Europe continentale - Impressions natures mortes

Salvador Dali - Femme avec un fouet - Gravure originale signée par un timbre-poste Timbre signé par Dali Edition de 294 exemplaires. Papier : vélin d'Arches. Dimensions : 16x12". ...

Cette œuvre d'art contemporaine, réalisée par sublimation, offre un transfert exquis d'images vives sur la soie grâce à des encres de sublimation à base d'eau, respectueuses de l'env...

Édition limitée à 15 exemplaires, impression d'art, accompagnée d'un certificat. L'article fait partie d'un alphabet créé par Zoltán Salamon. L'alphabet est resté inachevé. Il s'agit...

Insect I est une œuvre d'art contemporain réalisée par l'artiste Fifo Stricker en 1981. Aquatinte et gravure en couleurs mixtes. Signé et daté à la main par l'artiste dans la marge...

Joan Miro Lithographie abstraite originale de Miro Artiste : Joan Miro Support : Lithographie originale sur Vellum de Rives Portefeuille : Miro Lithographe III Année : 1976 Edition :...

Still Life est une estampe originale réalisée par l'artiste italien Gianni Testa (1936) en 1986. Sérigraphie originale en couleurs mixtes. Signé à la main par l'artiste en bas à d...

D'après Pablo Picasso - Cubisme - Pochoir Dimensions : 48.5 x 36 cm 1962 Edition de 260 Daniel Jacomet, LEDA, Editions d'Art Pablo Picasso Picasso n'est pas seulement un homme et s...

Pierre GARCIA-FONS Corbeille de fruits et bouquet de fleurs Lithographie originale Signé au crayon EA justifiée (épreuve d'artiste) Sur vellum 76 x 55 cm (c. 30 x 22 in) Très bon ...

Avec la signature imprimée de Picassp et la date, telle qu'elle a été émise D'après une composition originale de 1920, imprimée en 1946 Dimensions de l'image : 21 x 31 cm. Dimension...

Cette œuvre d'art contemporaine, réalisée par sublimation, offre un transfert exquis d'images vives sur la soie grâce à des encres de sublimation à base d'eau, respectueuses de l'env...

N'ayant pas peur de la représentation humaine, les œuvres de Pia Clodi, qui s'apparentent davantage à des portraits, offrent toujours un air d'anonymat à la personne assise. Le spec...

Wes Lang (américain, né en 1972) Réflexions pour une vie libre #15, 2023 Support : Sérigraphie sur papier Somerset 280/gsm Dimensions : 58,4 × 91,4 cm (23 x 36 in) : 58,4 × 91,4 cm (...

Couverture arrière, d'après Joan Miro par Jacques Prévert et Georges Ribemont-Dessaignes Artiste : Joan Miro Editeur : Maeght Année : 1956 Dimensions : 23 x 20 cm Référence : Mourlot...

Avec "Les Musiciennes", l'une des plus grandes et des plus recherchées lithographies de Le Corbusier - une nature morte puriste -, impr...

D'après Pablo Picasso - Cubisme - Pochoir Dimensions : 48.5 x 36 cm 1962 Edition de 260 Daniel Jacomet, LEDA, Editions d'Art Pablo Picasso Picasso n'est pas seulement un homme et s...

Joan Miro Lithographie abstraite de Miro Artiste : Joan Miro Planche III de "Miro Lithographies I" Support : Lithographie sur Vellum de Rives...

Lithographie originale de Jean Cocteau Titre : Artaban 1961 signé dans la pierre/signature imprimée Dimensions : 38 x 28 cm Lithographie réalisée pour le portfolio "Gitans et Corrida...

Personnages sans date lithographie, épreuve d'artiste (E.A) & signée par l'artiste 20,5 x 27,9 x 0,1 cm vendu sans cadre à propos de Jean Hélion (21 av...

Herbiers sans date lithographie, épreuve d'artiste (E.A) & signée par l'artiste 20,5 x 27,9 x 0,1 cm vendu sans cadre à propos de Jean Hélion (21 avril...

(après) Serge Poliakoff - Composition abstraite colorée - Lithographie Publié dans la revue d'art de luxe, XXe Siecle 1958 Dimensions : 32 x 25 cm Éditeur : G. di San Lazzaro. Serg...

Impression giclée sur toile. Finition peinte à la main avec des coups de pinceau originaux et des peintures à l'huile. La floraison des rhododendrons en mai nous indique toujours que...

Salvador Dali - Gravure originale signée à la main De La Quête du Graal Dimensions : 45 x 33 cm Signé à la main Edition : 38/100 De la rare suite supplémentaire de 100, en plus de l...

Joan Miro Lithographie abstraite originale de Miro Artiste : Joan Miro Support : Lithographie originale sur Vellum de Rives Portefeuille : Miro...

Pablo Picasso (après) - Nature Morte à la Pipe - Pochoir Dimensions : 48.5 x 36 cm 1962 Edition de 260 Daniel Jacomet, LEDA, Editions d'Art Pablo Picasso Picasso n'est pas seulemen...

