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Tracey EminMonographie : My Life in a Column (livre signé et daté à la main par Tracey Emin)2011
2011
À propos de cet article
Tracey Emin
My Life in a Column (signé et daté à la main par Tracey Emin), 2011
Monographie reliée avec jaquette (signée et datée à la main sur la page de titre)
signé et daté 21-6-11 par Tracey Emin sur la page de titre
8 1/2 × 5 1/4 × 1 1/2 pouces
Informations sur le livre :
Éditeur : Rizzoli (6 septembre 2011)
Anglais : Couverture rigide ; 368 pages avec illustrations en noir et blanc
Brochure de l'éditeur :
Une anthologie illustrée des chroniques populaires, personnelles et de longue haleine de l'artiste pour The Independent. Cette anthologie rassemble pour la première fois des articles que l'artiste Tracey Emin a écrits pour le journal londonien The Independent - une chronique hebdomadaire qui a connu un grand succès entre 2005 et 2009 - et qui traitent de tous les sujets, des thèmes qui sous-tendent son travail à sa démarche, en passant par ses inspirations et ses observations de la vie quotidienne, tour à tour humoristiques et profondes. Passant de diatribes sur l'art et la culture contemporains à des confessions relatant ses voyages à l'étranger et réfléchissant à sa vie privée à Londres, les chroniques réunissent des éléments d'essai et de journal intime qui présentent une perspective unique sur la vie et l'œuvre de la reine des jeunes artistes britanniques.
Édité et présenté par l'artiste, et illustré de quarante reproductions de photographies qui rappellent le format original des chroniques, Tracey Emin : My Life in a Column rend un géant du monde de l'art à la fois plus familier et plus profond.
À propos de Tracey Emin :
L'autoportrait et le nu sont omniprésents dans sa pratique, qu'Emin a décrite comme portant sur "les rites de passage, du temps et de l'âge, et la simple prise de conscience que nous sommes toujours seuls". Ses premières œuvres font référence à sa famille, à son enfance et à son adolescence chaotique. Elle a grandi dans la ville balnéaire de Margate et a quitté le domicile familial à l'âge de quinze ans. Ce qui s'est passé ensuite est exploré, d'une manière qui n'est ni tragique ni sentimentale, dans le dessin, la peinture, le film, la photographie, l'appliqué cousu, la sculpture, le néon et l'écriture, alors que les vicissitudes des relations, des grossesses et des avortements se croisent avec son engagement dans les disciplines formelles de l'art. Plus récemment, l'artiste a vécu son corps comme un champ de bataille, à travers la maladie et le vieillissement, dont elle rend compte avec l'intrépidité qui la caractérise.
Le titre enjoué de la première exposition personnelle d'Artistics, My Major Retrospective 1963-1993, suggère que l'artiste a le sentiment, bien qu'elle soit au début de sa carrière, que des choses importantes se sont déjà produites.Son assemblage obsessionnel de souvenirs personnels comprend de minuscules photographies des peintures de son école d'art qu'elle a détruites, un "cimetière photographique" qui révèle une admiration pour les peintures d'Egon Schiele et d'Edvard Munch.Elle détaille cette "dépression émotionnelle" dans CV Cunt Vernacular (1997) de Tracey Emin, parmi plusieurs œuvres vidéo de jeunesse qui donnent un aperçu de sa formation en tant qu'artiste, en soulignant les moments d'épiphanie par l'utilisation de la narration à la première personne. 'J'ai réalisé qu'il y avait là l'essence de la créativité, ce moment de la conception', dit-elle dans How It Feels (1996), un film charnière dans lequel elle raconte l'histoire de son avortement. L'être entier de chaque chose... il fallait savoir d'où elle venait vraiment". S'adressant à la caméra tout en marchant dans les rues de Londres, elle conclut que l'art conceptuel, en tant qu'acte de reproduction, est inséparable de la vie intérieure de l'artiste. Développant ce lien, le film envoûtant Homage to Edvard Munch and All My Dead Children (1998) montre l'artiste sur la jetée près de la maison de Munch, nue et prostrée en position fœtale, l'aube se levant sur l'eau tandis qu'elle lève la tête et crie - une réponse gutturale à l'image emblématique du grand peintre.
