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René Magritte est né à Lessines, en 1898.
Les premières peintures à l'huile de Magritte, qui datent d'environ 1915, sont de style impressionniste. De 1916 à 1918, il étudie à l'Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles, sous la direction de Constant Montald, mais trouve l'enseignement peu inspirant. Les peintures à l'huile qu'il réalise entre 1918 et 1924 sont influencées par le futurisme et par la ramification du cubisme pratiquée par Metzinger. La plupart des œuvres de cette période sont des nus féminins.
En 1922, Magritte épouse Georgette Berger, qu'il a rencontrée enfant en 1913. De décembre 1920 à septembre 1921, Magritte sert dans l'infanterie belge dans la ville flamande de Beverlo, près de Townes. En 1922-1923, il travaille comme dessinateur dans une usine de papiers peints, puis comme concepteur d'affiches et de publicités jusqu'en 1926, date à laquelle un contrat avec la Galerie la Centaure à Bruxelles lui permet de peindre à plein temps. En 1926, Magritte réalise sa première peinture à l'huile surréaliste, Le jockey perdu, et organise sa première exposition à Bruxelles en 1927. Les critiques se sont déchaînées sur l'exposition. Déprimé par cet échec, il s'installe à Paris où il se lie d'amitié avec Andre Breton, et s'engage dans le groupe surréaliste.
Pendant l'occupation allemande de la Belgique lors de la Seconde Guerre mondiale, il est resté à Bruxelles, ce qui l'a conduit à rompre avec le breton. Il adopte brièvement un style coloré et pictural en 1943-44, un intermède connu sous le nom de "période Renoir", en réaction aux sentiments d'aliénation et d'abandon qui l'habitent dans la Belgique occupée par les Allemands. En 1946, renonçant à la violence et au pessimisme de ses œuvres antérieures, il signe avec plusieurs autres artistes belges le manifeste Le surréalisme en plein soleil. Pendant les années 1947-48 - la "période Vache" de Magritte - il peint dans un style fauve provocateur et cru. À cette époque, Magritte subvient à ses besoins en produisant de faux tableaux de Picasso, van Gogh, Manet et Paul Cézanne - un répertoire frauduleux qu'il étendra plus tard à l'impression de faux billets de banque pendant la période de vaches maigres de l'après-guerre. Cette entreprise a été entreprise avec son frère Paul Magritte et son confrère surréaliste et "fils de substitution" Marcel Marien, à qui était revenue la tâche de vendre les faux. Fin 1948, il revient au style et aux thèmes de son art surréaliste d'avant-guerre.
Magritte souhaitait cultiver une approche qui évitait les distractions stylistiques de la plupart des peintures modernes. Alors que les surréalistes français expérimentaient de nouvelles techniques, Magritte s'est fixé sur une technique d'illustration impassible qui articulait clairement le contenu de ses images. La répétition était une stratégie importante pour Magritte, non seulement parce qu'elle influençait sa façon de traiter les motifs dans les tableaux individuels, mais aussi parce qu'elle l'encourageait à produire de multiples copies de certaines de ses plus grandes œuvres. Son intérêt pour cette idée lui vient peut-être en partie de la psychanalyse freudienne, pour laquelle la répétition est un signe de traumatisme. Mais son travail dans l'art commercial a peut-être aussi joué un rôle en l'incitant à remettre en question la croyance moderniste conventionnelle en l'œuvre d'art unique et originale.
Pleins feux sur les Art Surrealist
Au lendemain de la Première Guerre mondiale qui a ravagé l'Europe, les artistes ont plongé dans l'inconscient pour faire face à cette réalité et s'y attaquer. Le poète et critique André Calle, l'un des chefs de file du mouvement surréaliste, auteur du Manifeste surréaliste de 1924 , a qualifié cette approche de "réaction violente contre l'appauvrissement et la stérilité des processus de pensée résultant de siècles de rationalisme". L'art surréaliste est apparu dans les années 1920 avec une imagerie onirique et inquiétante guidée par une variété de techniques telles que le dessin automatique, qui peut être assimilé à un flux de conscience, pour canaliser les expériences psychologiques.
Bien que le surréalisme ait été une approche révolutionnaire pour l'art européen, ses praticiens se sont inspirés de l'art indigène et du mysticisme ancien pour repenser la manière dont les sculptures, les peintures, les gravures, l'art de la performance et bien d'autres choses encore pouvaient répondre au monde troublé qui les entourait.