Arman - Accumulations - gravure originale signée Titre : Accumulations Signé Dimensions : 57 x 38 cm 1980s Arman Armand Pierre Fernandez est né en 1928 à Nice, en France. Il est c...

d'après Henri MATISSE (1869-1954) Lithographie d'après un dessin de 1941 Signature imprimée et date Plaque de livre d'Aragon. Henri Matisse : Dessins, Thèmes et Variations : précédés de "Matisse-en-France". (M. Fabiani : Paris 1943). Papier Vélin Dimensions : 32 x 24 cm (12 x 9") Cette lithographie fait partie d'une édition rare réalisée pendant la Seconde Guerre mondiale (1941 - 1943) par les éditions Fabiani. BIOGRAPHIE DE MATISSE JEUNESSE ET ÉDUCATION PRÉCOCE Henri Emile Benoît Matisse est né dans une minuscule maison de tisserand en ruine, rue du Chêne Arnaud, dans la ville textile de Le Cateau-Cambrésis, à huit heures du soir, la dernière nuit de l'année, le 31 décembre 1869 (Le Cateau-Cambrésis se trouve à l'extrême nord de la France, près de la frontière belge). La maison avait deux pièces, un sol en terre battue et un toit qui fuyait. Matisse a dit longtemps après que la pluie tombait par un trou au-dessus du lit dans lequel il est né. Les ancêtres de Matisse avaient vécu dans la région pendant des siècles avant les bouleversements sociaux et industriels convulsifs du XIXe siècle. Matisse a grandi dans un monde qui se détachait encore d'un mode de vie en quelque sorte inchangé depuis l'époque romaine. L'arrivée du chemin de fer avait placé Bohain sur la carte industrielle, mais les gens se déplaçaient encore partout à pied ou à cheval. Le père de Matisse, Émile Hippolyte Matisse, était un marchand de grains dont la famille était tisserande. Sa mère, Anna Héloïse Gerard, était issue d'une longue lignée de tanneurs aisés. Chaleureuse, extravertie, compétente et énergique, elle était petite et solidement bâtie avec la silhouette à la mode de l'époque : seins et hanches pleins, taille étroite, chevilles soignées et petits pieds élégants. Elle avait la peau claire, de larges pommettes et un large sourire. "Ma mère avait un visage aux traits généreux", disait son fils Henri, qui parlait toujours d'elle avec une tendresse particulière de la sensibilité. Pendant les quarante années de son mariage, elle a apporté à son mari et à ses fils un soutien inébranlable, digne d'un roc. Matisse dira plus tard : "Ma mère aimait tout ce que je faisais". Il grandit dans la ville voisine de Bohain-en-Vermandois, un centre industriel textile, jusqu'à l'âge de dix ans, lorsque son père l'envoie au lycée de Saint-Quentin. Anna Héloïse a travaillé dur. Elle dirigeait la section du magasin de son mari qui vendait des peintures d'intérieur, préparant les commandes des clients et les conseillant sur la palette de couleurs. Les couleurs ont manifestement laissé une impression durable sur HENRY. L'artiste lui-même a déclaré plus tard qu'il tenait son sens des couleurs de sa mère, qui était elle-même une peintre accomplie sur porcelaine, une forme d'art en vogue à l'époque. HENRY est le premier fils du couple. Le jeune Matisse est maladroit et semble mal adapté aux rigueurs du Nord ; il déteste notamment les hivers glacials. C'était un enfant pensif et, selon ses propres dires, il était rêveur, frêle et peu brillant. Plus tard, il n'a jamais perdu son attachement à sa terre natale, aux semences et aux plantes qu'il avait rencontrées dans sa jeunesse. Les pigeons de luxe qu'il a gardés à Nice plus d'un demi-siècle après son départ rappellent les pigeonniers des tisserands cachés derrière la plus humble des maisons de Bohain. Les souvenirs d'enfance de Matisse témoignent d'une éducation sévère. "Faites vite !" "Attention !" "Allez-y !" "Les refrains qui résonnaient dans ses oreilles d'enfant étaient : "Fais-toi plaisir ! À une époque où la survie dépendait des habitudes d'économie et d'abnégation, l'artiste s'enorgueillissait d'être un homme du Nord. Lorsque Matisse eut à son tour des enfants à élever, il se reprocha tout manquement à la discipline ou toute manifestation ouverte de tendresse, qu'il considérait comme une faiblesse de sa part. En 1887, il se rend à Paris pour étudier le droit et travaille comme administrateur judiciaire au Cateau-Cambrésis après avoir obtenu son diplôme. Bien qu'il considère le droit comme une activité fastidieuse, il passe néanmoins le barreau en 1888 avec distinction et commence à exercer à contrecœur. Une fois que Matisse a terminé ses études, son père, un homme beaucoup plus pratique, fait en sorte que son fils obtienne un poste de clerc dans un cabinet d'avocats. PEINTURE : DÉBUT La découverte par Matisse de sa Trueing profession s'est faite d'une manière inhabituelle. À la suite d'une crise d'appendicite, il commence à peindre en 1889, sa mère lui ayant apporté des fournitures artistiques pendant sa convalescence. Il a déclaré plus tard : "Dès que j'ai tenu la boîte de couleurs dans mes mains, j'ai su que c'était ma vie. Je m'y suis jeté comme une bête qui plonge vers ce qu'elle aime." La mère de Matisse fut la première à conseiller à son fils de ne pas adhérer aux "règles" de l'art, mais plutôt d'écouter ses propres émotions. Matisse était si attaché à son art qu'il adressa plus tard un avertissement à sa fiancée, Amélie Parayre, qu'il épousa par la suite : "Je vous aime tendrement, mademoiselle ; mais j'aimerai toujours plus la peinture". Matisse avait découvert "une sorte de paradis", comme il le décrivit plus tard. Son changement radical de profession a profondément déçu son père. Deux ans plus tard, en 1891, Matisse retourne à Paris pour étudier l'art à l'Académie Julian et devient l'élève de William-Adolphe Bouguereau. Après une année décourageante à l'Académie Julian, il