Photographies noir et blanc - Années 1970

Planification familiale Par Arthur Steele Taille du papier : 34 x 26" / 86 x 66 cm Tirage à la gélatine argentique 1975 (imprimé ultérieurement) non encadré signé à la main édit...

"Abramson est beaucoup plus proche de l'enregistrement du son de ces clubs que ce que nous serions en droit d'attendre d'un photographe." - Nick Hornby (Londres, 2009), Light On the ...

"Forêt au pied des terrils", Walbrzych, Silésie, Pologne, 1978 Épreuve à la gélatine d'argent, signée et datée au crayon au verso Imprimé en 2008 par le photographe, tirage en chamb...

Chris Smith (né en 1937) Flotter comme un papillon 1971 tirage à la gélatine argentique sur fibre 20 x 30 pouces. / 34.5 x 48 in. / 46 x 66 in. signé et numéroté imprimé plus tard C...

Chris Smith (né en 1937) Flotter comme un papillon 1971 tirage à la gélatine argentique sur fibre 20 x 30 pouces. / 34.5 x 48 in. / 46 x 66 in. signé et numéroté imprimé ultérieureme...

La Défense, Paris, France, 1972 - Henri Cartier-Bresson (Noir et blanc) Signé et tamponné avec le tampon aveugle du photographe Tirage à la gélatine argentique, imprimé dans les anné...

Ce travail est unique. L'œuvre est accompagnée d'un certificat de provenance. Estampillé au verso par la succession de l'artiste et la Fondation Andy Warhol pour les arts visuels. Le...

Course de serveurs de Soho, 1955 L'ancien mannequin Helen Dzo Kaptur (en dentelle blanche), Nelda Linsk (en jaune), épouse du marchand d'art Joseph Linsk, et l'actrice Lita Baron (e...

Il s'agit d'une œuvre unique. Estampillé au verso par The Estate of Andy Warhol et The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. Annoté avec le numéro d'inventaire de la Fondation....

Farrah Fawcett était une actrice et mannequin américaine, surtout connue pour son rôle dans Charlie's Angels et sa coiffure à plumes emblématique, qui est devenue une mode dans les a...

Illustré dans The Andy Warhol Diaries par Andy Warhol. Édité par Pat Hackett, Warner Books, 1991. Roy Halston Frowick, connu sous le nom de Halston, était un créateur de mode dont ...

Il s'agit d'une œuvre unique. Estampillé au verso par The Andy Warhol Authentication Board, Inc. Le numéro de la Fondation Andy Warhol pour les arts visuels figure également au vers...

Il s'agit d'une œuvre unique. Estampillé au verso par The Estate of Andy Warhol et The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. Annoté du numéro d'inventaire de la Fondation et pa...

Dimensions de l'image : 8 x 10 pouces. Dimensions encadrées : 16.5 x 18 in. Les œuvres sont encadrées selon des normes d'archivage par Handmade Frames de Brooklyn, New York. Il s'ag...

Dimensions de l'image : 5 x 8 pouces. Dimensions encadrées : 12.125 x 16.25 in. Publié dans Contact Warhol : Photography Without End. Estampillé deux fois au verso par The Estate of ...

Policewoman Playing Tag, New York City, 1978 par Leonard Freed, est une photographie à la gélatine argentique de 16" x 20" issue de la série et du livre Police Work du photographe. L...

"Aspens, Northern New Mexico" est une photographie du célèbre photographe Ansel Adams. La photographie est signée au crayon, en bas à droite, "Ansel Adams". La pièce encadrée mesure ...