Les artistes surréalistes ont également été influencés par le mouvement DADA, né à Zurich en 1916, qui a embrassé l'absurdité au détriment de la logique qui avait propulsé la modernité dans la violence. Certains surréalistes en ont été les témoins directs, comme Max Ernst, qui a servi dans les tranchées pendant la Première Guerre mondiale, et Salvador Dalí, dont les peintures et d'autres œuvres d'un autre monde ont réagi à la guerre civile qui s'annonçait en Espagne.
Parmi les autres artistes clés associés au mouvement artistique et littéraire révolutionnaire, citons Man Ray, Joan Miró, René Magritte, Yves Tanguy, Frida Kahlo et Meret Oppenheim, tous ayant une perspective distincte sur la réimagination de la réalité et la libération de l'esprit inconscient des conventions et des restrictions de la pensée rationnelle. Pablo Picasso a présenté certaines de ses œuvres dans "La Peinture Surréaliste" - la première exposition collective de peinture surréaliste - qui s'est ouverte à la Galerie Pierre de Paris en novembre 1925. (Bien que Magritte soit surtout connu comme l'un des praticiens les plus talentueux du mouvement visuel surréaliste, son célèbre tableau de 1943, La cinquième saison, peut être interprété comme une rupture formelle avec le surréalisme).
Le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale a conduit de nombreux membres du mouvement à fuir l'Europe pour les Amériques, propageant ainsi le surréalisme à l'étranger. Des générations d'artistes modernes et contemporains ont ensuite été influencées par l'imagerie richement symbolique et étrange du surréalisme, de Joseph Cornell à Arshile Gorky.
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Décorer avec fine art prints - qu'il s'agisse de figurative prints, abstract prints ou d'une autre variété - a toujours été un moyen pratique de donner vie à un espace et de faire entrer dans votre maison les œuvres d'un artiste que vous aimez.
Poursuivie dans les années 1960 et 1970, en grande partie par les artistes Pop attirés par ses associations avec la production de masse, la publicité, l'emballage et la sérialité, ainsi que par ceux qui contestaient la primauté du coup de pinceau de l'expressionniste abstrait, la gravure a été adoptée dans les années 1980 par des peintres et des artistes conceptuels allant de David Salle et Elizabeth Murray à Adrian Piper et Sherrie Levine.
La gravure est le transfert d'une image d'une surface à une autre. Un artiste prend un matériau tel que la pierre, le métal, le bois ou la cire, le sculpte, l'incise, le dessine ou le marque d'une image, l'encre ou la peint, puis transfère l'image sur une feuille de papier ou un autre matériau.
Les tirages d'art sont souvent confondus avec leurs équivalents plus commerciaux. Après tout, notre lien le plus étroit avec l'image imprimée est constitué par les journaux, les magazines et les livres produits en masse, et beaucoup de gens ne se rendent pas compte que même si les estampes sont des éditions, elles partent d'une image originale créée par un artiste avec l'intention de la reproduire en petit nombre. Les tirages d'art sont créés en éditions strictement limitées - 20 ou 30 ou peut-être 50 - et sont toujours basés sur une image créée spécifiquement pour faire partie d'une édition.
Nombreux sont ceux qui pensent que Revere, l'artiste néerlandais REMBRANDT, est un peintre, mais ils ne savent peut-être pas qu'il était également graveur. Ses estampes ont été préservées dans le temps avec les œuvres d'autres artistes célèbres tels que Pablo Picasso, Salvador Dalí et Andy Warhol. Ces tirages d'art sont toujours très recherchés par les collectionneurs.
"C'est un autre outil dans la boîte à outils de l'artiste, au même titre que la peinture, la sculpture ou toute autre chose qu'un artiste utilise pour créer une marque ou s'exprimer", déclare Betsy Senior, vice-présidente de l'International Fine Print Dealers Association (IFPDA) et propriétaire de Betsy Senior Fine Art, Inc. à New York ( ).
Les éditions d'artistes étant généralement plus abordables et disponibles que ses œuvres uniques, elles sont plus accessibles et peuvent constituer une excellente occasion d'apporter une variété de couleurs, de textures et de formes dans un espace.
Pour les coins étroits, choisissez de petits tirages d'art plutôt qu'une œuvre audacieuse et surdimensionnée que vous accrocherez comme point focal dans la salle à manger. Mais attention à ne pas choisir quelque chose de trop grand pour votre espace. Et n'hésitez pas à vous pencher sur si nécessaire - toutes les œuvres n'ont pas besoin de crochets pour accrocher des tableaux. En adossant une grande œuvre d'art au mur, derrière une bibliothèque, vous pouvez ajouter une dynamique d'installation élégante à votre salon. (Pour en savoir plus sur la façon de disposer les œuvres d'art murales, cliquez ici.)
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