Europe - Céramique

Pot carré en grès à décor abstrait par Georges Martin. Monogramme de l'artiste sous la base. Circa 1970-1980. Pièce unique.

Terre cuite avec sous-glaçure W37 cm

Importante sculpture en grès intitulée " Corps ascendant #6 ". Monogramme de l'artiste sous la base. Cette pièce peut être placée à l'intérieur ou à l'extérieur. Pièce unique. 2023.

Une sculpture en porcelaine de Wayne Fischer. Conditions d'origine parfaites. Signé. Pièce unique. 2022. Comment un objet inerte peut-il produire des émotions profondément insoupçon...

Un vase géométrique en céramique de Pierre Devie, France. Conditions d'origine parfaites. Signé et daté sous la base "Devie 1971". Pièce unique, ve...

Pot carré en grès à décor abstrait par Georges Martin. Monogramme de l'artiste sous la base. Circa 1970-1980. Pièce unique.

L'un des plus grands de nos pins est l'Acanthus. Les multiples couches de verre permettent d'obtenir une brillance inégalée. De forme majestueuse, ce cactus bleu et vert accrocheur e...

XVIIIe siècle Céramique étamée d34 cm

Grand vase tubulaire " Bambou " en grès émaillé noir de Jean-Pierre Bonardot. Monogramme de l'artiste sous la base. Pièce unique. Circa 1990. H : 30.3' X 6.3' X 5.1' pouces.

Sculpture en porcelaine intitulée "Solstice". Pièce unique. Signé sous la base. 2022.

Glaçage de la traînée d'olives H46 x W34 x D27 cm

Une sculpture en porcelaine de Wayne Fischer. Conditions d'origine parfaites. Signé. Pièce unique. 2022. Comment un objet inerte peut-il produire des émotions profondément insoupçon...

Gourde Pétale de Fusain I par Julie Nelson -Unique en son genre Dimensions : D 28 x H 22 cm Matériaux : Grès céramique et porcelaine. L'artiste Julie Nelson utilise la matérialité d...

Une sculpture en céramique "Bloc in motion" de Maarten Stuer. Cette pièce peut être placée à l'intérieur ou à l'extérieur. Monogramme de l'artiste sous la base. 2020. Pièce unique.

Panneau en céramique composé de 7 carreaux dont 4 personnages avec des masques vénitiens et des instruments de musique et 3 avec des points lumineux : 4 personnages avec des masques ...

Ce vase est fabriqué en terre cuite émaillée. Travail africain. Vers 1950.

A.I.C. H24 x D20 cm

Un vase en céramique d'Alexandre Foucher à La Borne. Conditions d'origine parfaites. Signé sous conditions. Circa 1970-1980.

Une sculpture abstraite en grès, vers 1970, par les Potiers de La Borne. Signé. Pièce unique.

Importante sculpture à ailes en grès émaillé noir de Jean-Pierre Bonardot. Signature manuscrite de l'artiste. Pièce unique. 2022. H : 29.5' x 7.08' x 7.5' pouces.

Un grand vase en céramique d'Eugène Lion à décor de glaçure. Signé sous la base « E. Lion ». Circa 1920.   