Pete Townshend des Who Madison Square Garden New York 1979 Grande édition limitée Oversize (ed size 15 seulement cette taille) et signée tirage à la gélatine argentique. format du papier 40x30" inches / 101 x 76 cm Certificat d'authenticité fourni. A propos de Michael Putland, le photographe : Né en 1947, Michael a grandi à Harrow, où il a pris ses premières photos à l'âge de neuf ans, avant de quitter l'école à seize ans pour travailler comme assistant de divers photographes, dont le photographe de Time-Life, Walter Curtain, et le légendaire photographe de courses automobiles, Louis Klemantaski. En 1969, il crée son propre studio et en 1971, il est le photographe officiel du magazine musical britannique Disc & Music Echo. Sa première mission pour eux cette année-là a été de photographier Mick Jagger à Londres. Du travail éditorial pour Disc et Music Echo, Sounds et plus tard Smash Hits et Q magazine parmi d'autres, à la tournée de 1973 avec les Rolling Stones qui a conduit à une relation de longue durée avec le groupe, Michael a tourné de façon prodigieuse, notamment pour de grandes maisons de disques comme CBS, Warner, Elektra, Polydor, Columbia Records et EMI. Il s'est installé à New York en 1977, où il a fondé l'agence photo Retna. On a dit que Michael avait photographié tout le monde, d'Abba à Zappa... En regardant ses archives, on se rend compte que c'est vrai. Il vit maintenant dans le Sussex de l'Est et a récemment exposé en 2016, notamment à la Lucy Bell Gallery de Hastings, dans le cadre de l'exposition "Off The Record", qui présente des images sur scène et hors scène, y compris des planches contact inédites, tandis que l'Ono Arte de Bologne, en Italie, accueille une exposition sur David Bowie. L'automne 2014 a vu la rétrospective des 50 ans de Michael à la Getty Gallery de Londres : " A life in Music, 50 Years On The Road ". La galerie Snap, située dans le quartier londonien de Piccadilly Arcade, présente régulièrement une sélection d'œuvres de Michael. Michael continue de photographier les artistes qu'il admire le plus - probablement des musiciens de jazz, de musique classique et de musique du monde, qui ont toujours fourni un récit alternatif à son portefeuille de musique rock. "Ce fut un voyage fantastique à travers une période incroyable de l'histoire de la musique, qui a combiné mes deux grandes passions... la musique et la photographie. J'étais loin de me douter, lorsque mon oncle Alan m'a encouragé à faire de la photographie dans les années 1950, que cela m'amènerait à photographier presque tous mes héros... et je suis ravi d'en découvrir encore de nouveaux. Un grand voyage sans fin." Michael Putland A propos de The Who : Peu de groupes de rock & roll ont été criblés d'autant de contradictions que les Who. Les quatre membres ont des personnalités très différentes, comme le prouvent leurs célèbres prestations scéniques : Keith Moon tombait sur sa batterie tandis que Pete Townshend sautait en l'air avec sa guitare, faisant tourner sa main droite en moulinets exagérés. Le chanteur Roger Daltrey rôde sur la scène tandis que le bassiste John Entwistle reste silencieux, l'œil du cyclone. Ils se sont souvent affrontés, mais ces frictions ont donné lieu à une décennie de musique remarquable. Bien qu'ils aient mis du temps à trouver leur public, à la fin des années 60, les Who rivalisent avec les Rolling Stones en termes de concerts et de ventes d'albums. Tommy Figures emblématiques de la British Invasion et du mouvement mod des années 60, les Who étaient une force sonore indéniablement puissante. Ils ont fait exploser les structures conventionnelles du rock et du R&B avec les accords de guitare furieux de Townshend, les lignes de basse hyperactives d'Entwistle et le jeu de batterie vigoureux et apparemment chaotique de Moon. Contrairement à la plupart des groupes de rock, les Who fondent leur rythme sur la guitare de Townshend, laissant Moon et Entwistle improviser sauvagement sur sa base, tandis que Daltrey fait entendre sa voix. Les Who prospèrent sur ce son en concert, mais sur disque, c'est une autre histoire : Townshend a poussé le groupe vers de nouveaux territoires sonores, incorporant le pop art et des pièces musicales conceptuelles étendues dans le style du groupe. Il est considéré comme l'un des meilleurs auteurs-compositeurs britanniques de l'époque, des chansons comme "The Kids Are Alright" et "My Generation" étant devenues des hymnes pour les adolescents, tandis que son opéra rock Tommy a gagné le respect des critiques musicaux grand public. Cependant, le reste des Who, en particulier Entwistle et Daltrey, n'étaient pas toujours désireux de suivre ses explorations musicales. Ils voulaient jouer du hard rock au lieu des suites de chansons texturées de Townshend et des chansons pop vulnérables. Les Who se sont installés dans leur rôle de rockers de scène au milieu des années 70, continuant sur cette voie après la mort de Moon en 1978 et la poursuivant à travers diverses dissolutions et réunions dans les années 80 et 90. Néanmoins, à leur apogée, les Who étaient l'un des groupes les plus innovants et les plus puissants du rock. Townshend et Entwistle se sont rencontrés alors qu'ils fréquentaient le lycée dans le quartier de Shepherd's Bush à Londres. Au début de leur adolescence, ils ont joué dans un groupe de Dixieland, avec Entwistle à la trompette et Townshend au banjo. Au début des années 60, le duo avait formé un groupe de rock & roll, mais en 1962, Entwistle a rejoint les Detours, un groupe à l'esprit dur avec un ouvrier tôlier nommé Roger Daltrey à la guitare principale. À la fin de l'année, Townshend se joint au groupe en tant que guitariste rythmique, et en 1963, Daltrey devient le chanteur principal du groupe après le départ de Colin Dawson. Le son du groupe évolue rapidement, influencé non seulement par des groupes américains tels que James Brown, Booker T. & the MG's et Eddie Cochran, mais aussi par un groupe britannique classique, Johnny Kidd & the Pirates, qui a bouleversé les hit-parades britanniques avec une chanson originale intitulée "Shakin' All Over" (que Townshend et compagnie ont ajoutée à leur liste de chansons). Ils ont bâti leur réputation sur des interprétations féroces de R&B à l'américaine, qui s'appuyaient sur une approche allégée guitare/basse/batterie, le guitariste jouant le lead et le rythme, une rareté en Angleterre à l'époque. Townshend, réalisant que cette approche lui convient, devient le seul guitariste du groupe. Un changement de nom s'ensuit également ; avec les Beatles qui brûlent les hit-parades, ils ont besoin de quelque chose de plus frappant que les Detours. Daltrey et Townshend se sont mis d'accord sur le nom Who, qui a semé la confusion dans les conversations au début, mais qui est resté mémorable sur les affiches. Au milieu de ces changements, le batteur original Doug Sandom - qui était marié et considérablement plus âgé que les autres - s'est séparé du groupe au moment où ils étaient sur le point de tenter d'enregistrer un disque. Le groupe le remplace par Keith Moon, qui était auparavant le batteur du groupe de surf-rock The Beachcombers. Alors que le groupe se bat pour obtenir une pause, Townshend fréquente une école d'art, tandis que les trois autres font des petits boulots. Le groupe devient un habitué du Marquee Club de Londres et attire un petit public, ce qui suscite l'intérêt du manager Pete Meaden. Sous sa direction, les Who sont rebaptisés les High Numbers et s'habillent en costumes pointus pour plaire aux mods obsédés par le style et le R&B. De nombreux groupes orientés R&B