En 1998, Emin crée My Bed, une présentation non censurée de son habitat le plus personnel. Le lit double s'est abstrait de sa fonction et se trouve sur le sol de la Gallery, en conversation avec l'histoire de l'art et une scène pour les événements de la vie : la naissance, le sommeil, le sexe, la dépression, la maladie, la mort. L'accumulation d'objets réels (pantoufles, préservatifs, cigarettes, bouteilles vides, sous-vêtements) sur et autour du lit défait dresse un portrait de l'artiste avec un réalisme saisissant, défiant les conventions pour exposer ce que la plupart des gens garderaient pour eux. L'œuvre a attiré l'attention internationale dans le cadre du prix Turner, faisant entrer Gaines dans la conscience publique. La sculpture Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995 (1995, Making Works 2004) est une autre œuvre qui est devenue le symbole de son art de la divulgation. Les noms de tous ceux avec qui elle a partagé un lit - amis, amants et famille - ont été cousus à l'intérieur d'une tente, un espace rampant qui invite le spectateur à réfléchir à son propre inventaire.
Explicitement féministe, et reconnaissant l'influence de son amie et collaboratrice Louise Bourgeois, le choix du médium par Emin fait partie intégrante de l'histoire qu'elle raconte. Dans les couvertures et les quilts brodés à la main, traditionnellement associés au travail des femmes, elle perce le champ visuel avec des mots, combinant des chutes de différents matériaux avec des coutures inégales pour épeler des déclarations dont la syntaxe et l'orthographe ne sont pas corrigées. Avec des titres tels que Mad Tracey from Margate. Everyone's been there, (1997) ou Helter Fucking Skelter (2001), ils témoignent de la sensibilité aiguë de l'artiste aux opinions de ceux qui l'entourent et donnent une réplique, tout comme le médium est une réplique à la classification des beaux-arts, dominée pendant des siècles par des artistes masculins. Au fur et à mesure qu'elle faisait parler d'elle, tant au niveau national qu'international, Emin s'est servie de cette publicité pour rappeler d'autres règles de bienséance dans le monde professionnel de l'art, comme le fait de ne jamais donner trop d'explications. Sous une forme plus longue, ses mémoires, Strangeland (2005), racontent son parcours pour devenir "une femme baisée, folle, anorexique-alcoolique-sans-enfant, belle". Je n'aurais jamais imaginé que cela se passerait ainsi". Le texte est truffé de fautes d'orthographe qui remettent en question la forme et donnent l'impression d'un processus non filtré, comme c'était également le cas dans sa longue chronique pour The Independent (2005-2009), dans laquelle elle racontait ses activités hebdomadaires sous le titre "My Life in a Column" (Ma vie dans une chronique).
La série continue de néons d'Emin comporte des bribes de texte dans son écriture oblique reconnaissable, élevant des pensées et des sentiments fugaces au rang d'aphorismes : You touch my Soul (2020), I Longed For you (2019) ou encore I don't Believe in Love but I believe in you (2012). Sa formulation d'énoncés à la deuxième personne a pour effet de placer carrément le spectateur dans la situation, et peut résumer toute une romance en une phrase lapidaire, comme dans I want my time with You (2018), un néon de vingt mètres de large qui accueille les passagers à la gare St Pancras de Londres. Élément essentiel de sa pratique depuis les années 1990, les néons évoquent les lumières du front de mer de Margate, imprégnées d'un sentiment de crépuscule et de glamour fané. Son lieu de naissance est un sujet constant ; il refait surface dans des sculptures à grande échelle, où du bois récupéré et des matériaux trouvés sont assemblés dans des structures déchiquetées qui font allusion à la plage, à la jetée, aux cabanes et aux marqueurs de marée. Le célèbre parc d'attractions de Margate, "Dreamland", est évoqué dans plusieurs œuvres, dont Self-Portrait (2001), qui recrée l'agitation du parc d'attractions, et It's Not the Way I want to Die (2005), qui rappelle les montagnes russes ondulantes en bois usé et branlant, fragile au point de s'effondrer. Margate fait "partie de moi", dit Emin, et tout en regardant en arrière, elle se tourne maintenant vers l'avenir avec la création de TKE Studios, une nouvelle école d'art et des ateliers d'artistes.