quitte l'établissement, dégoûté par le style trop perfectionniste de l'enseignement. Il se forme ensuite auprès de Gustave Moreau, un artiste qui nourrit des penchants plus progressistes. Dans les deux studios, comme à l'accoutumée, les étudiants ont dessiné d'interminables études de figures d'après nature. De Bouguereau, il retient les leçons fondamentales de la peinture classique. Le fil à plomb est le seul outil technique qu'il utilise depuis l'école d'art, presque un fétiche. Aussi bizarres que soient les angles dans n'importe quel Matisse, les verticales sont généralement tout à fait vraies. Moreau était un peintre qui méprisait l'"art du salon", Matisse était donc destiné, dans un certain sens, à rester un "paria" du monde de l'art. Il échoue d'abord à son examen de dessin pour l'admission à l'École des Beaux-Arts, mais persiste et est finalement accepté. Matisse commence à peindre des natures mortes et des paysages dans le style flamand traditionnel, qu'il maîtrise assez bien. La plupart de ses premières œuvres utilisent une palette sombre et ont tendance à être lugubres. Chardin était l'un des peintres les plus admirés de Matisse, ayant réalisé quatre des tableaux du maître français de la nature morte conservés au Louvre. Bien qu'il ait exécuté de nombreuses copies d'après les maîtres anciens, il a également étudié l'art contemporain. Ses premières expérimentations lui valent la réputation de membre rebelle de ses classes d'atelier. En 1896, Matisse est élu membre associé de la Société nationale, ce qui signifie que chaque année, il peut exposer des peintures au Salon de la Société sans avoir à les soumettre à un examen. La même année, il expose cinq tableaux au salon de la Société nationale des beaux-arts et l'État achète deux de ses toiles. C'est la première et presque unique reconnaissance qu'il a reçue dans son pays natal au cours de sa vie. En 1897 et 1898, il rend visite au peintre John Peters Russell sur l'île de Belle Île, au large de la Bretagne. Russell l'initie à l'impressionnisme et à l'œuvre de Van Gogh, qui avait été un bon ami de Russell mais qui était totalement inconnu à l'époque. Le style de Matisse changea complètement, et il dira plus tard : " Russell était mon professeur, et Russell m'a expliqué la théorie des couleurs. " Matisse a également observé les mariages stables de Russell et d'autres artistes. Cela l'a probablement incité à trouver en Amélie Noellie Parayre, sa future épouse, son point d'ancrage. La Table à manger (1897) est le premier chef-d'œuvre de Matisse, qui a passé tout l'hiver à travailler sur cette œuvre. Bien que le Salon ait exposé l'œuvre, il l'a accrochée à un mauvais endroit, dégoûté par ce qu'il considérait comme ses aspects radicaux et impressionnistes. Caroline Joblaud a été l'amante précoce de Matisse pendant quatre ans, au cours de ses premières luttes pour affirmer sa direction artistique et sa carrière professionnelle. Caroline (également appelée Camille) a donné à Matisse sa première fille Marguerite en 1894, qui, après le mariage de Matisse avec Amélie Noellie Parayre, a été chaleureusement acceptée contrairement à l'hostilité conventionnelle que de tels arrangements provoquaient. Caroline a posé à plusieurs reprises pour les compositions de l'artiste tandis que Marguerite a servi de nombreuses fois de modèle à Matisse tout au long de sa vie. MARIAGE AVEC AMÉLIE NOELLIE PARAYRE Les Matisse de Bohain et les Parayre de Beauzelle n'avaient extérieurement rien en commun, et il n'y avait aucune raison pour que Matisse et Amélie se soient jamais rencontrés. Mais en octobre 1897, Matisse se rend à un mariage à Paris et s'assoit à côté d'elle lors du banquet hilarant qui s'ensuit. Il n'y avait pas eu de flirt banal entre eux, même lorsque le vin coulait à flots, chacun reconnaissait l'autre comme un véritable métal, et lorsqu'ils se levèrent de table, elle tendit la main à Henri Matisse d'une manière qu'il n'oublia jamais. À cette époque, Matisse n'est pas encore la figure professorale de la légende. Il était connu comme farceur, comme chansonnier ribaud et anticlérical, et comme quelqu'un qui avait un jour interrompu un concert dans un café juste pour le plaisir. Les proches d'Amélie évoluaient alors dans un contexte social, intellectuel et politique dont Matisse n'avait jamais eu connaissance. Ils ont défendu la libre pensée, la séparation de l'Église et de l'État et la laïcisation du système éducatif français. Sa famille, plus aisée que celle de Matisse, apporte le soutien nécessaire à l'artiste en herbe. Lorsque Matisse épouse Amélie en janvier 1898, ils ont été présentés seulement trois mois plus tôt. La tante d'Amélie, Noélie, et deux de ses frères tenaient un magasin de vêtements féminins à succès, la Grande Maison des Modes. Avant son mariage, Amélie avait montré un don pour la conception, la fabrication et le modelage de chapeaux pour une clientèle à la mode. En juin 1899, elle trouve un associé et ouvre sa propre boutique rue de Châteaudun. Cela permet à Henri et à elle-même de vivre, avec Marguerite, dans un minuscule appartement de deux pièces dans la même rue. Madame Matisse, fervente fidèle, jouera un rôle fondamental dans la vie et la carrière de l'artiste pendant plus de 40 ans. Marguerite deviendra le pilier de la vie de son père En 1902, une catastrophe s'est produite. Les parents d'Amélie ont été déshonorés et financièrement ruinés dans un scandale spectaculaire d'envergure nationale, en tant qu'employés sans méfiance d'une femme dont l'empire financier reposait sur la fraude. Grâce à ses premières années passées dans un cabinet d'avocat, Matisse a pu s'occuper avec brio de l'organisation de