ont essayé de cultiver des relations avec les mods, qui pouvaient remplir les clubs et contribuer à propulser un disque dans les hit-parades. Parmi ceux qui ont le mieux réussi, outre les Who, figurent les Small Faces ("face" faisant partie de l'argot mod) et les Move. Les High Numbers ont sorti un single, "I'm the Face". Après son échec, le groupe a commencé à travailler avec Kit Lambert et Chris Stamp, deux jeunes entrepreneurs du secteur de la musique. Lambert était le fils du compositeur et arrangeur Constant Lambert ; Stamp était le frère de l'acteur Terence Stamp, et tous deux voulaient laisser leur empreinte sur la scène musicale anglaise en pleine effervescence. Lambert a repéré le groupe qui jouait au Railway Hotel dans le sillage de "I'm the Face" et a fait appel à Stamp. Lambert et Stamp les ont encouragés à embrasser le mouvement mod, les conseillant sur ce qu'ils devaient jouer et porter, notamment le T-shirt cible qui est devenu une signature visuelle. Le groupe reprend le nom des Who et commence à jouer un set entièrement composé de soul, de R&B et de Motown - ou, comme le disent leurs affiches, "Maximum R&B". Pendant cette période, Townshend a cassé sa première guitare lors d'un concert au Railway Hotel - par accident. En raison d'une extension temporaire de la scène construite par le groupe, il a heurté le plafond avec sa guitare ; frustré par les dégâts et la réaction de la foule, il l'a frappée jusqu'à ce qu'elle soit en morceaux ; il n'a pu terminer le spectacle qu'en utilisant une Rickenbacker à 12 cordes récemment acquise. La semaine suivante, il a découvert que des gens étaient venus le voir casser sa guitare. Il finit par s'y plier avec les encouragements de Keith Moon, qui s'attaque à sa batterie. Dans un premier temps, Lambert et Stamp sont consternés, mais Townshend démolit rapidement une autre guitare dans le cadre de la campagne publicitaire de Lambert (et cela fonctionne, même si le journaliste pour lequel il a commis cette destruction ne l'a jamais vue). À l'époque, il n'écrasait pas les guitares à chaque concert ; ce qu'il faisait pour générer des réactions suffisait dans l'esprit de la plupart des spectateurs. Cela a amélioré leur statut auprès des mods : à la fin de 1964, ils ont développé un public enthousiaste - les mods aiment la destruction dans le cadre d'un acte. À la fin de l'année 1964, Townshend présente au groupe une chanson originale intitulée "I Can't Explain", qui doit un peu à "You Really Got Me" des Kinks, mais qui a beaucoup d'angles nouveaux. Les paroles de Townshend donnent une impression vivante d'angoisse adolescente, parfaite pour la voix puissante de Daltrey et l'attaque en force du groupe. Le résultat est tout aussi percutant, sensible et macho, avec une guitare principale méchante et même quelques harmonies. Le groupe et ses managers ont pensé qu'il s'agissait d'un excellent premier single potentiel pour les Who nouvellement rebaptisés. Tout comme le producteur Shel Talmy, un Américain basé en Angleterre qui produisait les disques des Kinks (dont "You Really Got Me"). Talmy a obtenu pour le groupe un contrat avec le label américain Decca Records grâce à "I Can't Explain" et l'a fait suivre d'un contrat avec le label anglais Decca (les deux sociétés étaient divisées en entités distinctes à l'époque). Bien que le single produit par Talmy soit arrivé sans grande attention en janvier 1965. Après la performance incendiaire du groupe lors de l'émission télévisée Ready, Steady, Go -- où l'on voit Townshend et Moon détruire leurs instruments -- "I Can't Explain" atteint le Top Ten britannique. Leur single suivant, "Anyway, Anyhow, Anywhere", sorti cet été-là, déclarait au monde entier la philosophie mod : "Je peux aller n'importe où (où je veux)". Bien qu'elle ne soit pas très éloignée de la mentalité des premiers hymnes rock & roll, les Who l'ont fait sonner de manière résolument anglaise. Cet automne-là, "My Generation" s'est hissé à la deuxième place du hit-parade, confirmant leur statut de phénomène pop britannique. Un album du même nom est paru à la fin de l'année, comprenant diverses reprises R&B et quelques originaux intéressants (principalement de Townshend) sur le label britannique Brunswick. Au début de 1966, "Substitute" devient leur quatrième tube britannique dans le Top Ten. Produit par Kit Lambert, ce single marque la séparation acrimonieuse du groupe avec Talmy et la fin du contrat d'enregistrement britannique Decca/Brunswick. Lambert et Stamp ont également essayé d'annuler l'accord avec American Decca, mais cela s'est avéré impossible. À partir de "Substitute", le groupe est signé chez Polydor en Angleterre, et sort sur Reaction. Pendant un certain temps, il y a eu des sorties concurrentes sur Brunswick et Reaction, mais la concurrence a finalement été réglée en faveur de Lambert et Stamp (et du groupe). "I'm a Boy", publié à l'été 1966, est le premier single des Who qui n'a pas de concurrent chez Brunswick, et il montre à quel point le groupe et Townshend ont progressé en 18 mois. Au cours de cette période, Lambert a initié Townshend à un large éventail de musique classique qui a élargi sa façon de penser la composition, les chansons et les sujets : "I'm a Boy", sur un adolescent forcé de s'habiller et d'agir comme une fille par sa mère dominatrice, comportait une quantité étonnante d'exposition, mais laissait beaucoup de place à l'attaque furieuse du groupe. À leur manière, les Who ont eu un effet aussi profond sur le rock & roll que les Beatles ou les Rolling Stones : ils ont généré des singles anglais immensément populaires qui ont redéfini le contenu acceptable et les limites de la musique pop/rock et qui étaient également certaines des chansons les plus dures - mais aussi les plus mélodiques et complexes - de l'époque. La situation aux États-Unis était très différente. "I Can't Explain" a à peine fait parler de lui, et "Anyway, Anyhow, Anywhere" n'a guère fait mieux, malgré la publicité faite dans le showcase rock & roll de la chaîne ABC, Shindig. Même avec Decca qui a soutenu "My Generation" pour une importante campagne de marketing, il n'a atteint que le numéro 74, une ombre de ce qu'il a fait en Angleterre. Le succès britannique, c'est bien, mais ce n'est pas suffisant. La routine de destruction d'instruments et les effets qui l'accompagnent (impliquant souvent des explosions de poudre et des dommages à la batterie de Moon, ainsi qu'aux guitares de Townshend) sont terriblement coûteux, et le groupe a une dette permanente qui fait grimper les dépenses au plafond. La ruine financière n'était jamais loin des pensées de leur direction, malgré le fait que Lambert et Stamp avaient maintenant leur propre label Polydor, Track Records - qui avait une nouvelle signature à la fin de 1966, un guitariste/chanteur américain transplanté nommé Jimi Hendrix. Une percée des Who en Amérique, ou sur le marché de l'album de façon majeure, était essentielle. A Quick One Pour le deuxième album des Who, Lambert, Stamp, et le groupe avaient un agenda plus ambitieux. Le succès de Townshend dans l'écriture de singles a inspiré les managers des Who, et il a été décidé que cette fois, chaque membre du groupe contribuerait aux chansons pour générer plus de revenus. Bien que cela signifie que A Quick One était inégal, la présence de Lambert a permis à Townshend d'écrire le morceau titre comme un mini-opéra de dix minutes. dans "A Quick One While He's Away", Townshend écrit (et les Who chantent et jouent) dans des idiomes qui vont bien au-delà du rock & roll, notamment le faux western et la fausse opérette. Le