Dessins et aquarelles - Expressionnisme abstrait

Tableaux de décoration intérieure. Le travail a été réalisé à l'encre de Chine en couleur noire sur du papier Yupo. L'œuvre est d'une taille de 11 par 14 pouces, encadrée d'un visage...

Mark di Suvero Projet de sculpture à Chalon-sur-Saône, 1992 Marqueur, aquarelle et lavis d'encre sur papier. Signée et datée à la main par l'artiste en bas à droite sur le devant. Ca...

Composition expressionniste abstraite par Jacques COULAIS (1955-2011) peinture à la gouache sur papier/carte sans cadre : 7.5 x 7.5 pouces état : très bon et impressionnant provenanc...

Composition abstraite (c.2022) de Robert Somerton, britannique, né en 1972. daté du 18 encre/ aquarelle sur papier d'art, non encadré taille : 9.5 x 12.5 pouces état : excellent

L'Archange, 2020 collage sur papier 15 3/4 H x 11 13/16 W in. 40 H x 30 L cm Les collages de l'artiste décrivent une série de visages composés de différents matériaux - cartons, tex...

aquarelle sur papier signé à la main unique en son genre

Expressionnisme abstrait, pastel sur papier noir de l'artiste anglais John McQuirk. Signé en bas à droite. L'œuvre de McQuirk est un exemple d'art outsider ou d'art brut. Né en 19...

taille du cadre : 27,5" x 25,5".

Superbe œuvre d'époque des années 1960 - très proche en tous points des dernières œuvres de Pablo Picasso. L'œuvre n'est pas signée mais nous pensons qu'elle est d'origine française....

Mark di Suvero Esquisse pour le van Abbemuseum, Eindhoven, 1972 Lavis au marqueur sur papier Signée au crayon graphite par l'artiste sur le devant en bas à droite. Encadrement inclus...

Seymour Lipton Étude pour la sculpture de l'oiseau du Pacifique, 1965 Crayon sur papier (signé et daté à la main, dans le cadre Kulicke avec l'étiquette de la galerie Marborough-Gers...

Sans titre, 2016 Silicone blanc sur papier 78 × 58 3/10 in 198 × 148 cm Signé au dos Berszán dépeint dans ses dessins et ses peintures l'agitation primaire où la violence de la dél...

Graphite et acrylique sur lin - Non encadré Cette peinture abstraite fluide est réalisée intuitivement avec un pinceau chargé de graphite et d'acrylique sur lin. Les formes multico...

"Wild Dance" est un dessin expressif improvisé qui traduit une impulsion née dans l'espace des sensations. L'œuvre est réalisée à l'encre et au pastel bleu sur papier blanc. "Chaque...