la défense de son beau-père. Quand tous ceux qui l'entouraient perdaient la tête, fondaient en larmes et s'apitoyaient sur leur sort, Henri Matisse réglait leurs problèmes les uns après les autres. L'épreuve a fait des ravages, à plus d'un titre. Ses médecins ordonnent à Matisse de se rendre à Bohain et de prendre deux mois de repos complet. Amélie a perdu sa chapellerie et son appartement de la rue de Châteaudun. Pour la première fois, Henri, Amélie et les trois enfants sont réunis à Bohain, n'ayant nulle part où aller. Hillary Spurling, l'une des biographes de Matisse, affirme que les souvenirs d'Amélie concernant cette disgrâce publique ont nourri une "suspicion à l'égard du monde extérieur" qui marquera toujours la famille Matisse. La famille Matisse formait une sorte de cellule hermétique qui tournait autour de l'œuvre et de la profession de l'artiste. Ils ont adapté leurs activités en fonction de ses pauses et de ses séances de travail. Le silence est essentiel. Même pendant les années où Matisse vivait le plus souvent seul à Nice, un rituel annuel de déballage, d'étirement, d'encadrement et d'accrochage se terminait par l'installation de toute la famille pour réagir aux peintures. La conférence peut durer plusieurs jours. Ensuite, les concessionnaires ont été admis. Matisse et sa femme avaient eu deux fils, Jean (né en 1899) et Pierre (né en 1900). Il n'était pas toujours en paix avec sa famille. Il a écrit que leurs points de vue n'étaient pas toujours en accord "ce qui me perturbe considérablement dans mon travail, pour lequel j'ai besoin du calme le plus complet et de la part de ceux qui m'entourent, d'une sérénité que je ne peux pas trouver ici". J'ai l'intention de m'installer dans un village à quelques lieues de là." Pierre, son frère Jean et Marguerite sont restés proches de leur père à travers toutes les vicissitudes, et Matisse, dans ses dernières années d'invalidité, était dévoué à ses nombreux petits-enfants. En 1899, alors que ses peintures témoignent d'un talent rebelle mais d'une direction peu claire, Matisse commence à suivre des cours de modelage de l'argile et de sculpture. Chargé de copier l'un des chefs-d'œuvre sculptés du Louvre, il choisit le Jaguar dévorant un lièvre, une œuvre violemment précise d'Antoine-Louis Barye. Plus tard, lorsque ses peintures semblaient bloquées, il s'est tourné vers la sculpture pour organiser ses pensées et ses sensations. Influencé par les travaux des post-impressionnistes Paul Cézanne, Gauguin, Van Gogh et Paul Signac, ainsi que par l'art japonais, Matisse a fait de la couleur un élément crucial de ses peintures. Matisse disait : "Dans l'art moderne, c'est indubitablement à Cézanne que je dois le plus." En étudiant les plans fragmentés de Cézanne - qui étendent l'idée de la nature morte à une contemplation forcée des surfaces colorées elles-mêmes - Matisse a pu reconstruire sa propre philosophie de la nature morte. Un grand nombre de ses peintures de 1899 à 1905 utilisent une technique pointilliste adoptée par Signac. En 1898, il se rend à Londres pour étudier les peintures de J. M. W. Turner, puis part en voyage en Corse. Après des années de pauvreté, Matisse traverse sa "période sombre" (1902-03), passe brièvement au naturalisme, revient à une palette sombre et dit à ses amis en 1903 qu'il a perdu tout désir de peindre et qu'il a presque décidé d'abandonner. Heureusement, Matisse a pu gagner un peu d'argent en peignant une frise pour l'exposition universelle du Grand Palais à Paris. Il a également beaucoup voyagé au début des années 1900, à l'époque où le tourisme était encore une idée nouvelle. Grâce aux chemins de fer, aux bateaux à vapeur et aux autres moyens de transport apparus au cours de la révolution industrielle, les voyages sont devenus une activité très prisée. Touriste cultivé, il a développé son art en voyageant régulièrement. FAUVISME La carrière de Matisse peut être divisée en plusieurs périodes qui évoluent sur le plan stylistique, mais son objectif fondamental est toujours resté le même : découvrir "le caractère essentiel des choses" et produire un art "d'équilibre, de pureté et de sérénité", comme il le dit lui-même. Les changements d'environnement des studios semblent avoir toujours eu un effet significatif sur le style de son travail. Au cours de ces premières années de lutte, Matisse définit son programme artistique révolutionnaire. Il ignore la perspective, abolit les ombres, répudie la distinction académique entre la ligne et la couleur. Il tentait de renverser une façon de voir évoluée et acceptée par le monde occidental depuis des siècles en substituant une subjectivité consciente à l'illusion traditionnelle de l'objectivité . C'est dans les premières années de la nouvelle décennie que Matisse s'impose dans le monde de l'art d'avant-garde. Il a exploré la scène artistique moderne en se rendant fréquemment dans des galeries telles que Durand-Ruel et Vollard, où il a découvert des œuvres de Paul Cézanne, Paul Gauguin et Vincent van Gogh. La première exposition personnelle de Matisse a lieu en 1904, sans grand succès. Le 16 mai 1905, il arrive dans le charmant port catalan de Collioure, dans le sud de la France. Il invite bientôt le peintre André Derain (1880-1954), de 11 ans son cadet, à le rejoindre. En 1905, Matisse est considéré comme le fer de lance du mouvement fauve en France, caractérisé par sa spontanéité et la rudesse de son exécution, ainsi que par l'utilisation de couleurs brutes directement de la palette à la toile. Matisse a combiné la couleur pointilliste et la manière de Cézanne de structurer l'espace pictural trait par trait pour développer le fauvisme - une manière