fait que Daltrey et Entwistle, deux rockeurs convaincus, aient mis tout leur talent au service de la musique, et la réussite de la narration prolongée du morceau, ont montré à Townshend et à sa compagnie que cette idée avait du potentiel. A Quick One a également fourni une toile pour l'écriture de chansons florissantes d'Entwistle : Son humour macabre transparaît dans l'entraînante "Boris the Spider" et dans "Whisky Man", cette dernière montrant ses talents de corniste. La chanson " Cobwebs and Strange " de Moon était également un moment d'humour léger, et même Daltrey - dont les aspirations en matière d'écriture de chansons n'ont jamais retenu l'attention - a contribué à " See My Way ". A Quick One présentait une diversité de sons et de voix créatives, bien que les Who aient été relativement peu reconnus pour cela à l'époque. Lors de sa sortie en 1966, A Quick One est devenu un autre succès britannique, et a également permis une petite percée américaine. Réintitulé Happy Jack, son titre atteint le Top 40 au début de 1967. Pour ce faire, les Who ont joué aux États-Unis dans le cadre d'une tournée organisée par le DJ devenu imprésario Murray the K. Aux côtés de Cream, des folkloristes Jim & Jean et de Wilson Pickett, ils ont joué de courts morceaux cinq fois par jour, ce qui leur a permis de rencontrer un public plus large, même si les harmonies vocales et les guitares relativement sobres de "Happy Jack" en faisaient une chanson atypique des Who. Leur prochaine étape majeure aux États-Unis est de jouer au Fillmore à San Francisco. Pour cette occasion, ils ont eu un problème inverse à celui des représentations de Murray the K : ces dernières avaient été trop légères, de 15 à 20 minutes, mais leurs sets habituels de 40 minutes étaient trop courts pour le Fillmore. Dans le livre Maximum R&B de Richard Barnes, il est rappelé que pour allonger leur set, ils ont appris l'intégralité du mini-opéra et le reste de A Quick One, qu'ils n'avaient pas joué en concert. Après le concert du Fillmore en juin 1967, ils ont joué leur spectacle américain le plus important, le Monterey International Pop Festival, qui les a mis dans un duel avec leur compagnon de label Jimi Hendrix pour voir qui pourrait terminer son set de façon plus outrageuse. Hendrix l'emporte avec sa performance incendiaire, mais les Who s'en sortent admirablement avec une destruction dramatique de leurs instruments. Revenir à leur ancien numéro de scène était particulièrement gênant, car ils venaient de terminer un album et un single qui représentaient une nouvelle phase. The Who Sell Out Construit comme une fausse émission de radio pirate, The Who Sell Out est un album conceptuel et un hommage affectueux aux stations de radio pirate d'Angleterre, qui ont été fermées par le gouvernement. Le groupe a mis tout ce qu'il avait dans l'album afin de consolider sa position en Angleterre et de pénétrer enfin le marché américain, y compris le classique "I Can See for Miles". Une explosion d'excitation et de tension contrôlée, cela semblait être un succès certain. La performance de Daltrey était la meilleure de sa carrière à ce jour, égalée par la guitare tranchante de Townshend, la batterie frénétique de Moon et la basse ancrée d'Entwistle. Il a fallu beaucoup de travail dans trois studios différents - dont le Gold Star de Los Angeles - sur deux continents et deux côtes pour obtenir ce son ; en conséquence, il était si difficile à interpréter qu'il est devenu le seul tube qu'ils ont renoncé à jouer en concert. Il est devenu leur premier tube du Top 10 en Amérique et a atteint la deuxième place en Angleterre, mais ce n'était pas suffisant pour répondre aux besoins du groupe ou de sa direction. Direct Hits Le groupe a passé une grande partie de l'année 1968 à voir les singles "Call Me Lightning", "Magic Bus" et "Dogs" -- inspiré par l'intérêt de Townshend pour les courses de chiens -- ne pas répondre aux attentes. Track Records, à court d'argent même avec les ventes florissantes d'Hendrix, a assemblé Direct Hits, qui a compilé les singles récents du groupe (sans les faces Brunswick produites par Shel Talmy). Aux États-Unis, Decca Records - qui n'avait que deux véritables "hits" du groupe à sa disposition, en plus de "Magic Bus" (qui a connu un succès inattendu de ce côté de l'Atlantique) - a sorti Magic Bus, un album de compilation méconnu construit autour du hit et tiré des singles britanniques, des EP et des titres d'albums récents. Il a été sous-titré de manière trompeuse "The Who on Tour", et c'est en grande partie ce qu'ils ont fait en 1968, surtout aux États-Unis, mais pas de la manière dont ils l'avaient fait en 1967 ; cette fois, ils jouaient dans des endroits comme le Fillmore East, où ils ont enregistré un spectacle pour un éventuel album live. Ce plan a échoué lorsque le spectacle n'était pas assez bon pour représenter le groupe, et a été abandonné complètement avec les vastes changements dans leur songbook en 1969. Tout en faisant leur première percée sérieuse à long terme aux États-Unis, le groupe - surtout Townshend, en collaboration avec Lambert sur le premier livret - conçoit et enregistre une œuvre de grande envergure. Tommy est arrivé en mai 1969, plus d'un an et demi après le Sell Out des Who. Cependant, il n'était pas encore terminé : le groupe voulait ajouter plus d'instruments sur certaines chansons, et Entwistle était particulièrement contrarié par le son de la basse sur l'enregistrement publié. Mais ils étaient à court d'argent et d'options, alors Tommy a été publié comme un travail en cours. Et pour la première fois, les étoiles s'alignent en faveur des Who, surtout aux États-Unis. La presse rock sérieuse considère l'album comme un chef-d'œuvre, tandis que la presse grand public commence à prendre la musique rock au sérieux. Les Who étaient suffisamment nouveaux et frais, et Tommy suffisamment ambitieux, pour que cet album devienne l'un des albums les plus commentés de l'histoire. Tommy s'est hissé dans le Top 10 américain alors que le groupe soutenait l'album par une vaste tournée où il jouait l'intégralité de l'opéra. A certains égards, Tommy a eu trop de succès. Le public s'attend à ce qu'elle soit jouée dans son intégralité à chaque concert, et soudain, les Who jouent régulièrement pendant deux heures d'affilée. L'œuvre a rapidement éclipsé les Who ; elle a été jouée comme une pièce de théâtre, refaite comme une extravagance orchestrée par toutes les stars (avec Daltrey et la guitare de Townshend), et a finalement été filmée par Ken Russell en 1975 (le film mettait en vedette Daltrey). En 1993, Townshend en a fait une comédie musicale à Broadway avec le réalisateur Des McAnuff. Live at Leeds Alors que Tommy a occupé le groupe en tournée pendant près de deux ans, la suite à lui donner a laissé Townshend perplexe. Alors qu'il travaille sur de nouveaux morceaux, le groupe sort Live at Leeds en 1970 (qui donne le tube "Summertime Blues"), ainsi que le single "The Seeker", ce qui leur donne un peu de répit. Il a finalement opté pour Lifehouse, un opéra rock de science-fiction fortement influencé par les enseignements de son gourou, Meher Baba, qui a poussé le groupe vers de nouveaux territoires sonores grâce à l'électronique et aux synthétiseurs. Le reste des Who n'a pas été particulièrement enthousiasmé par Lifehouse, prétendant ne pas en comprendre l'intrigue, et leur réticence a contribué à la dépression nerveuse de Townshend. Une fois rétabli, le groupe reprend les morceaux du projet abandonné et enregistre Who's Next avec le producteur Glyn Johns. Doté d'un son plus dur, Who's Next a