Monastère Estampes et éditions

Médium : gravure à l'eau-forte. Gravure d'Henri Guerard d'après Corot. Imprimé à Paris sur papier vergé par Eudes et publié par la Gazette des Beaux-Arts vers 1880. Taille de l'image...

Gravure sur papier vergé crème antique, 7 7/8 x 5 1/8 pouces (201 x 130 mm), marges complètes. Edition de 150 exemplaires. Imprimé par Federick Reynolds. Signé et daté au crayon, en ...

Support : pochoir (d'après l'huile sur papier). Imprimé en 1962 à l'atelier Daniel Jacomet et publié à Paris par la Berggruen Gallery dans une édition de 1000 exemplaires. Taille de ...

Gravure sur papier vélin crème, 5 9/16 x 2 3/4 pouces (142 x 70 mm), marges complètes. Signée, titrée, numérotée "III" et portant une inscription au crayon par l'artiste dans la marg...

Lithographie en couleurs, sur papier Magnani-Pescia. Taille du papier 35cmx25cm, taille du travail 24cmx17cm. Excellent état, aucun défaut. Né à Rome en 1946, Franco Fortunato est u...

Support : gravure originale. Imprimé en 1888 et publié par The New York Etching Club. Taille de l'image : 5 3/4 x 3 1/2 pouces (145 x 90 mm). Signé dans la plaque, non signé à la mai...

Lithographie sur papier Magnani-Pescia. Taille du papier 70cm x 50cm, taille de l'œuvre 60cm x 39cm. Excellent état, aucun défaut. Coloré à la main. Sigfrido Oliva est né à Messine e...

Écriture à l'encre noire sur papier vergé crème avec un filigrane partiel, marges complètes. En parfait état. Un ouvrage très rare issu d'une édition de moins de 20 impressions. Sig...

Le temple Saint-Michel, Pavie, est une lithographie sur papier réalisée en 1862. L'œuvre appartient aux Us et coutumes de tous les peuples de l'univers : "Histoire du gouvernement, ...

cortile del Palazzo di Venezia, Colla Chiesa di San Marco" Lithographie teintée d'Eugène Ciceri d'après Félix Benoist. Chiffres de Bayot. D'une série française intitulée "Rome dans...

Architecture tunisienne est une photolithographie originale réalisée par Bettino Craxi au 20ème siècle. Preuve d'artiste. Signé à la main. Publié dans le Portafoglio "Tunisiaca 1...

Cette œuvre d'art "Hannington/Castle Eaton" c.1970 est une lithographie originale en couleurs de l'artiste français Denis Paul Noyer, né en 1940. Elle ...

John Taylor Arms était connu pour réaliser des gravures d'une telle finesse que les outils commerciaux ne suffisaient pas : il utilisait régulièrement des aiguilles à coudre avec des bouchons de liège en guise de poignées. Fletcher 284. Édition de 53 exemplaires imprimés par David Strang...

Piazza e Basilica de Santi Apostoli. Palazzi Odescalchi e Colonna" (Palais Odescalchi et Colonna) Lithographie teintée de Philippe Benoist (1813-1881). D'une série française intitu...

Richard Haas Hôtel Chelsea, coucher de soleil, 1980 Affiche lithographique offset sur papier Signé au crayon au recto 23 1/4 × 21 1/2 pouces Non encadré Cette étonnante affiche litho...

Affiche originale américaine d'incitation au travail : IL EST RESSUSCITÉ". Artiste : Willared Frederick Elmes. Il ne s'agit pas d'une affiche de guerre ou de propagande à prop...

Lithographie en couleurs, sur papier Magnani-Pescia. Taille du papier 35cmx25cm, taille du travail 24cmx17cm. Excellent état, aucun défaut. Né à Rome en 1946, Franco Fortunato est u...

Us et coutumes - La cathédrale de Monza est une lithographie sur papier réalisée en 1862. L'œuvre appartient aux Us et coutumes de tous les peuples de l'univers : "Histoire du gouve...

La cathédrale de Tarragone est une magnifique lithographie réalisée par Ossi Czinner dans les années 1970.  Signé à la main. Preuve d'artiste. Bonnes conditions !

Lithographie en couleurs, sur papier Magnani-Pescia. Taille du papier 35cmx50cm, taille du travail 27cmx42cm. Excellent état, aucun défaut.  Né à Rome en 1946, Franco Fortunato est ...