Argile à manivelle sculptée à la main avec de l'oxyde H21 x D21 cm

c.1970 Grès avec glaçure Tenmoku et Kaki H30 x D18 cm

Une sculpture en porcelaine de Wayne Fischer. Conditions d'origine parfaites. Signé. Pièce unique. 1997. Comment un objet inerte peut-il produire des émotions profondément insoupçonnées, indéchiffrables, incontrôlables ? Wayne Fischer est un artiste capable de créer des œuvres qui nous obligent à nous poser des questions aussi émouvantes que celle-ci. S'il ne sait pas pourquoi, s'il ne peut pas expliquer les raisons profondes de sa recherche artistique, il connaît certainement les rouages et les limites du processus artistique qu'il a inventé. Il n'a jamais dévié du cap qu'il s'est fixé depuis l'université : traduire la vie. Les œuvres présentées ici montrent l'évolution de ses créations au cours des trente dernières années. Si Wayne Fischer a reçu plusieurs prix internationaux et a rapidement obtenu la reconnaissance de ses pairs dans le domaine de la céramique, il conserve néanmoins une position singulière à la fois incontournable et dérangeante. Ses sculptures sont paradoxales, puissantes et sensuelles, et provoquent un certain malaise. Ils sont beaux, charnels, touchables, tout en étant en dehors de l'idée standard de la beauté. L'ambiguïté de l'attraction et du rejet est au cœur de cette évolution. Les pièces des années 1980 et 1990 s'imposent par leur taille, leur stature et leur symétrie, qui leur confèrent un équilibre. Ils suscitent la surprise, la curiosité et jouent sur des contrastes à la fois doux et agressifs. Ils font référence au corps, aux muscles et au torse, sans présenter une réalité exacte. Ils ont un double visage, sont séduisants et énigmatiques. Les formes de Wayne s'inspirent des coquillages, des bivalves, parfois présentés comme s'ils flottaient dans l'espace. Mais la référence du monde marin au mystérieux corps féminin n'a qu'une seule interprétation et seules l'histoire et l'émotion conditionnent la réaction du spectateur : il accepte ou refuse de voir, d'être séduit. On le touche ou il s'enfuit. Les sculptures plus récentes sont appréciées dans la plénitude de leur volume rond et la recherche d'une pure beauté universelle. " Métamorphose ", l'œuvre récemment récompensée par la Fondation Bettencourt, est issue de cette série de pièces tournées et déformées au tour, ce qui pousse la porcelaine de l'intérieur, de sorte que les renflements évoquent le mouvement des vagues ou la musculature de plusieurs corps. L'exactitude, les ruptures nettes, l'assurance des lignes et des vallées témoignent de la puissance intérieure qui régit la création. L'énergie vitale exprimée est également ressentie par l'artiste comme l'origine de la céramique. Toutes les pièces sont courbes et tendues. Elles ne présentent aucune marque, aucun signe de la main, aucune empreinte, et pourtant elles donnent une impression de spontanéité, comme si un morceau d'argile tombé par terre trouvait sa forme par hasard. Selon les angles, le contenu devient "les origines du monde". La féminité et la sensualité sont exaltées. Inspirées du corps, avant et après la naissance, ou simplement de la mer, les parties de la sculpture se conjuguent autour d'une mystérieuse cavité intérieure, secrète et troublante. Le mur intérieur ne correspond pas à l'extérieur et possède ses propres volumes, déformations et intimité. Les pièces présentent deux types d'intérieurs : l'un ouvert et partiellement découvert, l'autre totalement caché à l'intérieur. Les différences de leur déformation respective renforcent l'impression de vie : la représentation subjective de muscles et d'os, de renflements poussés par une force intérieure, comme un mouvement viscéral de respiration. La surface de la céramique est craquelée mais douce et fine, réfléchissant même la lumière comme la peau. Les nuances de couleur renforcent l'expression de la sensualité. L'alignement de la technique et de ce qu'elle nous fait voir et ressentir a rarement été aussi intimement réussi. Wayne Fischer a perfectionné sa technique dans les années 1970 et y est resté fidèle. Il ajoute des fibres à l'argile à porcelaine choisie pour sa blancheur afin de créer et d'accentuer le volume autour de l'espace vide, en assemblant des dalles ou des pièces jetées. Ensuite, il fabrique une autre pièce qui prend sa place à l'intérieur ; les deux pièces sont formées sans aucune marque de main avant ou après leur assemblage. Ces sculptures sont dites à double paroi. Les colorants sont appliqués à l'aérographe, puis recouverts d'une couche de glacis transparent. La pièce est colorée à la manière d'un peintre en maîtrisant la lumière. Les parties les plus sombres accentuent l'ombre et la profondeur, les parties les plus claires s'avancent et se concentrent sur la lumière. Après la cuisson à 1250o Celsius, chaque pièce est sablée pour enlever la brillance mais laisser la transparence, un doux crépitement et une illusion optique de profondeur. Cette description ne tient pas compte de la complexité et de la maîtrise nécessaire de ce procédé difficile et explique peut-être pourquoi cette technique fastidieuse n'a pas été reprise par d'autres céramistes. Cela demande un savoir unique que Wayne Fischer revendique avec détermination. "Vous devez sentir le matériau pour créer des pièces puissantes", dit-il. Une parfaite connaissance des matériaux est nécessaire pour exprimer ce que vous souhaitez, mais il est tout aussi important d'avoir quelque chose à dire avec cette technique. Wayne est un artiste avant tout. Dès qu'il se réveille, peu importe ce qu'il fait, Wayne est un artiste au point d'être parfois déconnecté de la réalité. Il ne fait aucune concession dans son processus, ni dans le temps qu'il consacre au travail. Il n'a pas cherché un emploi bien rémunéré, il n'a pas abandonné son art malgré les souffrances et les sacrifices, ou les tensions causées par son attitude intransigeante. Sa persévérance et son obstination ont permis de maintenir ses sculptures au plus haut niveau de qualité. En dehors des tendances artistiques contemporaines, sans appartenir à aucun mouvement, sans référence à la sculpture du XXe siècle qui a privilégié d'autres matériaux et techniques, Wayne Fischer innove. Son style n'appartient qu'à lui. Elle parle du corps sans être figurative, mais n'est pas vraiment abstraite car les pièces exsudent l'érotisme. Dans le respect de la simplicité des formes (influencé durant ses études par le travail de Barbara Hepworth), Wayne Fischer aborde l'inconscient et cherche à créer une discorde qu'il ressent lui-même par rapport aux œuvres de Bacon, Goya et Magdalena Abakanowicz. Il montre, comme Bernard Dejonghe...

