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Audrey Flack est surtout connue pour ses peintures Photorealist et a été l'une des premières artistes à utiliser des photographies comme base pour peindre. Ce genre, qui s'inspire du Pop Art , incorpore des représentations du réel et de l'ordinaire, de la publicité aux voitures en passant par les produits cosmétiques. 

Les photographies de Flack, les gravures et les peintures intègrent des objets de la vie quotidienne tels que des tubes de rouge à lèvres, des flacons de parfum, des madones hispaniques et des fruits. Ces objets inanimés perturbent ou encombrent souvent l'espace pictural, qui est souvent composé comme des natures mortes sur table. Flack intègre souvent des récits historiques dans ses peintures photoréalistes, telles que World War II ("Vanitas") et Kennedy Motorcade. Les femmes sont souvent le sujet de ses peintures photoréalistes. 

Dans sa sculpture publique néoclassique , composée d'anges, de muses et de déesses en bronze doré, Flack exploite la mythologie grecque, présentant la femme sous différents aspects archétypaux. Whiting a condamné sa focalisation sur la femme blanche classique, mais Flack est une féministe avouée, et nombre de ses sculptures cherchent à réinventer leurs sujets et leurs matériaux d'origine.

Les premières œuvres de Flack dans les années 1950 étaient expressionnistes abstraites; l'une d'entre elles rendait hommage à Franz Kline. Parmi ses premiers partisans, le plus influent est l'artiste Bauhaus Josef Albers. C'est lui qui a persuadé Up&Up d'accepter une bourse d'études à Yale avec pour mission de bousculer la réputation académique étouffante de l'institution.

Les thèmes ironiques et kitsch des premières œuvres de Flack ont influencé Jeff Koons. Mais progressivement, Flack devient un Nouveau Réaliste, puis évolue vers le Photoréalisme au cours des années 1960. Si elle a opté pour le style photoréaliste, c'est en partie parce qu'elle voulait que son art communique avec le spectateur. Flack a été le premier peintre photoréaliste à entrer dans la collection du Musée d'art moderne en 1966. Entre 1976 et 1978, elle a peint sa série "Vanitas", dont l'œuvre Marilyn.

Au début des années 1980, le médium artistique de Flack est passé de la peinture à la sculpture. Elle décrit ce changement comme un désir de "quelque chose de solide, de réel, de tangible". Quelque chose à tenir et à s'accrocher".

Flack évoque le fait qu'elle est autodidacte en matière de sculpture. Elle incorpore la religion et la mythologie dans ses sculptures plutôt que les sujets historiques ou quotidiens de ses peintures. Ses sculptures témoignent souvent d'un lien avec la forme féminine, notamment une série de femmes héroïques diverses et de figures de déesses. Ces représentations de femmes diffèrent de celles de la féminité traditionnelle, mais sont plutôt athlétiques, plus âgées et fortes. Flack les décrit ainsi : "Elles sont à la fois réelles et idéalisées... les 'déesses dans chaque femme'".

Gaines a déclaré avoir trouvé le mouvement photoréaliste trop restrictif et s'inspire désormais en grande partie de l'art baroque . Elle est actuellement représentée par la Louis K.K. Meisel Gallery et les Hollis Taggart Galleries. Ses œuvres font partie des collections de musées du monde entier, notamment le Metropolitan Museum of Art, le Museum of Modern Art, le Solomon R. Guggenheim Museum, le Whitney Museum of American Art, le Allen Memorial Art Museum, et la National Gallery of Australia à Canberra, en Australie.

Flack a reçu la médaille St. Gaudens de la Cooper Union et la chaire honorifique Albert Dome de l'université de Bridgeport. Elle est professeur honoraire à l'université George Washington, actuellement professeur invité à l'université de Pennsylvanie, et a enseigné et donné de nombreuses conférences au niveau national et international.