Sharon Augusta Mitchell a créé "Cena Ultima" comme si les vautours d'Inde étaient les apôtres dans une pose de "dernier repas" disposés autour d'une carcasse dans une édition de 100 ...

The Hall & Chapel, Oriel College" (Le hall et la chapelle, Oriel College) Gravure de John Le Keux d'après Frederick Mackenzie, 1837. Tiré des "...

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Gravure sur bois réalisée par Escher pour la série "Emblemata", et publiée en 1931. Sur le papier de Hollande van Gelder. Edition de 300 exemplaires. Non signé, tel que publié. En...

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Linda Plotkin, Américaine (1938 - ) - Purple Cow, Année : circa 1965, Medium : Sérigraphie, signée, titrée et numérotée au crayon, Edition : 6/75, Taille de l'image : 7.5 x 9.5 p...

Dimensions de l'image : 17,6 x 24,4 cm. Colberg est une magnifique lithographie en couleurs sur papier, imprimée par von Led Kempner et publiée par von Schaffstein et C. A.C. Koln, ...

quadrangle du Collège Corpus Christi Gravure de John Le Keux d'après Frederick Mackenzie, 1837. Extrait du "Memorials of Oxford" de James Ingra...

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Ecuries et Remises. Chromolithographie architecturale française. Extrait de "La Brique Ordinaire", par J. Lacroux, 1878. Une série de belles illustrations de designs français pour ...

Aquatinte en couleurs de John Bluck (actif 1791-1819) d'après Auguste Pugin (1762-1832). Intérieur architectural avec une superbe couleur d'origine. Extrait de "Westminster Abbey", ...

