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Sol LeWitt« Color and Black » Grande eau-forte en couleurs avec aquatinte, encadrée1991
1991
À propos de cet article
Cette oeuvre intitulée "Color and Black #3" 1991 est une gravure en couleurs avec aquatinte au crachat sur papier blanc texturé Somerset de l'artiste de renom Sol (Solomon) Le Witt, 1928-2007. Elle est signée et numérotée 11/15 au crayon par l'artiste. Avec le cachet aveugle de l'éditeur/imprimeur dans le coin inférieur droit. La taille de l'image est de 22,75 x 22,75 pouces, la feuille de papier est de 40,75 x 39,75 pouces, le format encadré est de 43,25 x 42,5 pouces. Publié par Crown Point Press, San Francisco. Imprimé par Lawrence Hamin, Lothar Osterburg, Paul Mullowney et Pamela Paulson à Crown Point Press, San Francisco. Référencé et illustré dans le catalogue raisonné de l'artiste #1991.07, planche #03. Encadré sur mesure dans un cadre en bois noir, posé sur un fond blanc, avec intercalaire blanc. Elle est en excellent état.
A propos de l'artiste :
Connu pour ses sculptures modulaires en forme de cube blanc, ses dessins géométriques et ses peintures abstraites, y compris de nombreuses peintures murales dont l'exécution a nécessité des équipes, Sol LeWitt a été l'un des principaux promoteurs du conceptualisme et du minimalisme dominants de l'après-guerre. Il utilisait des formes géométriques et des lignes pour interpeller ses spectateurs, et parfois elles semblaient logiques et d'autres fois elles semblaient n'avoir aucun fondement, ni dans la raison, ni dans la réalité.
Bien qu'il ait été très actif à New York, il a évité toute forme de célébrité artistique et a passé la majeure partie de sa vie à travailler dans sa maison et son studio de Chester, dans le Connecticut. Au début de sa carrière, alors qu'il gagnait en notoriété, les critiques conservateurs l'ont vivement critiqué. Cherchant à s'éloigner de l'activité frénétique de la scène artistique new-yorkaise, il s'est rendu à Spoleto, en Italie, dans les années 1980 et y est resté de nombreuses années. L'influence de la culture italienne semble conférer une nouvelle qualité opulente à son travail, ainsi que le lancement de ses peintures murales, qu'il appelle dessins bien qu'elles soient réalisées avec de la peinture acrylique. "Il a commencé à faire des motifs de dalles colorées, des blobs sculpturaux hérissés et des rubans de couleur, comme des serpentins le soir du Nouvel An, souvent comme d'énormes décorations pour des bâtiments dans le monde entier. C'est comme s'il avait conçu une sorte d'expressionnisme abstrait de la dernière heure...". (Kimmelman)
De sa modestie personnelle, il a été écrit : "Il a essayé de supprimer tout intérêt pour lui et non pour son travail ; il a refusé des prix et s'est montré timide face aux caméras et réticent à l'idée d'accorder des interviews. Il n'aimait pas du tout la perspective de voir sa photo dans le journal". (Kimmelman)
Sol LeWitt est né à Hartford, dans le Connecticut, de parents immigrés russes. Son père, un médecin, est décédé lorsque Sol avait six ans, et lui et sa mère sont allés vivre avec une tante à New Britain, dans le Connecticut. Sa mère encourage son talent artistique et l'inscrit à des cours au Wadsworth Atheneum. LeWitt a ensuite habité à Chester, après avoir été un artiste reconnu, près de l'Atheneum, et il est devenu un fervent défenseur de cette institution, notamment en obtenant le prêt à long terme d'une très prestigieuse collection privée d'art moderne.
LeWitt obtient une F.B.A.I. de l'université de Syracuse en 1949, puis est appelé sous les drapeaux pendant la guerre de Corée. Il est chargé de réaliser des affiches pour les services spéciaux. De 1955 à 1956, il travaille comme graphiste pour l'architecte I+I. Pei, qui commençait sa carrière. Il a également réalisé des collages pour le magazine Seventeen. En 1962, il réalise sa première sculpture en relief et, à partir de 1964, il exécute les œuvres cubiques pour lesquelles il est le plus connu. Cependant, il se sentait à la dérive en tant qu'artiste, car l'expressionnisme abstrait était en déclin, et il n'était pas sûr de ce qu'il avait à offrir d'unique.
