Meconopsis Integrifolia

Au cours de la Renaissance , les premières académies européennes des beaux-arts ont été créées en Italie et ont orienté le style et les normes de la culture visuelle au cours des siècles suivants. L'art académique s'est imposé sur tout le continent au XVIIe siècle, les artistes se réunissant pour dispenser un enseignement dans ce style de peinture et sculpture. 

La période de l'art académique a représenté un changement important par rapport à l'époque précédente où les peintres, sculpteurs et autres artistes faisaient partie de guildes et étaient davantage considérés comme des artisans que comme des pourvoyeurs de culture. Si le mécénat de l'élite et de la Church's reste essentiel, les jeunes artistes peuvent pour la première fois subvenir à leurs besoins grâce à des expositions académiques et à un marché indépendant. Les principales académies comprenaient l'Académie Royale de Peinture et de Sculpture fondée à Paris en 1648 (qui devint l'Académie des Beaux-Arts après la Révolution française) et la London Royal Academy of Arts formée en 1768 sous la direction inaugurale du peintre Joshua Reynolds. 

Les étudiants de l'Académie ont esquissé des dessins à partir de gravures, de sculptures et, enfin, de modèles vivants. Les mouvements tels que néoclassicisme et romantisme étaient particulièrement populaires dans ces écoles d'art et institutions où l'influence de Raphael et Nicolas Poussin était proéminente. L'architecture des Beaux-Arts et le design/One se sont également inspirés de ces mouvements et, comme ils sont également issus de l'Académie des Beaux-Arts, ces disciplines ont des points communs avec la peinture et la sculpture académiques.

Bien que l'art académique ait constitué un changement majeur pour le statut artistique à ses débuts, au milieu du 19e siècle, il était considéré comme stérile et résistant aux nouvelles idées, les sujets traités par des artistes tels que William-Adolphe Bouguereau et Jean-Léon Gérôme se limitant généralement à des thèmes allégoriques ou mythologiques. L'impressionnisme, le réalisme et les autres mouvements qui ont abordé des questions contemporaines ont été des réactions directes à la tradition académique, bien qu'elle ait continué à informer l'avant-garde, puisque des artistes comme Gustav Klimt et Pablo Picasso ont commencé leurs pratiques en tant que réalistes académiques.  

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Décorer avec fine art prints - qu'il s'agisse de figurative prints, abstract prints ou d'une autre variété - a toujours été un moyen pratique de donner vie à un espace et de faire entrer dans votre maison les œuvres d'un artiste que vous aimez.

Poursuivie dans les années 1960 et 1970, en grande partie par les artistes Pop attirés par ses associations avec la production de masse, la publicité, l'emballage et la sérialité, ainsi que par ceux qui contestaient la primauté du coup de pinceau de l'expressionniste abstrait, la gravure a été adoptée dans les années 1980 par des peintres et des artistes conceptuels allant de David Salle et Elizabeth Murray à Adrian Piper et Sherrie Levine.

La gravure est le transfert d'une image d'une surface à une autre. Un artiste prend un matériau tel que la pierre, le métal, le bois ou la cire, le sculpte, l'incise, le dessine ou le marque d'une image, l'encre ou la peint, puis transfère l'image sur une feuille de papier ou un autre matériau.

Les tirages d'art sont souvent confondus avec leurs équivalents plus commerciaux. Après tout, notre lien le plus étroit avec l'image imprimée est constitué par les journaux, les magazines et les livres produits en masse, et beaucoup de gens ne se rendent pas compte que même si les estampes sont des éditions, elles partent d'une image originale créée par un artiste avec l'intention de la reproduire en petit nombre. Les tirages d'art sont créés en éditions strictement limitées - 20 ou 30 ou peut-être 50 - et sont toujours basés sur une image créée spécifiquement pour faire partie d'une édition.

Nombreux sont ceux qui pensent que Revere, l'artiste néerlandais REMBRANDT, est un peintre, mais ils ne savent peut-être pas qu'il était également graveur. Ses estampes ont été préservées dans le temps avec les œuvres d'autres artistes célèbres tels que Pablo Picasso, Salvador Dalí et Andy Warhol. Ces tirages d'art sont toujours très recherchés par les collectionneurs.

"C'est un autre outil dans la boîte à outils de l'artiste, au même titre que la peinture, la sculpture ou toute autre chose qu'un artiste utilise pour créer une marque ou s'exprimer", déclare Betsy Senior, vice-présidente de l'International Fine Print Dealers Association (IFPDA) et propriétaire de Betsy Senior Fine Art, Inc. à New York ( ).

Les éditions d'artistes étant généralement plus abordables et disponibles que ses œuvres uniques, elles sont plus accessibles et peuvent constituer une excellente occasion d'apporter une variété de couleurs, de textures et de formes dans un espace.

Pour les coins étroits, choisissez de petits tirages d'art plutôt qu'une œuvre audacieuse et surdimensionnée que vous accrocherez comme point focal dans la salle à manger. Mais attention à ne pas choisir quelque chose de trop grand pour votre espace. Et n'hésitez pas à vous pencher sur si nécessaire - toutes les œuvres n'ont pas besoin de crochets pour accrocher des tableaux. En adossant une grande œuvre d'art au mur, derrière une bibliothèque, vous pouvez ajouter une dynamique d'installation élégante à votre salon. (Pour en savoir plus sur la façon de disposer les œuvres d'art murales, cliquez ici.)

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