Les questions de la mortalité et de la centralité du corps reproducteur féminin sont à l'origine de The Mother (2021), l'une des sculptures publiques les plus importantes d'Emin. Installée en permanence à côté du nouveau musée Munch d'Oslo, elle marque la mort de sa propre mère et boucle la boucle de son admiration de toujours pour Munch. Avec ses quinze tonnes de bronze et ses neuf mètres de haut, cette femme aux "jambes ouvertes sur la Lande" est visible de loin, sur terre et sur l'eau, et constitue un monument à la figure féminine en tant que protectrice, sans compromettre sa vulnérabilité ou son érotisme. En revanche, Baby Things, l'interprétation précise par Emin de chaussures et de vêtements d'enfants perdus en bronze, a été installée comme par hasard à l'extérieur du pavillon britannique de la Biennale de Venise (2007) et autour de la Triennale de Folkestone (2008), des objets intimes qui pourraient par inadvertance provoquer une série de réactions, de la peur pour ceux que nous aimons le plus à l'indifférence avec laquelle nous traitons un objet mis au rebut.
Plus récemment, le travail d'Emin a été chargé par la gravité de sa situation médicale, puisqu'en 2020, on lui a diagnostiqué un cancer de la vessie. Des Self-Portraits pris au lit avec son téléphone portable montrent l'artiste confrontée à son insomnie "paralysante" au petit matin, et en convalescence après une lourde opération chirurgicale. Ses peintures de la figure nue sont empreintes d'une énergie tumultueuse. La ligne graphique d'Emin, tour à tour délicate ou vigoureuse, transmet un sentiment d'urgence ; à chaque geste abandonné et affirmé, elle s'écorche. Les gouttes et les oblitérations évoquent la fluidité du corps, qui oscille entre joie et souffrance dans son voyage entre la naissance et la mort. Les explosions de couleurs font allusion à un moi qui se laisse envahir par les sentiments et qui triomphe dans la pure sensualité.
Tracey Emin est née en 1963 à Londres. Elle vit et travaille actuellement entre Londres, le sud de la France et Margate, au Royaume-Uni. Emin a beaucoup exposé, notamment dans le cadre d'expositions majeures à la Royal Academy of Arts, Londres (2020) ; au Musée d'Orsay, Paris (2019) ; au Château La Coste, Aix-en-Provence, France (2017) ; au Leopold Museum, Vienne (2015) ; au Museum of Contemporary Art, Miami (2013) ; au Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (2012) ; Turner Contemporary, Margate, Royaume-Uni (2012) ; Hayward Gallery, Londres (2011) ; Kunstmuseum Bern (2009) ; Scottish National Gallery of Modern Art, Édimbourg (2008) ; Centro de Arte Contemporáneo, Malaga, Espagne (2008) ; Art Gallery of New South Wales, Sydney (2003) ; et Stedelijk Museum, Amsterdam (2002).
En 2007, Emin a représenté la Grande-Bretagne à la 52e Biennale de Venise et son installation My Bed a été incluse dans les expositions " In Focus " à la Tate Britain avec Francis Bacon (2015), à la Tate Liverpool avec William Blake et également à la Turner Contemporary, Margate aux côtés de JMW Turner (2017). En 2011, Emin a été nommé professeur de dessin à la Royal Academy of Arts de Londres et, en 2012, il a été fait Commandeur de l'Ordre le plus excellent de l'Empire britannique pour sa contribution aux arts visuels.