Une tasse en céramique à décor de glaçure beige par François Eve. Signé sous le socle "Eve". Conditions d'origine parfaites, vers 1980-1990.

Sculpture en grès émaillé et engobé par Jean-Pierre Bonardot. Signature de l'artiste sous la base " JP Bonardot 99 ". Pièce unique. 1999. H : 7.08' x 21.6' x 13.8' pouces.

Faïence peinte H45 x D20 cm

Sculpture en grès émaillé et engobé par Jean-Pierre Bonardot. Signature de l'artiste sous la base " JP Bonardot 05 ". Pièce unique. 2005. H : 18.1' x 11.8' x 7.08' pouces.

Importante sculpture à ailes en grès émaillé noir de Jean-Pierre Bonardot. Signature manuscrite de l'artiste. Pièce unique. 2022. H : 23.6' x 7.08' x 7.08' pouces.

Un exceptionnel plat en céramique à décor de glaçures abstraites par Jean Linard à La Borne, vers 1970. Conditions parfaites. Signé sous le socle " Linard ". Pièce unique.

Décoration Tenmoku sur glaçure brune H43 x D13 cm

Une sculpture en porcelaine de Wayne Fischer. Conditions d'origine parfaites. Signé. Pièce unique. 2022. Comment un objet inerte peut-il produire des émotions profondément insoupçon...

Céramique H19 x D26 cm

Grès H27 x W13cm

Glaçage du grès de Tenmoku et de Kaki H29 cm

Grand paravent en biscuit de porcelaine à quatre feuilles réglables d'Anne Barrès. Signature de l'artiste au dos. Circa 2010. Pièce unique. St...

Grès H46 x W21 x D21 cm

Céramique H6 x P13,5 cm

Sculpture en porcelaine intitulée "Solstice" . Pièce unique. Signé sous la base. 2022.   

Grande sculpture murale intitulée " Grande voile " en terre grise et barres d'armature d'Anne Barrès. Circa 1970-1980. Pièce unique. H : 19.7' x 59.4' x 4.1' pouces.

Vase en céramique de Jacques Pouchain et l' Atelier Dieulefit. Conditions d'origine parfaites. Signé sous la base. Circa 1970-1980. Pièce unique.

Vase en céramique cuite au feu de bois d'Eric Astoul. Signature de l'artiste sous la base. 1987. H : 12.6' x 9.8' pouces.

Sculpture murale en grès émaillé intitulée " Burka " par Anne Barrès. Signature de l'artiste au dos " Anne Barrès ". vers 2000-2010. Pièce unique. Peut être exposée à l'intérieur ...

Céramique en forme de chèvre estampillée Dominique Pouchain. Pour l'expédition, demandez-nous le meilleur prix.

Sculpture en porcelaine de Wayne Fischer. Conditions d'origine parfaites. Signé. Pièce unique. 2015. Comment un objet inerte peut-il produire des émotions profondément insoupçonnées...