Herbert Ferber Sans titre, 1968 Unique Encre et lavis de couleur sur papier Signé et daté à la main par l'artiste au recto. Encadré avec l'étiquette originale de la Label (a) Gallery (sous la direction respectée de Larry Rubin) Cet excellent dessin sculptural sans titre a été réalisé par le célèbre sculpteur et peintre expressionniste abstrait, Herbert Ferber. Signé et daté à la main par l'artiste au recto. Encadré et prêt à être accroché, en bon état vintage. L'œuvre porte l'étiquette originale de la galerie Knoedler, sous la direction prestigieuse de Lawrence Rubin. Mesures : Cadre : 16 1/4 x 16 1/4 x 1/2 pouces Feuille : 11 x 14 pouces Provenance : Porte au dos l'étiquette de Knoedler and Company. De la galerie originale Knoedler sous la direction de Larry Rubin. Herbert Ferber Biographie (1906-1991) L'un des rares artistes de l'expressionnisme abstrait à travailler en trois dimensions, Herbert Ferber a exploré les préoccupations de son époque dans des sculptures dynamiques et visuellement intéressantes au cours d'une carrière qui exprime de manière unique le vocabulaire artistique collectif au milieu du siècle. Dans un ensemble d'œuvres qui s'étend sur plusieurs décennies, la pratique sculpturale de Ferber se développe lentement et de manière réfléchie pour incorporer des éléments du surréalisme, du réalisme social et de l'expressionnisme. Après quelques travaux en taille directe sur bois, Ferber est allé "au-delà du monolithe" au début des années 1940 sous la forme de bronze modelé. (1) Cela a permis à l'artiste d'explorer des formes plus atténuées et expressionnistes et d'ouvrir sa pratique à certaines influences surréalistes auxquelles ses contemporains s'intéressaient également. C'est également à cette époque que Ferber passe à l'abstraction totale, ses formes amincies ressemblant de plus en plus à des dessins dans l'espace. Le dessin est en effet une composante importante du processus de Ferber, et plusieurs travaux préparatoires sur papier précèdent chaque œuvre sculpturale. Le dessin "a permis à Ferber d'assouplir et d'ouvrir ses formes et de se libérer d'une image spécifique et littérale pour aller vers la simplification et la fluidité" dans la sculpture. (2) Dans les années 1950 et 1960, Ferber a exploré la relation entre les lignes organiques et géométriques, notamment dans sa série de sculptures "en cage". Ces œuvres à grande échelle présentaient des formes organiques étendues contenues dans des dispositifs d'encadrement strictement rectilignes. L'artiste joue également avec les limites de l'équilibre et du contrepoids dans des sculptures à la fois grandes et petites. Cette œuvre sans titre de 1966 incarne ces deux directions dans le travail de Ferber. La forme organique du cercle tourbillonnant est interrompue par la géométrie agressive des lignes de Ferber dans l'espace. L'ensemble de la forme penche aussi dynamiquement d'un côté, contrebalancé par le petit socle sur lequel elle repose. Né à New York en 1906, Ferber a fréquenté le City College de New York de 1923 à 1926, se spécialisant dans les sciences tout en développant un intérêt pour les beaux-arts et les sciences humaines. Il a ensuite étudié la dentisterie et la chirurgie buccale à l'université de Columbia, où il a obtenu son doctorat. Pendant ses études de médecine, Ferber a dû faire des dessins anatomiques ; c'est là qu'il a découvert pour la première fois ses talents d'artiste. Tout en fréquentant l'école dentaire, il s'est également inscrit à l'Institut de design des Beaux-Arts de 1927 à 1930. Ferber a en effet exercé la profession de dentiste pendant plusieurs années et a également enseigné la dentisterie à temps partiel à Columbia jusqu'au milieu des années 1970, époque à laquelle il s'est entièrement consacré à la sculpture. Dans les années 1930-1931, Ferber réalise ses premières sculptures sur bois et, à la fin de l'année 1932, il s'est pleinement approprié ce médium. Ses premiers travaux étaient représentatifs - souvent de la forme humaine - ce qui est probablement une réponse directe à ses dessins d'anatomie en tant qu'étudiant en médecine. Au fil des années, son travail devient de plus en plus abstrait. Après sa période de représentation stricte, Ferber se préoccupe de plus en plus des causes sociales. Son œuvre a pris une tournure particulièrement socio-réaliste en s'intéressant à l'évolution du climat social, politique et économique des années 1930. C'est à cette même époque, vers 1936, qu'il adhère à un club John Reed et à l'Artist's Union. Tout en participant à ces organisations, il assiste aux conférences des influents muralistes socialistes mexicains José Clemente Orozco et David Alfaro Siqueiros, qui se rendent à New York pour faire connaître l'art social-réaliste. Cependant, à la fin des années 1930, Ferber est désillusionné par la politique stalinienne et commence à se détacher de John Reed et de l'Artist's Union. Les thèmes du réalisme social sont restés quelque peu présents dans son travail par la suite, mais de manière moins littérale. Sa première exposition personnelle, composée d'œuvres en bois, a eu lieu en 1937 à la Midtown Gallery de New York. Avant la fin des années 1940, il avait abandonné le bois comme support, insistant sur le fait qu'il avait fait tout ce qu'il pouvait avec ce matériau. Comme pour de nombreux artistes américains qui ont passé leurs années de formation de ce côté-ci de l'Atlantique, le premier voyage de Ferber en Europe a été particulièrement influent. En 1938, il a visité un grand nombre d'églises et de cathédrales en France et en Italie et a été particulièrement influencé par la sculpture romane, notamment celle de Moissac, Souillac et Carcassone. Entre 1938 et 1945, son œuvre est fortement marquée par ce qu'il appelle la "fausse perspective" des chapiteaux romans. Au fur et à mesure de sa carrière, Ferber a expérimenté de plus en plus de types de métaux et de manières différentes d'obtenir une forme structurelle saine. Pour Ferber, cependant, les matériaux étaient une question de pragmatisme. Il s'est souvent élevé avec force contre la fétichisation des matériaux - sa plus grande critique du Bauhaus. Il pensait que les idées étaient au cœur de l'art la fabrication, et non les techniques ou les matériaux (3). Une partie importante du processus de Ferber, qui découle directement de l'influence d'Henry Moore, est la phase de dessin. Boursier William C. AGE va jusqu'à qualifier Ferber de "dessinateur compulsif", dont les études sont de véritables dessins au lavis qui s'apparentent à des peintures. AGE cite le processus de dessin de Ferber comme une contrainte importante dans son identité d'artiste. Son intérêt pour le dessin combiné à son affection pour Miró et Picasso indique que Ferber, Alexander Calder, David Smith et d'autres artistes de cette génération ne souhaitaient plus tracer une délimitation distincte entre la peinture et la sculpture (4). Ferber, Smith, Calder et Theodore Roszak ont tous commencé comme peintres avant de passer aux trois dimensions, et étaient donc plus enclins à ignorer les barrières entre les médiums. Cette approche de la sculpture se retrouve dans des œuvres de Ferber telles que Metamorphosis I...