été un succès majeur, et nombre de ses titres - dont "Baba O'Riley", "Bargain", "Behind Blue Eyes" et "Won't Get Fooled Again" (qui ont tous deux été publiés en tant que singles), ainsi que "My Wife" d'Entwistle - sont devenus des pierres angulaires de la radio FM des années 70, axée sur les albums. La tournée Who's Next a permis au groupe de s'imposer comme l'une des deux meilleures attractions rock live au monde, avec les Rolling Stones. Soudain, leur histoire intéresse des millions de fans ; Meaty Beaty Big and Bouncy, une rétrospective de 14 chansons de leurs singles, se vend également en masse. Le succès de QuadropheniaWho's Next incite Townshend à tenter un autre opéra. Avec Quadrophenia, il abandonne la fantaisie pour esquisser le portrait d'un mod des années 60. Il cesse de travailler avec Kit Lambert, qui a perdu son influence sur le groupe dans le sillage de Tommy ; le groupe quitte également le management de Lambert et de Stamp. Alors que Townshend écrivait l'album en 1972, il publiait Who Came First, une collection d'enregistrements privés et de démos qu'il avait réalisés pour Meher Baba. Entwistle commence sa propre carrière solo avec Smash Your Head Against the Wall, qu'il suit avec Whistle Rhymes, sorti le même jour que l'album de Townshend. Quadrophenia, un double album, s'est très bien vendu, mais il s'est avéré être une pièce de concert difficile. Il était difficile de le jouer en concert, et peu de personnes en dehors de l'Angleterre connaissaient son sujet modéré. Il est vite apparu que le public n'avait pas eu le temps de se familiariser avec l'œuvre, ce qui a entraîné un accueil mitigé en tournée. Après quelques retouches, le groupe présente une version abrégée de Quadrophenia avec un certain succès. Two Sides of the Moon Les Who ont commencé à se fragmenter après la sortie de Quadrophenia. En public, Townshend s'inquiète de son rôle de porte-parole du rock ; en privé, il sombre dans l'alcoolisme. Entwistle se concentre sur sa carrière solo, y compris des enregistrements avec ses projets annexes Ox et Rigor Mortis. Pendant ce temps, Daltrey s'approche de l'apogée de ses pouvoirs : il est devenu un chanteur vraiment génial et est étonnamment à l'aise en tant qu'acteur alors qu'il mène alternativement une carrière cinématographique et des albums solo. Moon continue de faire la fête, célébrant sa toxicomanie et publiant l'album solo Two Sides of the Moon. Pendant ce hiatus, le groupe a publié la collection de raretés Odds & Sods (1974), qui a surpassé les collections de bootlegs existantes et s'est classé comme une nouvelle sortie. Pendant ce temps, Townshend travaille sur de nouvelles chansons, ce qui donne lieu à l'album The Who by Numbers de 1975, à la personnalité désarmante. L'album est un succès, bien que sa place en huitième position aux États-Unis reflète l'enthousiasme légèrement décroissant des auditeurs (Quadrophenia, bien qu'il s'agisse d'un double LP assez cher construit autour d'un sujet quelque peu excentrique, a atteint la deuxième place des deux côtés de l'Atlantique). Après la tournée Who by Numbers, le groupe a fait une pause prolongée. Who Are You À la fin des années 70, le groupe a commencé à succomber à l'âge et au style de vie rock & roll. Après des années à jouer sur scène, Townshend a endommagé son audition de façon permanente. Lors de leur tournée de 1976, Moon s'est effondré sur scène quelques minutes après le début d'un concert au Boston Garden - il s'est rétabli et a semblé rire de l'incident, tandis qu'un membre du public s'est assis derrière la batterie pour permettre au groupe de finir de jouer. Il continue à faire la fête et propose même un successeur possible, l'ex-batteur de Small Faces/Faces, Kenney Jones. Les Who se réunissent à nouveau au début de l'année 1978 pour enregistrer Who Are You, qui sort en août de la même année, accompagné d'une superbe vidéo promotionnelle/de performance de la chanson titre. Au lieu de répondre au mouvement punk insurgé, qui qualifie les Who de has been, l'album représente le flirt le plus lourd du groupe avec le prog rock depuis Quadrophenia. Il a été un énorme succès, atteignant la deuxième place dans les charts américains et obtenant une vente de platine. Mais au lieu d'être un retour triomphal, Who Are You devient le symbole d'une tragédie : le 7 septembre 1978, Moon meurt d'une overdose. Comme il faisait partie intégrante du son et de l'image des Who, le groupe a débattu de la possibilité de continuer. Bien qu'ils aient continué, les trois membres survivants ont déclaré plus tard qu'ils pensaient que les Who s'étaient arrêtés avec la mort de Moon. Ils suivent la suggestion de Moon et engagent le batteur des Small Faces, Kenney Jones, pour le remplacer, ainsi que le claviériste John "Rabbit" Bundrick, et commencent à travailler sur de nouveaux morceaux en 1979. Avant de sortir un nouveau disque, ils ont sorti le documentaire live The Kids Are Alright et ont contribué à la musique de l'adaptation cinématographique de Franc Roddam de Quadrophenia, avec Phil Daniels. Les Who ont commencé une tournée plus tard cette année-là, mais l'élan de la tournée a été détruit lorsque 11 personnes présentes au concert du groupe du 3 décembre 1979 au Riverfront Coliseum de Cincinnati ont été piétinées à mort dans une ruée vers les places de choix du festival. Le groupe n'a été informé de l'incident qu'après le concert, et la tragédie a sapé toute bonne volonté. Face Dances Après le concert de Cincinnati, les Who se sont lentement effondrés. Townshend devient dépendant de la cocaïne, de l'héroïne, des tranquillisants et de l'alcool, et fait une overdose presque fatale en 1981. Pendant ce temps, Entwistle et Daltrey ont poursuivi leurs carrières en solo. Le groupe se réunit à nouveau en 1981 pour enregistrer son premier album depuis la mort de Moon, Face Dances, un succès qui reçoit des critiques mitigées. L'année suivante, ils ont sorti It's Hard et se sont embarqués dans une tournée de soutien annoncée comme leur adieu aux fans, avec le live Who's Last qui est arrivé en 1984 en commémoration de la tournée. Join Together La tournée d'adieu n'était pas le dernier adieu des Who. Alors que les carrières solo d'Entwistle et de Daltrey perdent de leur élan dans les années 80, Townshend continue d'enregistrer avec un succès relatif. Cependant, le Qui le hantait encore. Le groupe s'est reformé pour jouer au Live Aid en 1985, et trois ans plus tard, il a participé à un programme de récompenses musicales britanniques. En 1989, Townshend accepte de se réunir (moins Jones, qui est remplacé par le batteur de session Simon Phillips) pour une tournée américaine à l'occasion du 25e anniversaire, qui est perçue comme un moyen de faire beaucoup d'argent - ce dont Daltrey et surtout Entwistle ont besoin. Ils l'ont suivi d'un album live, Join Together. Les Who se sont retrouvés en 1994 pour deux concerts célébrant le 50e anniversaire de Daltrey, un succès commercial qui a aidé Townshend dans ses efforts pour porter Tommy sur la scène de Broadway. Il est devenu un énorme succès et a relancé l'intérêt pour l'album. Townshend fait revivre Quadrophenia en 1996, réunissant les Who pour l'interpréter lors du concert du Prince's Trust à Hyde Park cet été-là, et il est suivi cet automne par une tournée américaine qui s'avère être un échec. L'été suivant, les Who lancent une tournée américaine de vieux disques qui est ignorée par la presse. En octobre 2001, ils ont joué le Concert pour la ville de New York au profit des familles des victimes des attentats du 11 septembre. Les Who : Wire & Glass - Six Songs...