Sculpture murale en céramique décorée de glaçures blanches et vertes. Dans le style de Sainte Radegonde. Conditions d'origine parfaites. Circa 1960.

Céramique majolique en relief dans le style de Giovanni De Maio 45 disponibles. Bon état. Remerciements

Un grand plat en céramique de Gustave Bigli. Conditions d'origine parfaites. Circa 1970-1980. Signé sous la base.

Grès émaillé Tenmoku avec marque de fabrique H22 cm

Sculpture en porcelaine intitulée "Solstice" . Pièce unique. Signé sous la base. 2022.   

Grès H25 x L18 x P13 cm

Sculpture zoomorphe en céramique de Pierre Roulot. Conditions d'origine parfaites. Signé sous la base "Roulot". vers 1950-1960.

Glaçure noire tenmoku, impressionnée par les monogrammes de l'artiste et la marque Ainstable H36 x D18 cm

Grand paravent à quatre feuilles en grès émaillé d'Anne Barrès. Signature de l'artiste sous la base. Circa 2000-2010. Pièce unique. Peut être affiché à l'intérieur ou à l'extérieur....

Gabriele Pütz, œuvre d'art vintage en céramique de réalisme abstrait, fabriquée en Allemagne en 1982. Cette œuvre est composée d'une tour / d'un pilier rond en argile avec des détail...