Cependant, un changement s'opère lorsqu'il accepte un emploi au comptoir des livres du Museum of Modern Art, où il côtoie d'autres jeunes Artistics qui y travaillent également, dont de futurs "grands noms" tels que Dan Flavin, Robert Ryman et Robert Mangold. LeWitt est intrigué par le minimalisme et par les aspects techniques du constructivisme russe et des expériences d'Eadweard Muybridge avec la photographie de mouvement. À partir de ces expositions, "il a décidé de réduire l'art à l'essentiel, de "recréer l'art, de repartir à zéro" en commençant littéralement par des carrés et des cubes". (Kimmelman) Dans les années qui suivent, il est fasciné par l'impermanence du conceptualisme, qui semble convenir à son manque apparent d'intérêt pour le maintien ou non de sa propre réputation dans l'esprit du public.
Son objectif avec la sculpture conceptuelle était d'explorer de manière impersonnelle les formules avec lesquelles les structures sont créées, et de se concentrer sur des théories philosophiques abstraites, dissociées de la religion et des émotions personnelles. Il a peint en blanc un grand nombre de ses sculptures afin d'orienter le spectateur vers ces processus de pensée sous-jacents plutôt que vers l'œuvre elle-même ou vers lui-même. En d'autres termes, le "concept" était la partie la plus importante du travail, et la planification était plus importante que l'exécution. Il croyait beaucoup à la simplicité. En 1967, il a déclaré : "La plupart des idées qui réussissent sont ridiculement simples. Les idées qui réussissent ont généralement l'apparence de la simplicité parce qu'elles semblent inévitables."
Sol LeWitt était également connu pour sa générosité à l'égard d'artistes moins connus. Il leur attribuait souvent le titre de "collaborateurs" afin que leur nom apparaisse avec le sien, et il se mettait en quatre pour les aider, notamment en exposant avec eux dans de petites galeries et en soutenant des publications sur leur travail.
Il est décédé le 8 avril 2007 à Chester, dans le Connecticut, des suites d'un cancer. Sa femme, Carol, et ses deux filles lui ont survécu. L'œuvre de Sol LeWitt est conservée dans les plus grands musées du monde.
- Créateur:Sol LeWitt (1928 - 2007, Américain)
- Année de création:1991
- Dimensions:Hauteur : 109,86 cm (43,25 po)Largeur : 107,95 cm (42,5 po)Profondeur : 4,45 cm (1,75 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:San Francisco, CA
- Numéro de référence:Vendeur : lew/col/bla/011stDibs : LU666313862512
Sol LeWitt
Alors que la scène artistique new-yorkaise des années 1950 et 1960 tournait autour de l'expressionnisme abstrait, l'artiste multidisciplinaire Sol LeWitt a ouvert une voie alternative, créant une production prolifique d'œuvres dans les genres du minimalisme et, plus tard, de l'art conceptuel.
Bien que LeWitt soit surtout connu pour ses immenses "dessins muraux", il a créé des œuvres dans un large éventail de médias, notamment dessin, peinture, gravure et sculpture. (Toutefois, dans une réfutation caractéristique de l'histoire de l'art canonique, il a qualifié ces pièces de "structures"). Il a également rédigé plusieurs textes, dont l'incontournable Sentences on Conceptual Art (1969).
Né à Hartford, Connecticut, en 1928, LeWitt a obtenu une licence en beaux-arts à Syracuse University avant de travailler comme graphiste pour le célèbre architecte I.M. Pei. Plus tard, il travaillera au comptoir des livres du Musée d'art moderne , où il comptera parmi ses collègues des artistes. L'exposition précoce de LeWitt à l'architecture pourrait bien avoir eu une influence considérable sur la suite de sa carrière : Il était connu pour la nature géométrique de son travail, en particulier pour son traitement fastidieux et quasi obsessionnel du cube, qu'il a rendu de manière répétée et sous diverses formes dans ses peintures, ses structures et ses dessins muraux.
Dans les années 1960, LeWitt participe à plusieurs expositions collectives à New York et commence également à expérimenter des structures tridimensionnelles, dont la plupart sont des riffs modulaires sur la forme du cube. Son travail a été inclus dans l'exposition "Working Drawings and Other Visible Things on Paper Not Necessarily Meant to Be Viewed as Art", organisée par Mel Bochner, un autre grand représentant du conceptualisme.
Plus tard, LeWitt a commencé ses dessins muraux désormais iconiques, créant des œuvres directement sur les murs des galeries et des espaces d'exposition, à commencer par l'exposition inaugurale de la galeriste pionnière Paula Cooper en 1968. Les dessins muraux sont devenus un excellent exemple de l'approche philosophique de l'art de LeWitt, leur installation étant souvent réalisée par le personnel du musée ou les conservateurs suivant des instructions précises de l'artiste.