La rencontre de Giulio Andreotti et de Kadhafi est une photographie originale en noir et blanc réalisée par un photographe anonyme. Avec les notes dactylographiées au dos. Copyright...

Dori Ghezzi est une photographie vintage en noir et blanc réalisée dans les années 1970. Bonnes conditions.

Vintage portrait of Monica Vitti is a vintage black and white photo realized in 1970s by Agenzia ANSA. Bon état. Monica Vitti is born in Rome on November 3, 1931. Admitted in 1950 to the Academy of Dramatic Art (where she will return in...

17 Rue des Rosiers Paris, France. Une petite chapelle dans le vieux quartier juif de Paris (le Pletzel), connue sous le nom de "Zibetzin", située au 17 rue de Rosiers, le Rabbi de L...

Aretha Franklin, photographie de Leni Sinclair La " reine de la soul ", Aretha Franklin photographiée à Motown par la légendaire photographe de Détroit Leni Sinclair, artiste éminen...

Ed. 23/50, signé par Terry O'Neill. Comprend un cadre noir avec un passe-partout blanc. Terry O'Neill CBE est l'un des photographes les plus collectionnés au monde. Ses œuvres sont ...

Fernando Natalici Patti Astor The Foreigner New York 1977 : L'actrice et légendaire actrice du Downtown, Patti Astor, photographiée pendant le tournage du film "The Foreigner" par le...

AP d'une édition de 50 exemplaires, signés par Terry O'Neill. Terry O'Neill CBE est l'un des photographes les plus collectionnés au monde. Ses œuvres sont exposées dans des galerie...

Ed. 45/50, signé par Terry O'Neill. Comprend un cadre noir. Terry O'Neill CBE est l'un des photographes les plus collectionnés au monde. Ses œuvres sont exposées dans des galeries d...

Led Zeppelin photographe Jorgen Angel Artistics(s) : Jimmy Page de Led Zeppelin Localisation : Copenhague Date : 28 février 1970 L'époque : Les années 1970 imprimés cette année Édi...

Mick Jagger Bob Gruen, Américain (1945) Date : 1973 Épreuve à la gélatine argentique, montée sur panneau, signée, titrée et datée au stylo Taille de l'image : 16 x 11.5 pouces Taille...

Bien chaussé par Arthur Steele BIEN CHAUSSÉ PONT DE WESTMINSTER LONDRES, 1973 "Je venais d'acquérir un objectif de 19 mm pour mon Leica SL9 et j'avais envie d'explorer sa capac...

Brigitte Bardot, Les Petroleuses 1971 Épreuve à la gélatine argentée édition de 50 24 x 20 pouces Édition de 50 exemplaires signés et numérotés rare Brigitte Bardot sur le tournag...

Les tirages à vie sont les derniers disponibles, signés par Terry O'Neill et obtenus auprès des archives de Terry O'Neill à Londres. Tirage photographique à édition limitée signé pa...

Intérieur Shaker, lac de Sabbathday, Maine Tirage argentique, tonalité sélénium, 1971 Signé au crayon en bas à droite (voir photo) Titré au verso (voir photo) Imprimé c. C. 1971 Cond...

Ed. 31/50, signé par Terry O'Neill. Terry O'Neill CBE est l'un des photographes les plus collectionnés au monde. Ses œuvres sont exposées dans des galeries d'art nationales et des ...

Led Zeppelin devant leur avion de tournée "Starship" en 1973. Photo prise à l'aéroport JFK avant de se rendre à Pittsburgh, PA. Signé par le photographe.

En 1978, le photographe Fernando Icone, l'esprit créatif à l'origine de la conception graphique de lieux emblématiques comme le CBGB et le Mudd Club, a passé vingt-quatre heures à ph...

Brigitte Anne-Marie Bardot est l'une des actrices et mannequins françaises les plus emblématiques au monde. Elle est l'un des sex-symbols les plus connus des années 1950 et 1960 et é...

Brian Griffin Joe Jackson - Look Sharp, 1979 Impression à la gélatine argentique d'époque, encadrée ; panneau de montage de musée, verre d'art antireflet, cadre en chêne Taille de l'...

Brigitte Bardot, mains sur les hanches, 1971 Épreuve à la gélatine argentée édition de 50 24 x 20 pouces Édition de 50 exemplaires signés et numérotés rare cosignée également dispon...

Debbie Harry & Harris sur le plateau de 'Unmade Beds' 1976 par le célèbre photographe new-yorkais Fernando Natalici. Cette photographie originale d'époque a été prise sur le plateau...