Une sculpture en porcelaine de Wayne Fischer. Conditions d'origine parfaites. Signé. Pièce unique. 2022. Comment un objet inerte peut-il produire des émotions profondément insoupçonnées, indéchiffrables, incontrôlables ? Wayne Fischer est un artiste capable de créer des œuvres qui nous obligent à nous poser des questions aussi émouvantes que celle-ci. S'il ne sait pas pourquoi, s'il ne peut pas expliquer les raisons profondes de sa recherche artistique, il connaît certainement les rouages et les limites du processus artistique qu'il a inventé. Il n'a jamais dévié du cap qu'il s'est fixé depuis l'université : traduire la vie. Les œuvres présentées ici montrent l'évolution de ses créations au cours des trente dernières années. Si Wayne Fischer a reçu plusieurs prix internationaux et a rapidement obtenu la reconnaissance de ses pairs dans le domaine de la céramique, il conserve néanmoins une position singulière à la fois incontournable et dérangeante. Ses sculptures sont paradoxales, puissantes et sensuelles, et provoquent un certain malaise. Ils sont beaux, charnels, touchables, tout en étant en dehors de l'idée standard de la beauté. L'ambiguïté de l'attraction et du rejet est au cœur de cette évolution. Les pièces des années 1980 et 1990 s'imposent par leur taille, leur stature et leur symétrie, qui leur confèrent un équilibre. Ils suscitent la surprise, la curiosité et jouent sur des contrastes à la fois doux et agressifs. Ils font référence au corps, aux muscles et au torse, sans présenter une réalité exacte. Ils ont un double visage, sont séduisants et énigmatiques. Les formes de Wayne s'inspirent des coquillages, des bivalves, parfois présentés comme s'ils flottaient dans l'espace. Mais la référence du monde marin au mystérieux corps féminin n'a qu'une seule interprétation et seules l'histoire et l'émotion conditionnent la réaction du spectateur : il accepte ou refuse de voir, d'être séduit. On le touche ou il s'enfuit. Les sculptures plus récentes sont appréciées dans la plénitude de leur volume rond et la recherche d'une pure beauté universelle. " Métamorphose ", l'œuvre récemment récompensée par la Fondation Bettencourt, est issue de cette série de pièces tournées et déformées au tour, ce qui pousse la porcelaine de l'intérieur, de sorte que les renflements évoquent le mouvement des vagues ou la musculature de plusieurs corps. L'exactitude, les ruptures nettes, l'assurance des lignes et des vallées témoignent de la puissance intérieure qui régit la création. L'énergie vitale exprimée est également ressentie par l'artiste comme l'origine de la céramique. Toutes les pièces sont courbes et tendues. Elles ne présentent aucune marque, aucun signe de la main, aucune empreinte, et pourtant elles donnent une impression de spontanéité, comme si un morceau d'argile tombé par terre trouvait sa forme par hasard. Selon les angles, le contenu devient "les origines du monde". La féminité et la sensualité sont exaltées. Inspirées du corps, avant et après la naissance, ou simplement de la mer, les parties de la sculpture se conjuguent autour d'une mystérieuse cavité intérieure, secrète et troublante. Le mur intérieur ne correspond pas à l'extérieur et possède ses propres volumes, déformations et intimité. Les pièces présentent deux types d'intérieurs : l'un ouvert et partiellement découvert, l'autre totalement caché à l'intérieur. Les différences de leur déformation respective renforcent l'impression de vie : la représentation subjective de muscles et d'os, de renflements poussés par une force intérieure, comme un mouvement viscéral de respiration. La surface de la céramique est craquelée mais douce et fine, réfléchissant même la lumière comme la peau. Les nuances de couleur renforcent l'expression de la sensualité. L'alignement de la technique et de ce qu'elle nous fait voir et ressentir a rarement été aussi intimement réussi. Wayne Fischer a perfectionné sa technique dans les années 1970 et y est resté fidèle. Il ajoute des fibres à l'argile à porcelaine choisie pour sa blancheur afin de créer et d'accentuer le volume autour de l'espace vide, en assemblant des dalles ou des pièces jetées. Ensuite, il fabrique une autre pièce qui prend sa place à l'intérieur ; les deux pièces sont formées sans aucune marque de main avant ou après leur assemblage. Ces sculptures sont dites à double paroi. Les colorants sont appliqués à l'aérographe, puis vaporisés d'une couche de glacis transparent. La pièce est colorée à la manière d'un peintre en maîtrisant la lumière. Les parties les plus sombres accentuent l'ombre et la profondeur, les parties les plus claires s'avancent et se concentrent sur la lumière. Après la cuisson à 1250o Celsius, chaque pièce est sablée pour enlever la brillance mais laisser la transparence, un doux crépitement et une illusion optique de profondeur. Cette description ne tient pas compte de la complexité et de la maîtrise nécessaire de ce procédé difficile et explique peut-être pourquoi cette technique fastidieuse n'a pas été reprise par d'autres céramistes. Cela demande un savoir unique que Wayne Fischer revendique avec détermination. "Vous devez sentir le matériau pour créer des pièces puissantes", dit-il. Une parfaite connaissance des matériaux est nécessaire pour exprimer ce que vous souhaitez, mais il est tout aussi important d'avoir quelque chose à dire avec cette technique. Wayne est un artiste avant tout. Dès qu'il se réveille, peu importe ce qu'il fait, Wayne est un artiste au point d'être parfois déconnecté de la réalité. Il ne fait aucune concession dans son processus, ni dans le temps qu'il consacre au travail. Il n'a pas cherché un emploi bien rémunéré, il n'a pas abandonné son art malgré les souffrances et les sacrifices, ou les tensions causées par son attitude intransigeante. Sa persévérance et son obstination ont permis de maintenir ses sculptures au plus haut niveau de qualité. En dehors des tendances artistiques contemporaines, sans appartenir à aucun mouvement, sans référence à la sculpture du XXe siècle qui a privilégié d'autres matériaux et techniques, Wayne Fischer innove. Son style n'appartient qu'à lui. Elle parle du corps sans être figurative, mais n'est pas vraiment abstraite car les pièces exsudent l'érotisme. Dans le respect de la simplicité des formes (influencé durant ses études par le travail de Barbara Hepworth), Wayne Fischer aborde l'inconscient et cherche à créer une discorde qu'il ressent lui-même par rapport aux œuvres de Bacon, Goya et Magdalena Abakanowicz. Il montre, comme Bernard Dejonghe...