"L'idée, a dit un jour l'artiste, devient une machine qui fait l'art". LeWitt a continué à produire des œuvres jusqu'à sa mort en 2007.
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This artwork titled "Landscape XI' c.2000 is an original color etching with aquatint by Hungarian/American artist Theodora Varnay Jones, b.1942. It is hand signed, titled and numbered 18/50 in pencil by the artist. The image (plate mark) size is 14.75 x 17.65 inches, framed size is 28.25 x 30 inches. Custom framed in a silver and brown patina frame, with white matting. Elle est en excellent état.
About the artist:
Theodora Varnay Jones, printmaker, sculptor, installation and digital artist, lecturer, and teacher, was born in Budapest, Hungary on 26 February 1942. She graduated from the Hámán Kató Leány Gimnázium before beginning her studies at the Academy of Fine Arts, Budapest where she earned her B.F.A. and, in 1971, her M.F.A. She moved to the United States in the early 1970s and married Monty Jones on 9 September 1972 in Reno. On 27 September 1984 she became a naturalized citizen of the United States.
Her creativity seems unlimited and her work has been featured in exhibitions too numerous to enumerate. She is a member of the KALA Art Gallery in Berkeley, California and teaches classes there.
SOLO EXHIBITIONS
2018 "Dialectics:angles of cognition, in the orbit of photography" Don Soker Gallery, San Francisco, CA
2016 "Fugue" Don Soker Gallery, San Francisco, CA
2015 "Resonances" Stanford Art Spaces, Stanford University, CA
"Appearances" Lena & Roselli Galeria, Budapest, Hungary
2011 "Theodora Varnay Jones: Prints & Drawings: Selected Archival Work” Baczek Gallery, Berkeley, CA
09/10 "Manifold", (survey) ICA, San Jose, CA
2009 "Reflections", (survey) Don Soker Gallery, San Francisco, CA
2008 "Translucent Phenomena", Fresno Art Museum, Fresno, CA
2007 "Structures" Don Soker Gallery, San Francisco, CA
2005 "Theodora Varnay Jones", Galerie Reinfeld, Bremen, G e r m a n y
"Undercurrents", Don Soker Gallery, San Francisco, CA
2003 "Theodora Varnay Jones", Gallery Hirawata, Fujisawa, Kanagawa, J a p a n
"Theodora Varnay Jones", Gallery Naufu, Gifu City, J a p a n
"Dialectica", Don Soker Gallery, San Francisco, CA
2001 "Transparentia", Don Soker Gallery, San Francisco, CA
" Theodora Varnay Jones", Galerie Reinfeld, Bremen, G e r m a n y
"Mixed Media Works", Shasta College Art Gallery, Redding, CA
SFMOMA Artists Gallery, San Francisco, CA
2000 " Microcosmos" invited to represent the US, Schleswig-Holstein Music Festival, Bad Segeberg, G e r m a n y
"Microcosmos" Kieler Kloster, Kiel, G e r m a n y
1999 Don Soker Gallery, San Francisco, CA
1998 Don Soker Gallery, San Francisco, CA
1997 Plaza Gallery, Tokyo, J a p a n
1996 "Theodora Varnay Jones" (survey), Vasarely Museum, Budapest, H u n g a r y
1995 Don Soker Gallery, San Francisco, CA
"Theodora Varnay Jones", Shirakawa Gallery, Kyoto, J a p a n
1994 Collectors Gallery, The Oakland Museum, CA
1993 Don Soker Gallery, San Francisco, CA
1992 "Theodora Varnay Jones", Concourse Gallery, Bank of America World Headquarters, San Francisco, CA
"Theodora Varnay Jones", Shirakawa Gallery, Kyoto, J a p a n
"Theodora Varnay Jones", Chicashige Gallery, Okayama, J a p a n
1991 Collectors Gallery, The Oakland Museum, CA
1990 Don Soker Gallery, San Francisco, CA
"Theodora Varnay Jones", Art Forum Yanaka, Tokyo, J a p a n
Tamura Gallery, Tokyo, J a p a n
Gallery 88, Sendai, J a p a n
Heian Gallery, Kyoto, J a p a n
1989 Richard Hanson Fine Arts, Fresno, CA
1988 Don Soker Gallery, San Francisco, CA
1985 "Theodora Varnay Jones", Taller Galleria Fort, Cadaques, S p a i n
