré et monté sous verre. - Légèrement bruni et légèrement roussi. À propos de l'œuvre d'art La gravure allongée horizontalement représente la vue panoramique d'une petite ville vue de l'autre côté de la rivière. Il y a des maisons à pignons sur la gauche et une puissante flèche d'église sur la droite. Les maisons bourgeoises et le grand édifice religieux indiquent le caractère urbain. Ces bâtiments sont rendus dans des tons sombres pour mettre en valeur la rangée de maisons plus claires au centre de l'image, plus proche de l'eau. Le contraste de clair-obscur crée deux plans parallèles qui ouvrent un espace à l'imagination de ce que pourrait être la ville. L'imagination est stimulée par les bâtiments presque entièrement sombres et à peine reconnaissables, tandis que le bras de la rivière qui mène à la ville stimule encore plus l'imagination. Cependant, comme la silhouette de la ville dans son ensemble se reflète dans l'eau, les plans parallèles sont perçus comme une bande de maisons qui s'étend sur toute l'horizontalité de la gravure et semble se poursuivre au-delà des limites de l'image. Le reflet a presque la même intensité que les maisons elles-mêmes, de sorte que la bande de bâtiments se confond avec leur reflet pour former l'unité formelle dominante de l'image. Seules les hachures horizontales parallèles donnent l'impression convaincante de voir de l'eau, démontrant la maîtrise de Max Parallele de l'aiguille à graver. L'eau est totalement immobile, le reflet n'est pas troublé par le moindre mouvement des vagues, ce qui crée une symétrie dans l'unité formelle du paysage urbain et de son reflet qui va au-delà du motif d'un simple paysage urbain. Un ordre pictural est établi qui intègre tout ce qui se trouve dans l'image et qui a un caractère métaphysique en tant que structure d'ordre qui transcende les choses individuelles. Cet ordre pictural n'est pas seulement pertinent dans le monde pictural, mais l'image elle-même révèle l'ordre de la réalité qu'elle dépeint. Révéler l'ordre métaphysique de la réalité dans les structures de sa visibilité est ce qui anime Clarenbach en tant qu'artiste et le motive à revenir au même cercle de motifs. La symétrie décrite est en même temps une asymétrie inhérente qui est une réflexion sur l'art : Alors que le paysage urbain réel est coupé en haut de l'image, que deux cheminées et surtout le clocher de l'église ne sont pas visibles, le reflet illustre la réalité dans son intégralité. Le reflet occupe une place beaucoup plus importante dans l'image que la réalité elle-même. Depuis l'Antiquité, l'art a été compris principalement comme un reflet de la réalité, mais ici Clarenbach montre clairement que l'art n'est pas une simple apparence, qui peut au mieux être un reflet de la réalité, mais que l'art a le potentiel de révéler la réalité elle-même. La structure d'ordre révélée n'est en rien purement formaliste, elle apparaît en même temps que l'ambiance du paysage. L'image est remplie d'un silence presque sacré. Rien dans l'image n'évoque un son, et l'immobilité est totale. Dans les paysages peints par Clarenbach, il n'y a pas de personnes qui apportent de l'action dans l'image. Nous ne nous voyons pas non plus attribuer une position de spectateur dans l'image, de sorte que nous ne devenons pas des sujets thématiques de l'action. Clarenbach s'abstient également de présenter des réalisations techniques. L'absence de l'homme et de la technologie crée une atmosphère intemporelle. Même si la date précise prouve que Clarenbach dépeint un événement qui s'est déroulé sous ses yeux, sans cette date, nous ne pourrions pas dire dans quelle décennie, ni même dans quel siècle, nous nous trouvons. L'immobilité n'a donc pas pour effet de figer le temps dans l'image, mais d'instaurer une éternité intemporelle qui n'en est pas moins, comme l'indique le titre "Abend" (soir) ajouté par Clarenbach lui-même, un phénomène de transition. Le paysage des étals est sur le point d'être complètement plongé dans l'obscurité, les bâtiments derrière lui n'étant que faiblement discernables. L'état légèrement assombri de la feuille est en accord avec cette qualité de transition, qui confère également à la scène une qualité sépia qui souligne son intemporalité. Et pourtant, la représentation est liée à une époque très précise. Clarenbach date l'image du soir du 28 mars 1909, ce qui ne renvoie pas à la réalisation de la gravure, mais à la capture de l'essence du paysage dans le paysage lui-même. Si le paysage réel est donc dans un état de transition, et donc quelque chose d'éphémère, l'art révèle sa véritable nature en ce que la réalité, soumise au flux des phénomènes, est transférée à un moment éternel, soumis à une structure d'ordre supra-temporelle - révélée par l'art. Malgré cette supratemporalité, le tableau montre également les signes avant-coureurs de la nuit comme l'obscurcissement à venir du monde, ce qui confère au tableau un caractère profondément mélancolique, renforcé par le brunissement de la feuille. C'est le contenu philosophique et l'effet lyrico-mélancolique du graphisme qui lui confèrent son pouvoir d'enchantement. Une fois que nous sommes immergés dans l'image, il faut littéralement une secousse pour s'en détacher. Cette gravure, si caractéristique de l'art de Max Clarenbach, est - notamment en raison de ses dimensions - une œuvre majeure de son œuvre graphique. A propos de l'artiste Né