Une sculpture en porcelaine de Wayne Fischer. Conditions d'origine parfaites. Signé. Pièce unique. 2022. Comment un objet inerte peut-il produire des émotions profondément insoupçonnées, indéchiffrables, incontrôlables ? Wayne Fischer est un artiste capable de créer des œuvres qui nous obligent à nous poser des questions aussi émouvantes que celle-ci. S'il ne sait pas pourquoi, s'il ne peut pas expliquer les raisons profondes de sa recherche artistique, il connaît certainement les rouages et les limites du processus artistique qu'il a inventé. Il n'a jamais dévié du cap qu'il s'est fixé depuis l'université : traduire la vie. Les œuvres présentées ici montrent l'évolution de ses créations au cours des trente dernières années. Si Wayne Fischer a reçu plusieurs prix internationaux et a rapidement obtenu la reconnaissance de ses pairs dans le domaine de la céramique, il conserve néanmoins une position singulière à la fois incontournable et dérangeante. Ses sculptures sont paradoxales, puissantes et sensuelles, et provoquent un certain malaise. Ils sont beaux, charnels, touchables, tout en étant en dehors de l'idée standard de la beauté. L'ambiguïté de l'attraction et du rejet est au cœur de cette évolution. Les pièces des années 1980 et 1990 s'imposent par leur taille, leur stature et leur symétrie, qui leur confèrent un équilibre. Ils suscitent la surprise, la curiosité et jouent sur des contrastes à la fois doux et agressifs. Ils font référence au corps, aux muscles et au torse, sans présenter une réalité exacte. Ils ont un double visage, sont séduisants et énigmatiques. Les formes de Wayne s'inspirent des coquillages, des bivalves, parfois présentés comme s'ils flottaient dans l'espace. Mais la référence du monde marin au mystérieux corps féminin n'a qu'une seule interprétation et seules l'histoire et l'émotion conditionnent la réaction du spectateur : il accepte ou refuse de voir, d'être séduit. On le touche ou il s'enfuit. Les sculptures plus récentes sont appréciées dans la plénitude de leur volume rond et la recherche d'une pure beauté universelle. " Métamorphose ", l'œuvre récemment récompensée par la Fondation Bettencourt, est issue de cette série de pièces tournées et déformées au tour, ce qui pousse la porcelaine de l'intérieur, de sorte que les renflements évoquent le mouvement des vagues ou la musculature de plusieurs corps. L'exactitude, les ruptures nettes, l'assurance des lignes et des vallées témoignent de la puissance intérieure qui régit la création. L'énergie vitale exprimée est également ressentie par l'artiste comme l'origine de la céramique. Toutes les pièces sont courbes et tendues. Ils ne présentent aucune marque, aucun signe de la main, aucune empreinte, et pourtant, ils donnent une impression de spontanéité, comme si un morceau d'argile tombé par terre trouvait sa forme par hasard. Selon les angles, le contenu devient "les origines du monde". La féminité et la sensualité sont exaltées. Inspirées du corps, avant et après la naissance, ou simplement de la mer, les parties de la sculpture se conjuguent autour d'une mystérieuse cavité intérieure, secrète et troublante. Le mur intérieur ne correspond pas à l'extérieur et possède ses propres volumes, déformations et intimité. Les pièces présentent deux types d'intérieurs : l'un ouvert et partiellement découvert, l'autre totalement caché à l'intérieur. Les différences de leur déformation respective renforcent l'impression de vie : la représentation subjective de muscles et d'os, de renflements poussés par une force intérieure, comme un mouvement viscéral de respiration. La surface de la céramique est craquelée mais douce et fine, réfléchissant même la lumière comme la peau. Les nuances de couleur renforcent l'expression de la sensualité. L'alignement de la technique et de ce qu'elle nous fait voir et ressentir a rarement été aussi intimement réussi. Wayne Fischer a perfectionné sa technique dans les années 1970 et y est resté fidèle. Il ajoute des fibres à l'argile à porcelaine choisie pour sa blancheur afin de créer et d'accentuer le volume autour de l'espace vide, en assemblant des dalles ou des pièces jetées. Ensuite, il fabrique une autre pièce qui prend sa place à l'intérieur ; les deux pièces sont formées sans aucune marque de main avant ou après leur assemblage. Ces sculptures sont dites à double paroi. Les colorants sont appliqués à l'aérographe, puis recouverts d'une couche de glacis transparent. La pièce est colorée à la manière d'un peintre en maîtrisant la lumière. Les parties les plus sombres accentuent l'ombre et la profondeur, les parties les plus claires s'avancent et se concentrent sur la lumière. Après la cuisson à 1250o Celsius, chaque pièce est sablée pour enlever la brillance mais laisser la transparence, un doux craquement et une illusion optique de profondeur. Cette description ne tient pas compte de la complexité et de la maîtrise nécessaire de ce procédé difficile et explique peut-être pourquoi cette technique fastidieuse n'a pas été reprise par d'autres céramistes. Cela demande un savoir unique que Wayne Fischer revendique avec détermination. "Vous devez sentir le matériau pour créer des pièces puissantes", dit-il. Une parfaite connaissance des matériaux est nécessaire pour exprimer ce que vous souhaitez, mais il est tout aussi important d'avoir quelque chose à dire avec cette technique. Wayne est un artiste avant tout. Dès qu'il se réveille, peu importe ce qu'il fait, Wayne est un artiste au point d'être parfois déconnecté de la réalité. Il ne fait aucune concession dans son processus, ni dans le temps qu'il consacre au travail. Il n'a pas cherché un emploi bien rémunéré, il n'a pas abandonné son art malgré les souffrances et les sacrifices, ou les tensions causées par son attitude intransigeante. Sa persévérance et son obstination ont permis de maintenir ses sculptures au plus haut niveau de qualité. En dehors des tendances artistiques contemporaines, sans appartenir à aucun mouvement, sans référence à la sculpture du XXe siècle qui a privilégié d'autres matériaux et techniques, Wayne Fischer innove. Son style n'appartient qu'à lui. Elle parle du corps sans être figurative, mais n'est pas vraiment abstraite car les pièces exsudent l'érotisme. Dans le respect de la simplicité des formes (influencé durant ses études par le travail de Barbara Hepworth), Wayne Fischer aborde l'inconscient et cherche à créer une discorde qu'il ressent lui-même par rapport aux œuvres de Bacon, Goya et Magdalena Abakanowicz. Il montre, comme Bernard Dejonghe...