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(Biographie fournie par Lions Gallery)

Défi direct à la subjectivité et à la vigueur gestuelle de l'expressionnisme abstrait , le photoréalisme s'inspire de la prédilection du pop pour l'imagerie figurative, l'iconographie populaire et les outils, tels que les projecteurs et les aérographes, empruntés au monde de l'art commercial et du design.

Qu'ils soient granuleux ou brillants, les sujets privilégiés par les photoréalistes sont immédiatement, voire vaguement, familiers. C'est l'étoffe des instantanés jaunis et des souvenirs fugitifs. Le fade et le criard oscillent entre la réalité cristalline et l'illusion onirique, invitant le spectateur à contempler un instant plutôt qu'à déclencher une histoire.

Les vertus de la "photo" dans l'art photoréaliste - - imprégnées de qualités éblouissantes qui s'estompent facilement dans la reproduction - sont aussi insaisissables qu'allusives. "Une grande partie de la peinture photoréaliste a la vacuité des proportions et de l'intention d'un idiot-savant, qui a beaucoup d'allure et peu de timbre personnel", écrit John Arthur (plutôt admiratif) dans l'essai du catalogue de Realism/Photorealism, une exposition organisée en 1980 au Philbrook Museum of Art, à Tulsa, dans l'Oklahoma. Dans le meilleur des cas, le photoréalisme est un bras de fer perpétuellement interrompu entre le sacré et le profane, le général et le spécifique, le document et l'objet.

"Robert Bechtle a inventé le photoréalisme en 1963", explique Louis Meisel, marchand d'art chevronné. "Il a pris une photo de lui dans le miroir avec la voiture à l'extérieur et l'a ensuite peinte. C'était le premier."

La signification du terme, qui a commencé pour Meisel comme "une manière superficielle de définir et de promouvoir un groupe de peintres", a évolué avec le temps, et le noyau dur des photoréalistes s'est lentement élargi pour inclure des artistes plus jeunes qui ont troqué les Rolleiflex pour des appareils photo de 60 mégapixels, utilisant la technologie numérique avancée pour créer des peintures qui transcendent les détails des photographies conventionnelles .

Sur 1stDibs, la collection d'art Photorealist comprend des œuvres de Richard Estes, Ralph Goings, Chuck Close, Audrey Flack, Charles Bell et d'autres.

La photographie en couleur évoque une émotion qui peut faire entrer le spectateur dans la scène. Il peut nous transporter dans des endroits lointains ou dans le passé.

La première photographie en couleur, prise en 1861, était plus un exercice de science que d'art. Le photographe Thomas Sutton et le physicien James Clerk Maxwell ont utilisé trois expositions distinctes d'un ruban écossais - filtrées en rouge, vert et bleu - et les ont composées en une seule image, ce qui a donné lieu à la première représentation multicolore d'un objet.

Avant cette innovation, les photographies étaient souvent teintées à la main. Dans les années 1890, des procédés de photographie en couleur ont été introduits sur la base de cette expérience des années 1860. Au début du 20e siècle ( ), les autochromes ont permis à la photographie en couleur d'atteindre un public commercial.

Aujourd'hui, la photographie en couleur est largement disponible, et ces photos historiques documentent des moments et des scènes qui sont encore vifs des générations plus tard. Les photographes des XXe et XXIe siècles ont offert de nouvelles perspectives dans le domaine en pleine évolution de la photographie moderne en couleur avec des portraits saisissants, des paysages enneigés, une architecture étonnante et bien d'autres choses encore.

Dans la volumineuse collection de photographies sur 1stDibs, retrouvez de vibrantes images en couleurs de Slim Aarons, Helen Levitt, Gordon Parks, Stefanie Schneider, Steve McCurry et d'autres artistes. Apportez un intérêt visuel à n'importe quel coin de votre maison avec une photographie en couleur - introduisez une galerie de style salon ou un autre arrangement qui s'adapte le mieux à votre espace.