moins de voir le monde que de le sentir avec les yeux. À la fin de l'été fauve, Derain quitte Collioure avec 30 peintures, 20 dessins et une cinquantaine d'esquisses, pour ne plus revenir, tandis que Matisse repart quelques jours plus tard en ramenant à Paris 15 peintures achevées, 40 aquarelles, plus de 100 dessins. Il revient à Collioure les étés 1906, 1907, 1911 et 1914. L'attrait du soleil s'avérera toujours avoir des pouvoirs de restauration pour l'artiste tout au long de sa vie, en particulier après des périodes de grand effort émotionnel. Lorsque les œuvres fauves sont exposées pour la première fois au Salon d'Automne à Paris, elles font scandale. Des témoins oculaires ont fait état de rires émanant de la salle VII où ils étaient exposés. Gertrud Stein, l'un des futurs plus importants soutiens de Matisse, a rapporté que les gens grattaient les toiles par dérision. "Un pot de peinture a été jeté à la face du public", a réagi le critique Camille Mauclair. Louis Vauxcelles a décrit l'œuvre avec la phrase historique "Donatello au milieu des fauves !". (Donatello parmi les bêtes sauvages), en référence à une sculpture de type Renaissance qui partageait la pièce avec eux. Son commentaire a été publié le 17 octobre 1905 dans le quotidien Gil Blas et est passé dans l'usage populaire. Derain lui-même qualifiera plus tard les couleurs des Fauves de "bâtons de dynamite". Le tableau qui a fait l'objet d'attaques est la Femme au chapeau de Matisse, un portrait de Madame Matisse. Ce tableau fut acheté par Gertrude et Leo Stein, ce qui eut un effet très positif sur Matisse qui souffrait de démoralisation à cause de la mauvaise réception de son travail. Matisse poursuit ses expériences à Collioure, visibles dans le tableau La fenêtre ouverte et la vue de Collioure , également une œuvre caractéristique du fauvisme par ses couleurs brutes et son mépris des détails. Ces deux œuvres sur le paysage de la Méditerranée française présentent une évolution distincte vers un style spontané et désinhibé. Outre André Derain, Georges Braque, Raoul Dufy et Maurice Vlaminck étaient également membres du mouvement fauve. Cependant, les amis intimes de Matisse parmi les artistes étaient pour la plupart des peintres mineurs faciles à vivre, comme Albert Marquet. La solitude caractérielle de Matisse le rendait en proie à des dépressions vertigineuses. Il se souviendra plus tard d'une dépression qu'il a subie en Espagne, en 1910 : "Mon lit a tremblé, et de ma gorge est sorti un petit cri aigu que je n'ai pas pu arrêter". Dès le début de sa carrière, les femmes ont été l'un des motifs cardinaux de la production de l'artiste. Sa Joie de vivre (1906) nous entraîne dans un monde d'une vivacité hallucinatoire, composé de nymphes évoluant dans un paysage idyllique en plein champ, habillées de couleurs pures et de contours sensuels. Deux femmes se prélassent au soleil tandis que deux autres discutent à l'orée de la forêt. L'une d'elles s'accroupit pour cueillir des fleurs tandis que sa compagne en tresse une chaîne dans ses cheveux. Un couple s'embrasse tandis qu'un autre groupe s'engage dans une danse ronde animée au loin. Ainsi, Joy of Life dépeint des nymphes des bois qui célèbrent leur vie, leur féminité et leur sexualité. En raison de l'incidence récurrente des femmes nues et de l'interprétation intensément sensuelle, de nombreux observateurs ont supposé qu'en tant qu'homme, Matisse devait être un hédoniste. Au contraire, l'examen historique démontre qu'en réalité, il était plutôt un Nordiste qui se reniait, qui ne vivait que pour travailler et qui le faisait dans l'angoisse chronique, la panique récurrente et au milieu de ruptures périodiques. Si Picasso s'est récompensé, au fur et à mesure, par des gratifications de jeu intellectuel et érotique Matisse ne l'a pas fait. À l'ère des idéologies, Matisse a esquivé toutes les idées, sauf peut-être une : l'art est la vie par d'autres moyens. On pense souvent que la célébration désinhibée des femmes par Matisse s'est inspirée du tableau Trois baigneuses (1882) de Cézanne (qu'il avait acquis pour lui-même avec un Van Gogh et un Gauguin). Cependant, Matisse dépeint les femmes comme des êtres nourriciers et accueillants, à l'opposé de la présence massive et rébarbative des femmes de Paul Cézanne, qui ressemblent à de l'argile. FAMED Le déclin du mouvement fauve, après 1906, n'a pas empêché la montée en puissance de Matisse. De 1906 à 1917, il vit à Paris et installe sa maison, son studio et son école à l'hôtel Biron. Parmi ses voisins figurent le sculpteur Auguste Rodin, l'écrivain Jean Cocteau et la danseuse Isadora Duncan. Nombre de ses plus belles œuvres ont été créées à cette époque, alors qu'il participait activement au grand rassemblement de talents artistiques à Montparnasse, même s'il n'était pas tout à fait à sa place en raison de son apparence conservatrice et de ses habitudes de travail strictes et bourgeoises. En fait, le but de l'art de Matisse était quelque chose de moins que révolutionnaire. En 1908, dans une déclaration célèbre tirée des "Notes d'un peintre", Matisse déclare comme son idéal un art "pour tout travailleur mental, pour l'homme d'affaires comme pour l'homme de lettres, par exemple, une influence apaisante, calmante sur l'esprit, quelque chose comme un bon fauteuil qui procure la détente de la fatigue physique." Les habitudes personnelles de Matisse étaient incroyablement régulières. Une journée typique se levait tôt et travaillait toute la matinée, avec une deuxième séance de travail après le déjeuner, suivie d'une pratique du violon, d'un dîner simple (soupe de légumes, deux œufs durs, une salade et un verre de vin) et d'un coucher