Une sculpture en porcelaine de Wayne Fischer. Conditions d'origine parfaites. Signé. Pièce unique. 2022. Comment un objet inerte peut-il produire des émotions profondément insoupçon...

Une sculpture en porcelaine de Wayne Fischer. Conditions d'origine parfaites. Signé. Pièce unique. 2022. Comment un objet inerte peut-il produire des émotions profondément insoupçon...

Sculpture en porcelaine de Wayne Fischer. Conditions d'origine parfaites. Signé. Pièce unique. 1989. Comment un objet inerte peut-il produire des émotions profondément insoupçonnées, indéchiffrables, incontrôlables ? Wayne Fischer est un artiste capable de créer des œuvres qui obligent à se poser des questions aussi émouvantes que celle-ci. S'il ne sait pas pourquoi, s'il ne peut expliquer les raisons profondes de sa recherche artistique, il connaît à coup sûr les rouages et les limites du processus artistique qu'il a inventé. Il n'a jamais dévié de la voie qu'il s'était tracée depuis l'université : traduire la vie. Les œuvres présentées ici montrent l'évolution de ses créations au cours des trente dernières années. Si Wayne Fischer a reçu plusieurs prix internationaux et a rapidement obtenu la reconnaissance de ses pairs en céramique, il n'en conserve pas moins une position singulière à la fois incontournable et dérangeante. Ses sculptures sont paradoxales, puissantes et sensuelles, et provoquent un certain malaise. Elles sont belles, charnelles, touchables, tout en étant en dehors de l'idée standard de la beauté. L'ambiguïté de l'attirance et du rejet est au cœur de cette évolution. Les pièces des années 80 et 90 s'imposent par leur taille, leur stature et leur symétrie, qui leur confèrent un équilibre. Ils suscitent la surprise, la curiosité et jouent sur des contrastes à la fois doux et agressifs. Ils font référence au corps, aux muscles, au torse, sans présenter une réalité exacte. Ils sont à double face, séduisants et énigmatiques. Les formes de Wayne s'inspirent des coquillages, des bivalves, parfois présentés comme flottant dans l'espace. Mais la référence du monde marin au mystérieux corps féminin n'a qu'une interprétation et seules l'histoire et l'émotion conditionnent la réaction du spectateur : il accepte ou refuse de voir, d'être séduit. Il est touché ou il s'enfuit. Les sculptures plus récentes sont appréciées dans la plénitude de leur volume rond et la recherche d'une pure beauté universelle. "Metamorphosis", l'œuvre récemment primée par la Fondation Bettencourt, est issue de cette série de pièces tournées au tour et déformées, ce qui pousse la porcelaine de l'intérieur de sorte que les renflements évoquent le mouvement des vagues ou la musculature de plusieurs corps. La précision, les ruptures nettes, l'assurance des lignes et des vallées témoignent de la puissance intérieure qui gouverne la création. L'énergie vitale exprimée est également ressentie par l'artiste comme l'origine de la céramique. Toutes les pièces sont incurvées et tendues. Elles ne présentent aucun marquage, aucun signe de la main, aucune empreinte, et donnent pourtant une impression de spontanéité, comme si un morceau d'argile tombé à terre trouvait sa forme par hasard. Selon les angles, le contenu devient "les origines du monde". La féminité et la sensualité sont exaltées. Inspirées du corps, avant et après la naissance, ou tout simplement de la mer, les parties de la sculpture se conjuguent autour d'une mystérieuse cavité