Peintures de Vance Kirkland

En tant qu'artiste et éducateur, Vance Kirkland a presque à lui seul apporté l'art moderne à Denver. À une époque où les goûts conservateurs dominaient, il est venu au Colorado et a travaillé d'une manière qui mettait l'accent sur le processus plus que sur le sujet. Plutôt que des paysages agréables, il a créé des peintures qui exprimaient les forces dynamiques de l'univers, avec des résultats souvent étranges et d'un autre monde. Par principe, il n'a jamais dérogé à sa conviction que les arts étaient des disciplines respectées et il a constamment fait pression pour que l'art moderne soit inclus dans les institutions publiques de Denver. Travaillant délibérément à l'écart des grands centres artistiques, les styles artistiques variés de Kirkland ont été déterminés par sa boussole, tout en étant reconnus au niveau national. Ayant grandi dans l'Ohio, Kirkland a commencé ses études d'art à la Cleveland School of Art, où il a obtenu un diplôme en peinture et une licence en éducation artistique. Ancienne conservatrice du Denver Art Museum, Diane Faile cite l'échec d'un cours d'aquarelle comme un indicateur de son futur développement stylistique et de sa confiance en lui à ses débuts. Lorsque le professeur a critiqué Kirkland pour des couleurs qui se combattaient, le jeune homme a écouté sa muse plutôt que de réussir le cours. Après avoir obtenu son diplôme, il se voit offrir un poste à Princeton, mais lorsque l'université découvre son jeune âge, elle retire son offre. Il a ensuite accepté une offre de l'université de Denver pour créer leur département d'art en 1929. Alors que la plupart des écoles mettaient l'offre artistique de côté, Kirkland a développé le programme en combinant l'enseignement et l'art. Il a également obtenu des responsables qu'ils acceptent le dessin de nu. Cependant, une rupture est intervenue lorsqu'il s'est opposé au recteur au sujet de la reconnaissance des diplômes. La création ultérieure de son école d'art Kirkland est devenue un phare culturel dans la capitale des Rocheuses. De 1927 à 1944, il travaille dans un style qu'il qualifie de "Design/One Nature", dans lequel les formes naturelles sont fortement stylisées dans des formes rythmiques. Travaillant exclusivement à l'aquarelle, il a développé une méthode individuelle d'application de points sur une surface de couleur saturée. À la fin des années 30, les peintures de Kirkland deviennent plus grandes et plus énergiques. Lors de ses randonnées en montagne, l'artiste a été inspiré par les formes inhabituelles des plantes d'altitude et des arbres rabougris et courbés par les vents violents. Prenant son matériel de peinture, il a dû ajouter de l'antigel à ses peintures pour travailler dans ces conditions exigeantes. S'éloignant de sa perspective habituelle, Kirkland crée des compositions d'espaces ouverts et d'éléments linéaires sauvages, qu'il libère de plus en plus de toute représentation spécifique. Dans son imaginaire fantastique, il avait des affinités avec le surréalisme, même s'il ne s'intéressait pas à leurs recherches freudiennes. Kirkland a attiré l'attention au niveau national en participant à des expositions telles que "Abstract and Surrealist American Art" à l'Art Institute of Chicago et "Reality and Fantasy" au Walker Art Center. En 1946, Ernst and Company à New York l'invite à devenir l'un de ses artistes, ce qui lui vaut des expositions personnelles et des expositions de groupe avec des artistes comme Max Ernst. À partir des années 1940, il est également devenu plus actif au sein du Denver Art Museum, où il a occupé diverses fonctions honorifiques et officielles. En tant que membre du conseil d'administration et commissaire d'exposition, il a fait pression sans relâche pour que l'art et les artistes contemporains soient reconnus. Parallèlement, son prestige s'accroît lorsque l'université de Denver l'invite à revenir, cette fois en tant que directeur de l'école d'art, professeur de peinture et président du département des arts et des sciences humaines. En 1941, il a épousé Anne Fox Oliphant Olson, une bibliothécaire, et leur maison était un centre de la vie culturelle de Denver avec des salons du soir et des spectacles musicaux. Sa première peinture non objective, Red Abstraction (1951), marque sa rupture avec son art antérieur. Avec le recul, Kirkland déclare : "Il fallait trouver un moyen de créer quelque chose et je me suis intéressé à l'abstraction." Décidant de renoncer à l'aquarelle, il expérimente avec la peinture et les matériaux, en particulier avec des façons inventives de les mélanger. Il a toujours été intrigué par la qualité de la résistance, et maintenant il utilise la combinaison de l'huile et de l'eau pour provoquer des effets inattendus. La surface de ses toiles devient presque une peau qui respire. Engagé dans sa nouvelle direction, Kirkland n'a pas bronché lorsque Knoedler's l'a laissé tomber pour avoir abandonné son style à succès commercial. Prenant de la hauteur, Calle se met à peindre de grandes toiles suggérant des phénomènes cosmiques, dont certains qu'il nomme "nébuleuses". Bien que les années 50 aient vu naître l'exploration spatiale, l'artiste a délibérément évité toute étude astronomique, préférant peindre le mystère au-delà de ses connaissances. Lorsqu'il a vu des photographies antérieures à Hubbly qui se ressemblaient étonnamment, il a décidé d'arrêter. Vers la fin de sa carrière, il revient à sa pratique antérieure qui consistait à superposer des points sur la surface. Les œuvres qui apparaissent pour la première fois en 1963 sont des abstractions géométriques qui partagent certaines des qualités de l'Op Art contemporain. Ces dernières peintures ont été réalisées avec beaucoup de soin. Travailleur infatigable, il a poursuivi son art même après qu'une hépatite eut rendu la peinture plus difficile et physiquement atroce, imaginant un système qui le suspendait au-dessus de ses toiles.