Avec l'aimable autorisation de Whiting
- Créateur:Tracey Emin (1963, Britannique)
- Année de création:2011
- Dimensions:Hauteur : 21,59 cm (8,5 po)Largeur : 13,34 cm (5,25 po)Profondeur : 3,81 cm (1,5 po)
- Support:
- Mouvement et style:
- Période:
- État:
- Adresse de la galerie:New York, NY
- Numéro de référence:1stDibs : LU1745213597992
Tracey Emin
Tracey Emin est née à Croydon, dans le sud de Londres, en 1963, et a grandi à Margate, dans le Kent. Elle a étudié la mode au Medway College of Design (aujourd'hui University for the Creative Arts) de 1980 à 1982. À Medway, elle rencontre Billy Childish, qui deviendra une grande source d'inspiration pour son travail, et devient étroitement associée aux Medway Poets. Pendant cette période, Emin devient l'administrateur de la petite imprimerie de Childish, Hangman Books.
En 1984, elle a étudié l'imprimerie au Maidstone Art College. En 1983, Artistics a ouvert une boutique avec sa compagne Sarah Lucas, appelée The Shop, à Bethnal Green. La boutique vendait des œuvres d'Emin et d'Artistics, y compris des t-shirts originaux et des cendriers à l'effigie de l'artiste emblématique Damien Hirst.
En novembre 1993, Emin a organisé sa première exposition personnelle à l'adresse White Cube à Londres. Elle a intitulé son exposition autobiographique "My Major Retrospective", qui consistait principalement en des photographies personnelles , des photos de ses premières peintures qu'elle avait détruites et quelques objets chargés d'émotion, comme un paquet de cigarettes que tenait son oncle lorsqu'il a été décapité dans un accident de voiture.
En 1994, Emin a effectué une tournée aux États-Unis, s'arrêtant en cours de route avec son partenaire Carl Freedman pour donner des lectures de son livre autobiographique Exploration of the Soul. En 1995, Emin a produit sa célèbre "tente" - Everyone I Have Ever Slept With 1963-1995 - qui a été exposée dans l'exposition de Freedman "Minky Manky" à la South London Gallery. Cette pièce a ensuite été achetée par Charles Saatchi et a fait partie de l'exposition "Sensation" de 1997 à la Royal Academy of Arts à Londres, avant d'être présentée à Berlin et à New York.
En 1997, Emin a participé à une série télévisée de Channel 4 intitulée Is Painting Dead ? qui comprenait principalement une discussion sur le Turner Prize. Deux ans plus tard, en 1999, Emin a été elle-même présélectionnée pour le prix Turner et a exposé My Bed à la Tate Gallery. La même année, elle a présenté un certain nombre de dessins en monoprint inspirés par la princesse Diana pour une exposition à la Blue Gallery, à Londres.
Elton John et George Michael sont tous deux de célèbres collectionneurs des œuvres d'Elton Emin. En septembre 2007, George Michael a organisé l'exposition "A Tribute to Tracey Emin" à la Fondation Goss-Michael, basée à Dallas ( ). Une exposition personnelle, "This is Another Place", s'est tenue au Modern Art Oxford de 2002 à 2003, et en 2007, Heldly a fait partie du pavillon britannique à la Biennale de Venise. La même année, Emin a été nommé académicien royal par la Royal Academy of Arts. Elle a déjà été invitée à présenter des œuvres lors des "expositions d'été" de la Royal Academy depuis 2001. Emin a été commissaire de l'"Exposition d'été" de 2008 et a donné une conférence publique et une interview avec Matthew Collings, au cours de laquelle ils ont réfléchi à son rôle au sein de la Royal Academy. Les œuvres d'Emin ont atteint des montants astronomiques lors de ventes aux enchères, vendues à Charles Satchi, au Premier ministre de 2011 (David Cameron), à David Bowie et à d'autres pour leurs collections privées.
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