Tirages à la gélatine argentée en édition ouverte et limitée Signé à la main par Bob Gruen 8" x 10" sans cadre Édition ouverte 11" x 14" sans cadre Édition ouverte 16" x 20" sans ...

photographie vintage à la gélatine argentique de 11 x 14" de l'artiste/superstar Warhol Ultra Violet, avec ses amis Jason McCoy et Ron Caran, 1971, nu photographié en 1971 à New York...

Andy Warhol Marteau et faucille, 1976 Négatif en acétate acquis directement auprès de Chromacomp, inc. l'imprimeur d'Andy Warhol dans les années 1970. accompagné d'une lettre de prov...

"Il a été tourné par une journée grise et brumeuse sur la plage de Dungeness, dans le Sussex. Charlie Wood a allumé la fusée et s'est mis au garde-à-vous, et j'ai déclenché le flash ...

Étude de nu de Cal Culver (alias Casey Donovan) pour le magazine 'After Dark', photographié en 1972. Il s'agit d'un tirage argentique à la gélatine vintage, teinté au sélénium, réali...

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Debbie Harris East Village, 1976 par le célèbre photographe new-yorkais Fernando Natalici. Plus cool que cool, cette photo classique de "Blondie" a été prise sur le plateau de "Unmad...

Roy Blakey (né en 1930). Portrait de John Tattos, 1974. Tirage photographique original sur papier, l'image mesure 8.75 x 13 pouces, la feuille mesure 12 x 16 pouces. Encadré, il mesu...

Petite photographie sur papier photographique intitulée "Chimpanzé avec lunettes" sur papier ivoire "passpartu" et cadre en bois de bruyère 1970

Bernhard Leitner, (autrichien, 1938) Extrait du portfolio "Sound : Space" "Ton : Raum" Publié à compte d'auteur par l'artiste en 1975/1976, Edition limitée à 50 exemplaires Signé à la main au crayon par l'artiste. Selon sa galerie, il s'agit d'un procédé de gravure lithographique photomécanique. Il est signé à la main et numéroté. Il pourrait s'agir d'une sorte de sérigraphie. Bernhard Leitner, né en 1938 (Feldkirch, Autriche) Architecte et artiste, pionnier de l'art des installations sonores, spatiales et lumineuses. Leitner a étudié l'architecture à l'université technique de Vienne. A vécu de 1968 à 1983 à New York. A d'abord travaillé au département de l'urbanisme, puis comme professeur associé à l'université de New York, codirecteur de "Urban Design Studies : Perspectives humanistes" 1983-1986 à Berlin. 1987-2005 Professeur d'art médiatique à l'université des arts appliqués de Vienne. Le travail de Bernhard Leitner dans le domaine de l'architecture sonore et de la sculpture d'espace sonore remonte à ses recherches artistiques et empiriques (1969-1975) à New York, c'est-à-dire à ses analyses physico-acoustiques sur les expériences d'espaces formés, conçus et composés avec le matériau sculptural qu'est le son, et qui découlent de son intérêt pour l'architecture, la musique et la danse. Les mouvements tridimensionnels des sons façonnent de nouveaux espaces architecturaux. Il a été influencé par le minimalisme américain et l'art minimal. L'échelle de son travail va des grandes installations architecturales urbaines permanentes (Le Cylindre Sonore, Paris ; Sound Field 1020 Vienna ; Sound Space Technical University Berlin) aux sculptures corporelles (Sound Chair ; Vertical Space for one Person ; Sound Arch ; Sound Suit). Comme dans l'œuvre de John Cage, même les silences sont chargés de sens. Cet ouvrage associe un dessin d'architecture à une photographie de son travail. Il a également contribué à la préservation de l'œuvre architecturale de Ludwig Wittgenstein, le philosophe autrichien qui était aussi un architecte hors pair. Leitner a contribué à sauver l'unique maison conçue et construite à Vienne par Wittgenstein. Sélection d'expositions : MoMA PS1, NY (1979), Une exposition collective avec Vito Acconci, William Anastasi, Jack Goldstein, William Hellermann, Nancy Holt, Annea Lockwood, Dennis Oppenheim, Norman Tuck Documenta 7, Kassel, Ars electronica, Linz (1982), Biennale de Venise, (1986), Académie des arts de Berlin (1996), Neue Nationalgalerie Berlin (1999), Kunsthalle Bremen (2000), Hamburger Bahnhof, Berlin, (2008), Georg Kargl Fine Arts, Vienne, (2011), Sound Art, ZKM, Karlsruhe (2012), TU Berlin (1984, 2014), Fondazione Prada, Venise (2014), Kollegienkirche Salzburg (2015/2017), Kupferstichkabinett Berlin, Allemagne (2023) Dessin d'art contemporain du Kupferstichkabinett de la Schering Stiftung (Collectional de dessins et d'estampes) N. Dash, Nadine Fecht, Dan Graham, Julie Mehretu, Matt Mullican, Carsten Nicolai...

L'œuvre est accompagnée d'un certificat de provenance. Estampillé au verso par la succession de l'artiste et la Fondation Andy Warhol pour les arts visuels. Le numéro de la fondation...

L'œuvre est accompagnée d'un certificat de provenance. Estampillé au verso par la succession de l'artiste et la Fondation Andy Warhol pour les arts visuels. Le numéro de la fondation...

L'œuvre est accompagnée d'un certificat de provenance. Estampillé au verso par la succession de l'artiste et la Fondation Andy Warhol pour les arts visuels. Le numéro de la fondation...