tôt. En 1906, il réalise une série de 12 lithographies, toutes des variations sur le thème du nu assis. Il a choisi de partager son travail graphique avec le public presque immédiatement. Les lithographies ont été exposées à la Druet Gallery à Paris la même année que leur production, et les gravures sur bois ont été exposées au Salon des Indépendants au printemps 1907. En 1907, Appolinaire, commentant Matisse dans un article publié dans La Phalange, déclare : "Nous ne sommes pas ici en présence d'une entreprise extravagante ou extrémiste : L'art de Matisse est éminemment raisonnable." Malgré sa nouvelle notoriété, l'œuvre de Matisse continue de faire l'objet de critiques virulentes et il lui est difficile de subvenir aux besoins de sa famille. Son tableau controversé de 1907, Blue Nude, a été brûlé en effigie lors de l'Armory Show de Chicago en 1913. Contrairement au sort réservé aux impressionnistes, Matisse et d'autres Fauves ont pu exposer dans des galeries d'art. En 1908, Paul Cassirer, marchand d'art et éditeur allemand qui a joué un rôle important dans la promotion des œuvres des impressionnistes et post-impressionnistes français, a organisé une exposition des œuvres de Matisse à Berlin. La même année, le photographe américain Alfred Stieglitz organise à New York une exposition personnelle dans sa minuscule galerie de Manhattan, la 291, qui permet à Matisse d'entrer de plain-pied dans le puissant marché de l'art américain. Dans la première décennie de sa notoriété en tant que chef de file des Fauves, Matisse est plus admiré par les étrangers que par les Français. Après tout, ce sont les Russes et les Américains qui ont acquis d'importantes collections de ses premières œuvres presque aussi rapidement qu'elles ont été créées. Les grandes Matisse que l'on voit aujourd'hui dans les musées parisiens ont pour la plupart été acquises après la mort de l'artiste en guise de droits de succession. Les Français ont mis beaucoup plus de temps à comprendre la grandeur de Matisse - plus longtemps, en tout cas, que le groupe international d'aspirants talents qui affluaient à ses cours lorsqu'il était encore l'une des figures les plus controversées de l'avant-garde parisienne. Au cours de l'été 1907, Matisse et sa femme entreprennent un long voyage en Italie "pour le travail et le plaisir", visitant Venise et Padua, où ils admirent les fresques de Giotto. À Florence, ils étaient les hôtes des Steins dans leur villa de Fiesole. À partir de là, Matisse se rend à Arezzo, pour étudier Piero della Francesca, et à Sienne, attiré par les premiers peintres siennois, en particulier Duccio. PICASSO, GERTRUDE STEIN ET LES SOEURS CONES Au cours de la première décennie du XXe siècle, les Américains vivant à Paris, Gertrude Stein, ses frères Leo Stein, Michael Stein et Sarah, la femme de Michael, s'intéressent de près à l'art de Matisse. En outre, les deux amis de Gertrude Stein, originaires de Baltimore. Les sœurs Cone ont acquis leur premier Matisse en 1906 et, au cours des quatre décennies suivantes, elles ont formé l'une des plus grandes collections d'œuvres d'art au monde. La Collection Sone contient non seulement des œuvres majeures de toutes les phases de la longue carrière de Matisse, mais reflète l'intérêt particulier des sœurs pour sa période niçoise, lorsqu'une nouvelle complexité de forme et de psychologie s'insère dans l'attrait de la surface toujours intense de ses peintures. En avril 1906, lors d'une réunion dans la maison de la légendaire Gertrude Stein, Matisse est présenté à Pablo Picasso, de 11 ans son cadet. Picasso et Matisse étaient aux antipodes sur le plan esthétique et leurs modes de vie ne l'étaient pas moins. Matisse était nettement plus grand et plus poli que le Catalan, trapu et arrogant, qui régnait alors sur la turbulente scène artistique avant-gardiste de Paris. On dit qu'ils ont toujours regardé l'un et l'autre par-dessus leur épaule. Il est bien connu que leur rivalité a pris de l'ampleur et qu'ils ont pris parti. Picasso dira plus tard : "Personne n'a jamais regardé les tableaux de Matisse plus attentivement que moi ; et personne n'a regardé les miens plus attentivement que lui." L'une des principales différences entre leurs concepts picturaux est que Matisse dessinait et peignait d'après nature, tandis que Picasso était beaucoup plus enclin à travailler à partir de l'imagination. Les sujets les plus fréquemment peints par les deux artistes sont les femmes et les natures mortes, Matisse plaçant plus volontiers ses personnages dans des intérieurs pleinement réalisés. Gertrude Stein, qui aimait remuer les choses, a écrit : "le sentiment entre les Picassoites et les Matisse-ites est devenu amer." Bien que Matisse ait sèchement noté que "nos disputes étaient toujours amicales", il convient de souligner que Picasso et ses amis ont lancé des fléchettes à ventouse sur le Portrait de Marguerite de 1906 de Matisse (que Picasso avait obtenu en échange de son propre Pichet, Bol et Citron, de 1907). Si le fossé entre les deux artistes a fini par se refermer, celui entre leurs partisans est resté. ACADÉMIE MATISSE À PARIS & SERGEI SHCHUKIN En 1909, la famille Matisse vit dans un ancien couvent du boulevard des Invalides, à Paris, où l'artiste dirige une école de peinture. Son immense notoriété, qui avait été confirmée en 1905-06 par La joie de vivre, une œuvre qui semblait faire fi de toutes les normes possibles en matière d'ordre pictural et de finesse picturale.Ses amis ont organisé et financé l'Académie Matisse à Paris, une école privée et non commerciale dans laquelle Matisse a instruit de jeunes artistes. Il a fonctionné de 1911 à 1917. Hans Purrmann et Sarah