Diana Kurz Nature morte, 1966 Signé et daté en bas à droite Pastel sur papier 19 3/4 x 25 1/2 pouces Diana Kurz (née en 1936) est une peintre féministe d'origine autrichienne. En 1...

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Carl-Henning Pedersen (Danemark, 1913 - 2007) La Terre bleue II, 1971 Aquarelle sur papier Signé et daté en bas à droite, signé, daté et titré au verso 30.5 x 21.5 pouces Carl-Henning Pedersen est né à Copenhague en 1913. Très jeune, il commence à participer à la vie politique, d'abord dans l'association de jeunesse des sociaux-démocrates, puis dans l'association de jeunesse des communistes, qui correspond mieux à sa nature d'activiste révolutionnaire contre le fascisme. En 1933, il fréquente le lycée public de Humblebaek où il rencontre la peintre Else Alfelt, qu'il épousera en 1934 et avec qui il aura deux filles. Pendant de nombreuses années, la famille a partagé son temps entre Copenhague et la ville de Bovbjerg, située au bord de la mer du Nord, où Carl et Else avaient un studio. Entre 1935 et 1940, Pedersen commence à dessiner et à peindre. Il a exposé pour la première fois, avec sa femme, au "Kunstnernes Efterårsudstilling" (Exposition d'automne des artistes) à Copenhague en 1936. Condit s'est associé aux jeunes peintres proches des mouvements abstraits et, comme eux, a travaillé dans des conditions difficiles. Il se rend à Paris en 1939, où il rencontre les œuvres de Picasso, Matisse et Chagall. Entre 1940 et 1945, il a collaboré à la revue Helhesten. Dans la même revue, Pedersen publie le texte "Arte astratta o arte immaginaria", qui fournit la définition la plus complète et la plus précise, à ce jour, des principes de travail de la jeune génération de peintres dont il fait partie. Cette définition, à bien des égards, était proche de celle qui allait être le programme du groupe Cobra. Entre 1945 et 1960, les artistes danois sont partis à l'étranger et ont fondé, avec des artistes néerlandais et belges, le groupe Cobra, actif entre 1948 et 1951. Pendant cette période, en 1948, Pedersen participe à la Biennale de Venise. Il a beaucoup exposé avec Cobra dans des expositions telles que sa première exposition importante qui s'est tenue au Stedelijk Museum d'Amsterdam en 1949, "International Experimental Art". Par la suite, Pedersen prend ses distances avec le groupe et commence à voyager fréquemment. Il s'est rendu en Grèce, en Italie, en France, en Suisse, en Norvège, en Laponie, en Islande, en Turquie, au Népal et à Jérusalem. Il a reçu le prix Eckersberg en 1950 de l'Académie royale danoise des arts. En 1952, il participe à l'exposition "Contemporary Drawings...

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Aquarelle aux couleurs vives d'un artiste de rue californien des années 1970, réalisée dans un style coloré et expressif, par Hope Tepley (Américain, 1919-2010). Signé "Tepley" dans ...

Un autre travail de visage de babouin de la très talentueuse fourmi Pearce. C'est intelligent. Encre sur papier

Encre et aquarelle sur papier Doïna Vieru est une artiste équatorienne-moldave née en 1978 qui vit et travaille en France, à Paris. Elle a toujours préféré pas/pas/passionnément l'i...

The Sole Letter of Freedom est un dessin réalisé par la peintre et poétesse iranienne Parimah Avani en 2022. Encre de Chine et acrylique sur papier couleur ivoire. Signé et daté à l...