1984 Rorick Gallery, San Francisco, CA
1978 "Theodora Varnay Jones", Richmond Art Center, Richmond, CA
TWO AND THRE PERSON EXHIBITIONS
2010 "Interdepencia/Interdependence; Theodora Varnay Jones, Francesca Pastine and Marta Sanchez-Vasquez"
Consulate General of Mexico, San Francisco, CA
2007 "Theodora Varnay Jones and Tom Bills", Pacifica Center for the Arts, CA
2004 "Between"; Theodora Varnay Jones and Dee Hibbert-Jones Memorial Union Art Gallery, UC Davis
2002 "Theodora Varnay Jones and Lee Imonen", Campbell Hall Gallery, Western Oregon University
2001 "Traces" ; Theodora Varnay Jones, Christel Dillbohner and Mary Ijichi, Palo Alto Art Center, CA
2000 "Theodora Varnay Jones and Hoh Yin Ping", Kassenarztliche Vereinigung, Bremen, G e r m a n y
1988 "Theodora Varnay Jones and Kazuko Watanabe", Hastings College of the Law, San Francisco, CA
1985 "From a Different Perspective"; Theodora Varnay Jones and Peter Baczek, The Art Corridor, Menlo Park, CA
1981 "Theodora Varnay Jones and Vicki Ann Scuri", Rorick Gallery, San Francisco, CA
SELECTED GROUP EXHIBITIONS
2021 "50th Anniversary Survey Exhibition" Don Soker Gallery at Carriage House Annex, San Francisco, CA
"Art in the Time of Corona" NUMU New Museum Los Gatos, CA
2020 "Echoes of Bauhaus Photography Cast Long Shadows" curated by Hanna Regev, Ruth's Table Gallery, San Francisco, CA
2019 "Hardly Strictly Mini" Bolinas Art Museum, CA
"The Artists' Annual" Kala Art Institute Gallery, Berkeley, CA
"Annual Members Exhibition" Berkeley Art Center, CA
2018 "Surprise: New Acquisitions" The Janet Turner Print Museum, CSU, Chico, CA
2017 "12th Annual Encaustic Invitational" Conrad Wilde Gallery, Tucson, AZ
"Waterlines" curated by Marianne McGrath NUMU (New Museum) Los Gatos, CA
2016 "Lucid Art Residency Annual Exhibition" Gallery Route One, Point Reyes Station, CA
2015 "Bay Area Gallery Artists in a New Space" Don Soker Gallery, San Francisco, CA
"Round Table (Collaborations) Postal Collage Project No 4, organized by Marty McCutcheon, Ramon's Tailor, San Francisco, CA
2014 "California Etchers Currents" Diablo Valley College, Pleasant Hill, CA
2012 Zero1 Biannual “The Future Imagined: What’s Next?” curated by Hanna Regev, PAI, San Francisco, CA
"Red and White", curated by Zsuzsa Dardai art critic, Don Soker Gallery, San Francisco, CA; B55 Galeria, Budapest, H u n g a r y
Micromundi-Museum of Miniatures, Besalu, Catalonia, Spain, curated by Mercedes Barbera
"Get Lucky: The Culture of Chance", curated by Hanna Regev SOMArts Cultural Center, San Francisco, CA
"Left to Chance: In Search of the Accidental Book Art" , San Francisco Center for the Book, CA
"25 Prints by Women Artists, The Annex Galleries, Santa Rosa, CA
2011 "H2O", Don Soker Gallery, San Francisco, CA
"One Thing Leads to Another", ICA, San Jose CA
" Fresh Work, Kala Art Institute, Berkeley, CA
10/11 "TEXT’o-&- figura" traveling exhibition curated by Rolando Castelon, Galeria Nacional Museo, San Jose,
Costa Rica; Meridian Gallery, San Francisco, CA
2010 "Tomorrow's Legacies", Crocker Art Museum, Sacramento, CA
"Secret Drawings", Palo Alto Art Center, CA
09/10 "The Seduction of Duchamp/Bay area Artists’ Response" traveling exhibition curated by Hanna Regev
Slaughterhouse Space, Healdsburg, CA; ArtZone 461, San Francisco, CA; Art Museum of Los Gatos, CA
2009 "Passion for Collecting", Cantor Art Center, Stanford University, CA
2008 "Innovation and Imagination: Work from Kala Art Institute", Seattle Art Museum Gallery, WA
"Parallel Lines", Works on Paper from Monterey County Collections Hartnell College Gallery, Salinas, CA
2007 "Pillow Talk: Small Comforts in Hard Times...
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