Stein ont été plusieurs de ses élèves les plus fidèles. Bien qu'elle n'ait duré que trois ans (1908-11), l'Académie Matisse est devenue, au cours de sa brève existence, l'un des principaux carrefours de la peinture moderne pour un certain nombre d'artistes européens et américains de talent. Compte tenu de la réputation que Matisse avait acquise en tant que "sauvage" de la couleur moderniste, certains de ses premiers étudiants ont dû être choqués par le fait que le programme d'enseignement qu'il proposait était remarquablement conservateur. Comme l'a écrit plus tard dans ses mémoires Jean Marli, le premier Norvégien à s'inscrire à l'Académie : "L'école avait, sur la suggestion de Matisse, acquis une copie de deux sculptures antiques du Louvre, Mars et une sculpture archaïque, qu'il utilisait souvent pour faire des démonstrations. De temps en temps, il se débarrassait complètement du modèle vivant et nous ne dessinions qu'à partir des plâtres, et ses critiques n'en étaient alors pas moins profitables." Parmi les élèves de Matisse figure Olga Meerson, une juive russe qui avait étudié avec Wassily Kandinsky à Munich et qui, déjà dotée d'un style élégant, cherchait à se refaire une beauté sous la tutelle de Matisse. Amélie se doute du pire. La jalousie d'Amélie et les besoins de Matisse ont peut-être poussé ce dernier à mettre fin à la relation, avec un sentiment négatif pour tout le monde. Meerson s'installe à Munich, où elle épouse le musicien Heinz Pringsheim, beau-frère de Thomas Mann. N'ayant jamais tenu ses promesses de peintre, elle se suicide à Berlin, en 1929. L'un des biographes de Matisse, qui a eu accès à une grande partie de la correspondance de l'artiste, affirme que l'artiste, après son mariage, a rarement, voire jamais, eu de relations sexuelles avec des modèles, malgré les sentiments qu'il semblait éprouver pour nombre d'entre eux. Deux collectionneurs d'art russes se sont distingués au début du XXe siècle : le marchand de tissus Sergueï Chtchoukine (1854-1936) et le fabricant de textiles Ivan Morozov (1871-1921). Tous deux acquièrent de l'art moderne français, développent une sensibilité pour repérer les nouvelles tendances et les font connaître en Russie. À cette époque, Matisse avait entamé son association féconde avec le magnat du textile russe et collectionneur visionnaire, Sergei Shchukin. L'artiste a créé l'une de ses œuvres majeures, La Danse, spécialement pour Chtchoukine, dans le cadre d'une commande de deux tableaux. Inspirée d'une danse circulaire - peut-être une sardane - exécutée par les pêcheurs à Collioure, cette peinture incarne le choc entre le sacré et la réalité. Des mains humaines s'unissent, mais elles forment un esprit divin. La planéité de l'œuvre met l'accent sur l'idée, les couleurs et la matière, une notion qui a fait de Matisse un modèle pour les modernistes. L'autre tableau commandé est Musique, 1909. Certains considéraient presque Chtchoukine comme un coproducteur de certaines des plus grandes œuvres de l'artiste. Concernant les violentes attaques contre son ami, le Russe a écrit à l'artiste : "Le public est contre vous, mais l'avenir vous appartient". En 1914, la maison de Chtchoukine à Moscou comptait trente-sept Matisse. "Il choisissait toujours le meilleur", a déclaré l'artiste. Lors de la révolution politique, Lénine exproprie en personne la Collection S, mais permet à Chtchoukine de rester, dans les quartiers des domestiques, comme gardien et guide. Il est décédé à Paris en 1936. La collection se trouve aujourd'hui dans les musées de l'Ermitage et Pouchkine. De 1911 à 1915 environ, Matisse se débat avec les idées du cubisme, une expérience à laquelle il a le sentiment de "ne pas participer" car elle ne "parle pas à [sa] nature profondément sensorielle". MAROC Comme beaucoup d'artistes d'avant-garde à Paris, Matisse était réceptif à un large éventail d'influences. Il est l'un des premiers peintres à s'intéresser à diverses formes d'art "primitif". Son art a été profondément influencé par l'art pascal. Matisse a d'abord flirté avec l'idée de visiter le Maroc après un voyage dans la partie mauresque de l'Espagne au cours de l'hiver 1910. Ce goût des Maures a fait naître la flamme de l'espoir d'une plus grande inspiration pour peindre au Maroc. En outre, bien conscient des sujets exotiques du Maroc qui avaient inspiré le célèbre peintre français Delacroix lorsqu'il avait visité le pays plus de quatre-vingts ans auparavant, Matisse pensait que le Maroc stimulerait son génie pictural d'une manière que l'Europe ne pouvait pas lui offrir. Il ne recherche ni le pittoresque ni la pornographie. Au Maroc, Matisse semble avoir eu des difficultés à trouver des modèles qui acceptent de poser pour lui, notamment des femmes en raison de la loi du voile. Seules les juives et les prostituées en sont exemptées. Heureusement, Matisse a trouvé la prostituée Zorah pour l'occasion, bien qu'il ne l'ait pas peinte comme une prostituée. Au contraire, dans le premier tableau qu'il lui consacre, Zorah en Jaune, les thèmes sexuels sont manifestement absents de la toile. En tant que prostituée habituée à exposer et à exhiber son corps, Can aurait pu facilement être peinte nue ou avec moins de vêtements pour s'exhiber, mais Matisse choisit plutôt de la garder vêtue et de la faire poser avec prudence. Contrairement aux femmes occidentales primitives et nues de l'œuvre fauve Joy of Life. La Zorah marocaine est habillée avec respect et détail pour ses caractéristiques les plus fines. Il développe sa capacité à peindre en prenant conscience des qualités non sexuelles de son sujet, s'éloignant ainsi des femmes fauves. De nombreuses peintures marocaines...