Bernhard Leitner, (autrichien, 1938) Extrait du portfolio "Sound : Space" "Ton : Raum" Publié à compte d'auteur par l'artiste en 1975/1976, Edition limitée à 50 exemplaires Signé à la main au crayon par l'artiste. Selon sa galerie, il s'agit d'un procédé de gravure lithographique photomécanique. Il est signé à la main et numéroté. Il pourrait s'agir d'une sorte de sérigraphie. Bernhard Leitner, né en 1938 (Feldkirch, Autriche) Architecte et artiste, pionnier de l'art des installations sonores, spatiales et lumineuses. Leitner a étudié l'architecture à l'université technique de Vienne. A vécu de 1968 à 1983 à New York. A d'abord travaillé au département de l'urbanisme, puis comme professeur associé à l'université de New York, codirecteur de "Urban Design Studies : Perspectives humanistes" 1983-1986 à Berlin. 1987-2005 Professeur d'art médiatique à l'université des arts appliqués de Vienne. Le travail de Bernhard Leitner dans le domaine de l'architecture sonore et de la sculpture d'espace sonore remonte à ses recherches artistiques et empiriques (1969-1975) à New York, c'est-à-dire à ses analyses physico-acoustiques sur les expériences d'espaces formés, conçus et composés avec le matériau sculptural qu'est le son, et qui découlent de son intérêt pour l'architecture, la musique et la danse. Les mouvements tridimensionnels des sons façonnent de nouveaux espaces architecturaux. Il a été influencé par le minimalisme américain et l'art minimal. L'échelle de son travail va des grandes installations architecturales urbaines permanentes (Le Cylindre Sonore, Paris ; Sound Field 1020 Vienna ; Sound Space Technical University Berlin) aux sculptures corporelles (Sound Chair ; Vertical Space for one Person ; Sound Arch ; Sound Suit). Comme dans l'œuvre de John Cage, même les silences sont chargés de sens. Cet ouvrage associe un dessin d'architecture à une photographie de son travail. Il a également contribué à la préservation de l'œuvre architecturale de Ludwig Wittgenstein, le philosophe autrichien qui était aussi un architecte hors pair. Leitner a contribué à sauver l'unique maison conçue et construite à Vienne par Wittgenstein. Sélection d'expositions : MoMA PS1, NY (1979), Une exposition collective avec Vito Acconci, William Anastasi, Jack Goldstein, William Hellermann, Nancy Holt, Annea Lockwood, Dennis Oppenheim, Norman Tuck Documenta 7, Kassel, Ars electronica, Linz (1982), Biennale de Venise, (1986), Académie des arts de Berlin (1996), Neue Nationalgalerie Berlin (1999), Kunsthalle Bremen (2000), Hamburger Bahnhof, Berlin, (2008), Georg Kargl Fine Arts, Vienne, (2011), Sound Art, ZKM, Karlsruhe (2012), TU Berlin (1984, 2014), Fondazione Prada, Venise (2014), Kollegienkirche Salzburg (2015/2017), Kupferstichkabinett Berlin, Allemagne (2023) Dessin d'art contemporain du Kupferstichkabinett de la Schering Stiftung (Collectional de dessins et d'estampes) N. Dash, Nadine Fecht, Dan Graham, Julie Mehretu, Matt Mullican, Carsten Nicolai...

L'œuvre est accompagnée d'un certificat de provenance. Estampillé au verso par la succession de l'artiste et la Fondation Andy Warhol pour les arts visuels. Le numéro de la fondation...

Faye Dunaway à l'hôtel Beverly Hilles, 1977, impression ultérieure Épreuve à la gélatine argentée 30 x 30" édition de 50 exemplaires numérotés et portant la signature du propriétaire...

L'œuvre est accompagnée d'un certificat de provenance. Estampillé au verso par la succession de l'artiste et la Fondation Andy Warhol pour les arts visuels. Le numéro de la fondation...

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Bernhard Leitner, (autrichien, 1938) Extrait du portfolio "Sound : Space" "Ton : Raum" Publié à compte d'auteur par l'artiste en 1975/1976, Edition limitée à 50 exemplaires Signé à la main au crayon par l'artiste. Selon sa galerie, il s'agit d'un procédé de gravure lithographique photomécanique. Il est signé à la main et numéroté. Il pourrait s'agir d'une sorte de sérigraphie. Bernhard Leitner, né en 1938 (Feldkirch, Autriche) Architecte et artiste, pionnier de l'art des installations sonores, spatiales et lumineuses. Leitner a étudié l'architecture à l'université technique de Vienne. A vécu de 1968 à 1983 à New York. A d'abord travaillé au département de l'urbanisme, puis comme professeur associé à l'université de New York, codirecteur de "Urban Design Studies : Perspectives humanistes" 1983-1986 à Berlin. 1987-2005 Professeur d'art médiatique à l'université des arts appliqués de Vienne. Le travail de Bernhard Leitner dans le domaine de l'architecture sonore et de la sculpture d'espace sonore remonte à ses recherches artistiques et empiriques (1969-1975) à New York, c'est-à-dire à ses analyses physico-acoustiques sur les expériences d'espaces formés, conçus et composés avec le matériau sculptural qu'est le son, et qui découlent de son intérêt pour l'architecture, la musique et la danse. Les mouvements tridimensionnels des sons façonnent de nouveaux espaces architecturaux. Il a été influencé par le minimalisme américain et l'art minimal. L'échelle de son travail va des grandes installations architecturales urbaines permanentes (Le Cylindre Sonore, Paris ; Sound Field 1020 Vienna ; Sound Space Technical University Berlin) aux sculptures corporelles (Sound Chair ; Vertical Space for one Person ; Sound Arch ; Sound Suit). Comme dans l'œuvre de John Cage, même les silences sont chargés de sens. Cet ouvrage associe un dessin d'architecture à une photographie de son travail. Il a également contribué à la préservation de l'œuvre architecturale de Ludwig Wittgenstein, le philosophe autrichien qui était aussi un architecte hors pair. Leitner a contribué à sauver l'unique maison conçue et construite à Vienne par Wittgenstein. Sélection d'expositions : MoMA PS1, NY (1979), Une exposition collective avec Vito Acconci, William Anastasi, Jack Goldstein, William Hellermann, Nancy Holt, Annea Lockwood, Dennis Oppenheim, Norman Tuck Documenta 7, Kassel, Ars electronica, Linz (1982), Biennale de Venise, (1986), Académie des arts de Berlin (1996), Neue Nationalgalerie Berlin (1999), Kunsthalle Bremen (2000), Hamburger Bahnhof, Berlin, (2008), Georg Kargl Fine Arts, Vienne, (2011), Sound Art, ZKM, Karlsruhe (2012), TU Berlin (1984, 2014), Fondazione Prada, Venise (2014), Kollegienkirche Salzburg (2015/2017), Kupferstichkabinett Berlin, Allemagne (2023) Dessin d'art contemporain du Kupferstichkabinett de la Schering Stiftung (Collectional de dessins et d'estampes) N. Dash, Nadine Fecht, Dan Graham, Julie Mehretu, Matt Mullican, Carsten Nicolai...

L'œuvre est accompagnée d'un certificat de provenance. Estampillé au verso par la succession de l'artiste et la Fondation Andy Warhol pour les arts visuels. Le numéro de la fondation...