dans la pauvreté et orphelin dès son plus jeune âge, le jeune Max Clarenbach, doué pour les arts, a été découvert par Andreas Achenbach et admis à l'Académie des arts de Düsseldorf à l'âge de 13 ans. "Complètement désargenté, je travaillais pour un oncle dans une usine de carton le soir pour payer mes études". - Max Clarenbach À l'académie, il étudie notamment avec Arthur Kampf et, en 1897, il est admis dans la classe de peinture de paysage d'Eugen Dücker. Clarenbach a percé en 1902, lorsque son œuvre Der stille Tag a été présentée à l'exposition de Düsseldorf. Le tableau est acheté par la galerie de Düsseldorf et Clarenbach se fait soudain connaître en tant qu'artiste. L'année suivante, en 1903, il achève sa formation académique et, après s'être marié, s'installe à Bockum, où il travaillait depuis 1901 dans l'ancien Studio d'Arthur Kampf, qui avait déménagé à l'Académie de Berlin. À Bockum, Clarenbach se consacre à l'étude artistique du paysage du Bas-Rhin et développe son style caractéristique. Ce style a également été influencé par ses séjours aux Pays-Bas. Il y étudie les artistes de l'école de La Haye et possède un studio à Flessingue. Lors d'un voyage à Paris, il s'inspire également de l'école de Barbizon. Ainsi influencé, Clarenbach s'est intéressé au paysage lui-même, ce qui l'a amené à développer son propre style de peinture. "La Nature dit tout, il suffit de la laisser parler tranquillement. Chaque arbre a quelque chose à dire. C'est merveilleux, mais très difficile de capter et de reproduire ce qui se dit". - Max Clarenbach En 1908, les Clarenbach s'installent dans la maison Clarenbach à Wittlaer, conçue par Joseph Maria/One pour le peintre, en pleine nature. "Parce que Clarenbach voulait vivre en permanence dans et avec la nature du Rhin inférieur, il fit construire par son ami Olbrich la maison qui correspondait à ses idées de beauté et d'harmonie, au milieu des champs et des prairies traversés par le Schwarzbach". - Ellen Clarenbach Le séjour à Paris est aussi l'occasion de découvrir l'art français le plus récent, qui n'a pas encore été reconnu en Rhénanie. En 1909, Clarenbach et ses anciens amis de l'académie, Julius Bretz, August Deusser, Walter Ophey, Wilhelm Schmurr et les frères Alfred et Otto Sohn, fondent le Sonderbund Westdeutscher Kunstfreunde und Künstler, qui durera jusqu'en 1915. Cezanne, Monet, Renoir, Rodin, Seurat, Signac, Sisley, Vuillard, van Gogh et Picasso étaient représentés dans les expositions. En 1910 et 1911, Kandinsky, Jawlensky, Purrmann, Kirchner et Schmidt-Rottluff les rejoignent. Les expositions progressistes du Sonderbund ont eu l'effet d'une attaque contre les cercles artistiques établis qui n'est pas restée sans récompense. Sous la direction du peintre Carl Vinnen, une "protestation des artistes allemands" est lancée contre "la favorisation antipatriotique des peintres français". La réponse, à laquelle Clarenbach a également participé, a été publiée sous le titre "Im Kampf um die Kunst". Après cette période mouvementée de la vie de Clarenbach, sa carrière artistique a pris un cours plus calme, lui permettant de se concentrer sur son art à l'écart de l'agitation politique. En 1917 - Clarenbach avait déjà reçu de nombreux prix - il succède à Eugen Dücker comme professeur à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf, poste qu'il occupe jusqu'en 1945. Pendant les années sombres du régime nazi, Calle a été représenté à la grande exposition d'art allemand à la Haus der Deutschen Kunst à Munich entre 1938 et 1943 et, bien que son intégrité artistique ait été considérée comme douteuse, il a été inclus dans la liste des artistes indispensables dite "Gottbegnadeten" en 1944. Il a formulé sa démarche artistique en ces termes : "Peu de couleurs, peu de pinceaux. Faites ressortir toutes les formes avec le pinceau plein, large et plat, ne dessinez pas les contours avec le pinceau, ce serait absolument faux. Chaque trait a quelque chose à exprimer, il ne faut jamais surpeindre. Cela demande de la concentration et une grande joie dans le processus". En fin de compte, c'est le même cercle de motifs paysagers qui a attiré Clarenbach tout au long de sa carrière artistique. "Faisant le pont entre tous les bouleversements artistiques et sociopolitiques de l'époque, l'œuvre picturale se révèle être l'expression continue d'une relation profondément ancrée avec la nature et d'un amour durable pour les paysages du Bas-Rhin." - Dietrich Clarenbach Clarenbach n'était pas imprévisible, mais, selon ses propres termes, "concentré" dans son art. Une œuvre comme un processus constant d'approfondissement. Grâce à sa concentration persistante, il a ouvert artistiquement le paysage encore et encore, créant des œuvres qui ne manquent jamais de captiver le spectateur. "Eh bien, à "l'écoute" correspond le "silence", et il nous semble que c'est le motif de base de toutes les peintures de Clarenbach". - Marie-Luise Baume Littérature utilisée Auss-Kat : Max Clarenbach, ein Repräsentant rheinischer Kunst, Schloß Kalkum, Landkreis Düsseldorf-Mettmann, 196. Clarenbach, Dietrich : "Wenn man Rheinländer und dazu noch 'Nüsser' ist, kann man, was man will...

Richard. Phene-Spiers (1838 - 1916) Tour Tom, Christ Church, Oxford Signé et inscrit et daté 1880 Aquarelle sur papier 37x25cm (14.5×9.8 in.) Spiers a reçu une formation d'ingénieur...

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