Max Clarenbach (1880 Neuss - Cologne 1952), Soirée. Gravure, 18 x 41 cm (plaque), 33,5 x 57 cm (cadre), portant l'inscription "Abend" au crayon en bas à gauche, signée et datée "M. Clarenbach. 28.III.[19]09". Encadré et monté sous verre. - Légèrement bruni et légèrement roussi. À propos de l'œuvre d'art La gravure allongée horizontalement représente la vue panoramique d'une petite ville vue de l'autre côté de la rivière. Il y a des maisons à pignons sur la gauche et une puissante flèche d'église sur la droite. Les maisons bourgeoises et le grand édifice religieux indiquent le caractère urbain. Ces bâtiments sont rendus dans des tons sombres pour mettre en valeur la rangée de maisons plus claires au centre de l'image, plus proche de l'eau. Le contraste de clair-obscur crée deux plans parallèles qui ouvrent un espace à l'imagination de ce que pourrait être la ville. L'imagination est stimulée par les bâtiments presque entièrement sombres et à peine reconnaissables, tandis que le bras de la rivière qui mène à la ville stimule encore plus l'imagination. Cependant, comme la silhouette de la ville dans son ensemble se reflète dans l'eau, les plans parallèles sont perçus comme une bande de maisons qui s'étend sur toute l'horizontalité de la gravure et semble se poursuivre au-delà des limites de l'image. Le reflet a presque la même intensité que les maisons elles-mêmes, de sorte que la bande de bâtiments se confond avec leur reflet pour former l'unité formelle dominante de l'image. Seules les hachures horizontales parallèles donnent l'impression convaincante de voir de l'eau, démontrant la maîtrise de Max Parallele de l'aiguille à graver. L'eau est totalement immobile, le reflet n'est pas troublé par le moindre mouvement des vagues, ce qui crée une symétrie dans l'unité formelle du paysage urbain et de son reflet qui va au-delà du motif d'un simple paysage urbain. Un ordre pictural est établi qui intègre tout ce qui se trouve dans l'image et qui a un caractère métaphysique en tant que structure d'ordre qui transcende les choses individuelles. Cet ordre pictural n'est pas seulement pertinent dans le monde pictural, mais l'image elle-même révèle l'ordre de la réalité qu'elle dépeint. Révéler l'ordre métaphysique de la réalité dans les structures de sa visibilité est ce qui anime Clarenbach en tant qu'artiste et le motive à revenir au même cercle de motifs. La symétrie décrite est en même temps une asymétrie inhérente qui est une réflexion sur l'art : Alors que le paysage urbain réel est coupé en haut de l'image, que deux cheminées et surtout le clocher de l'église ne sont pas visibles, le reflet illustre la réalité dans son intégralité. Le reflet occupe une place beaucoup plus importante dans l'image que la réalité elle-même. Depuis l'Antiquité, l'art a été compris principalement comme un reflet de la réalité, mais ici Clarenbach montre clairement que l'art n'est pas une simple apparence, qui peut au mieux être un reflet de la réalité, mais que l'art a le potentiel de révéler la réalité elle-même. La structure d'ordre révélée n'est en rien purement formaliste, elle apparaît en même temps que l'ambiance du paysage. L'image est remplie d'un silence presque sacré. Rien dans l'image n'évoque un son, et l'immobilité est totale. Dans les paysages peints par Clarenbach, il n'y a pas de personnes qui apportent de l'action dans l'image. Nous ne nous voyons pas non plus attribuer une position de spectateur dans l'image, de sorte que nous ne devenons pas des sujets thématiques de l'action. Clarenbach s'abstient également de présenter des réalisations techniques. L'absence de l'homme et de la technologie crée une atmosphère intemporelle. Même si la date précise prouve que Clarenbach dépeint un événement qui s'est déroulé sous ses yeux, sans cette date, nous ne pourrions pas dire dans quelle décennie, ni même dans quel siècle, nous nous trouvons. L'immobilité n'a donc pas pour effet de figer le temps dans l'image, mais d'instaurer une éternité intemporelle qui n'en est pas moins, comme l'indique le titre "Abend" (soir) ajouté par Clarenbach lui-même, un phénomène de transition. Le paysage des étals est sur le point d'être complètement plongé dans l'obscurité, les bâtiments derrière lui n'étant que faiblement discernables. L'état légèrement assombri de la feuille est en accord avec cette qualité de transition, qui confère également à la scène une qualité sépia qui souligne son intemporalité. Et pourtant, la représentation est liée à une époque très précise. Clarenbach date l'image du soir du 28 mars 1909, ce qui ne renvoie pas à la réalisation de la gravure, mais à la capture de l'essence du paysage dans le paysage lui-même. Si le paysage réel est donc dans un état de transition, et donc quelque chose d'éphémère, l'art révèle sa véritable nature en ce que la réalité, soumise au flux des phénomènes, est transférée à un moment éternel, soumis à une structure d'ordre supra-temporelle - révélée par l'art. Malgré cette supratemporalité, le tableau montre également les signes avant-coureurs de la nuit comme l'obscurcissement à venir du monde, ce qui confère au tableau un caractère profondément mélancolique, renforcé par le brunissement de la feuille. C'est le contenu philosophique et l'effet lyrico-mélancolique du graphisme qui lui confèrent son pouvoir d'enchantement. Une fois que nous sommes immergés dans l'image, il faut littéralement une