intérieure, secrète et troublante. Le mur intérieur ne correspond pas à l'extérieur, il a ses propres volumes, ses déformations et son intimité. Les pièces présentent deux types d'intérieurs : l'un ouvert et partiellement découvert, l'autre totalement caché à l'intérieur. Les différences de leurs déformations respectives renforcent l'impression de vie : la représentation subjective des muscles et des os, des bourrelets poussés par une force intérieure, comme un mouvement viscéral de respiration. La surface de la céramique est craquelée mais douce et fine, reflétant même la lumière comme la peau. Les nuances de couleurs renforcent l'expression de la sensualité. L'alignement de la technique et de ce qu'elle fait voir et ressentir a rarement été aussi intimement réussi. Wayne Fischer a perfectionné sa technique dans les années 1970 et y est resté fidèle. Il ajoute des fibres à l'argile à porcelaine choisie pour sa blancheur afin de créer et d'accentuer le volume autour de l'espace vide, en assemblant des dalles ou des pièces jetées. Ensuite, il fabrique une autre pièce qui prend sa place à l'intérieur ; les deux pièces sont formées sans aucune marque de main avant ou après leur assemblage. Ces sculptures sont dites à double paroi. Les colorants sont appliqués à l'aérographe, puis vaporisés d'une couche de glacis transparent. La pièce est colorée à la manière d'un peintre maîtrisant la lumière. Les parties plus sombres accentuent l'ombre et la profondeur, les parties plus pâles s'avancent et se concentrent sur la lumière. Après une cuisson à 1250o Celsius, chaque pièce est sablée pour enlever la brillance mais laisser la transparence, un doux crépitement et une illusion optique de profondeur. Cette description ne tient pas compte de la complexité et de la maîtrise nécessaire de ce processus difficile et explique peut-être pourquoi cette technique fastidieuse n'a pas été reprise par d'autres céramistes. Elle exige une connaissance unique que Wayne Fischer revendique avec détermination. "Il faut sentir le matériau pour créer des pièces puissantes", explique-t-il. Une parfaite connaissance des matériaux est nécessaire pour exprimer ce que l'on souhaite, mais il est tout aussi important d'avoir quelque chose à dire avec cette technique. Wayne est avant tout un artiste. Dès son réveil, quoi qu'il fasse, Wayne est un artiste au point d'être parfois déconnecté de la réalité. Il ne fait aucune concession dans son processus, ni dans le temps qu'il consacre au travail. Il n'a pas cherché un emploi bien rémunéré, il n'a pas abandonné son art malgré les souffrances et les sacrifices, ou les tensions provoquées par son attitude intransigeante. Sa persévérance et son obstination ont permis de maintenir la qualité de ses sculptures au plus haut niveau. En dehors des tendances artistiques contemporaines, sans appartenir à aucun mouvement, sans référence à la sculpture du XXe siècle qui a privilégié d'autres matériaux et d'autres techniques, Wayne Fischer innove. Son style lui est propre. Elle parle du corps sans être figurative, mais n'est pas vraiment abstraite car les pièces exsudent l'érotisme. Dans le respect de la simplicité des formes (influencé pendant ses études par le travail de Barbara Hepworth), Wayne Fischer aborde l'inconscient et cherche à créer une discorde qu'il ressent lui-même en relation avec les œuvres de Bacon, Goya et Magdalena Abakanowicz. Il montre, comme le fait Bernard Dejonghe...