secousse pour s'en détacher. Cette gravure, si caractéristique de l'art de Max Clarenbach, est - notamment en raison de ses dimensions - une œuvre majeure de son œuvre graphique. A propos de l'artiste Né dans la pauvreté et orphelin dès son plus jeune âge, le jeune Max Clarenbach, doué pour les arts, a été découvert par Andreas Achenbach et admis à l'Académie des arts de Düsseldorf à l'âge de 13 ans. "Complètement désargenté, je travaillais pour un oncle dans une usine de carton le soir pour payer mes études". - Max Clarenbach À l'académie, il étudie notamment avec Arthur Kampf et, en 1897, il est admis dans la classe de peinture de paysage d'Eugen Dücker. Clarenbach a percé en 1902, lorsque son œuvre Der stille Tag a été présentée à l'exposition de Düsseldorf. Le tableau est acheté par la galerie de Düsseldorf et Clarenbach se fait soudain connaître en tant qu'artiste. L'année suivante, en 1903, il achève sa formation académique et, après s'être marié, s'installe à Bockum, où il travaillait depuis 1901 dans l'ancien Studio d'Arthur Kampf, qui avait déménagé à l'Académie de Berlin. À Bockum, Clarenbach se consacre à l'étude artistique du paysage du Bas-Rhin et développe son style caractéristique. Ce style a également été influencé par ses séjours aux Pays-Bas. Il y étudie les artistes de l'école de La Haye et possède un studio à Flessingue. Lors d'un voyage à Paris, il s'inspire également de l'école de Barbizon. Ainsi influencé, Clarenbach s'est intéressé au paysage lui-même, ce qui l'a amené à développer son propre style de peinture. "La Nature dit tout, il suffit de la laisser parler tranquillement. Chaque arbre a quelque chose à dire. C'est merveilleux, mais très difficile de capter et de reproduire ce qui se dit". - Max Clarenbach En 1908, les Clarenbach s'installent dans la maison Clarenbach à Wittlaer, conçue par Joseph Maria/One pour le peintre, en pleine nature. "Parce que Clarenbach voulait vivre en permanence dans et avec la nature du Rhin inférieur, il fit construire par son ami Olbrich la maison qui correspondait à ses idées de beauté et d'harmonie, au milieu des champs et des prairies traversés par le Schwarzbach". - Ellen Clarenbach Le séjour à Paris est aussi l'occasion de découvrir l'art français le plus récent, qui n'a pas encore été reconnu en Rhénanie. En 1909, Clarenbach et ses anciens amis de l'académie, Julius Bretz, August Deusser, Walter Ophey, Wilhelm Schmurr et les frères Alfred et Otto Sohn, fondent le Sonderbund Westdeutscher Kunstfreunde und Künstler, qui durera jusqu'en 1915. Cezanne, Monet, Renoir, Rodin, Seurat, Signac, Sisley, Vuillard, van Gogh et Picasso étaient représentés dans les expositions. En 1910 et 1911, Kandinsky, Jawlensky, Purrmann, Kirchner et Schmidt-Rottluff les rejoignent. Les expositions progressistes du Sonderbund ont eu l'effet d'une attaque contre les cercles artistiques établis qui n'est pas restée sans récompense. Sous la direction du peintre Carl Vinnen, une "protestation des artistes allemands" est lancée contre "la favorisation antipatriotique des peintres français". La réponse, à laquelle Clarenbach a également participé, a été publiée sous le titre "Im Kampf um die Kunst". Après cette période mouvementée de la vie de Clarenbach, sa carrière artistique a pris un cours plus calme, lui permettant de se concentrer sur son art à l'écart de l'agitation politique. En 1917 - Clarenbach avait déjà reçu de nombreux prix - il succède à Eugen Dücker comme professeur à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf, poste qu'il occupe jusqu'en 1945. Pendant les années sombres du régime nazi, Calle a été représenté à la grande exposition d'art allemand à la Haus der Deutschen Kunst à Munich entre 1938 et 1943 et, bien que son intégrité artistique ait été considérée comme douteuse, il a été inclus dans la liste des artistes indispensables dite "Gottbegnadeten" en 1944. Il a formulé sa démarche artistique en ces termes : "Peu de couleurs, peu de pinceaux. Faites ressortir toutes les formes avec le pinceau plein, large et plat, ne dessinez pas les contours avec le pinceau, ce serait absolument faux. Chaque trait a quelque chose à exprimer, il ne faut jamais surpeindre. Cela demande de la concentration et une grande joie dans le processus". En fin de compte, c'est le même cercle de motifs paysagers qui a attiré Clarenbach tout au long de sa carrière artistique. "Faisant le pont entre tous les bouleversements artistiques et sociopolitiques de l'époque, l'œuvre picturale se révèle être l'expression continue d'une relation profondément ancrée avec la nature et d'un amour durable pour les paysages du Bas-Rhin." - Dietrich Clarenbach Clarenbach n'était pas imprévisible, mais, selon ses propres termes, "concentré" dans son art. Une œuvre comme un processus constant d'approfondissement. Grâce à sa concentration persistante, il a ouvert artistiquement le paysage encore et encore, créant des œuvres qui ne manquent jamais de captiver le spectateur. "Eh bien, à "l'écoute" correspond le "silence", et il nous semble que c'est le motif de base de toutes les peintures de Clarenbach". - Marie-Luise Baume Littérature utilisée Auss-Kat : Max Clarenbach, ein Repräsentant rheinischer Kunst, Schloß Kalkum, Landkreis Düsseldorf-Mettmann, 196. Clarenbach, Dietrich : "Wenn man Rheinländer und dazu noch 'Nüsser' ist, kann man, was man will...

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