Cette linogravure d'influence cubiste représente des fleurs de pensées avec des touches dorées sur un fond bleu profond. Elle a récemment été exposée à Dublin, aux côtés d'autres gr...

Cette série de triptyques en cyanotype met en valeur la beauté des scènes de la nature, notamment des plages et des océans magnifiques, ainsi que les textures complexes de l'eau, des...

Redemption est une gravure à l'eau-forte et à la pointe sèche réalisée par l'artiste italien Riccardo Tommasi Ferroni (1934-2000). Non signé ni numéroté. Le style de Tommasi est re...

Ces œuvres ont été imprimées en novembre 1967 par Fernand Mourlot, maître lithographe à Paris.

MARTA WAKUŁA-MAC : Maîtrise en enseignement des beaux-arts - Diplôme en gravure d'art à l'Université d'Ottawa Institut d'art, Université pédagogique, Cracovie, 2003. Membre de Grap...

Ces œuvres ont été imprimées en novembre 1967 par Fernand Mourlot, maître lithographe à Paris.

Heinrich Ulrich (alias Heinrich Ullrich) (fl.1567-1621) "Soldat avec Hellebarde", 1598, extrait de la série "La garde de l'empereur Rodolphe" (alias "Vieux soldats allemands" ; "Sui...

Paysage d'hiver est une impression offset sur toile réalisée d'après Josip Generalic en 1961.  Signé sur la plaque et daté en bas au centre. Bonnes conditions et vieillissement. L...

Cette estampe contemporaine à grande échelle, édition 10 de 25, de l'artiste moldave-espagnole Natasha Lelenco, fait partie de sa série The Dinners. Imprimée sur Dibond avec une fidé...

Cette installation grand format de sept panneaux de Natasha Lelenco, intitulée The Dinners (Edition 9/25), explore les thèmes de l'identité queer, de l'isolement et des rituels colle...

Bernard CATHELIN Orchidées Lithographie originale, 1988 Signé à la main au crayon Inscrit EA (épreuve d'artiste) en marge de l'édition de 100 exemplaires Sur papier Arches, format 4...

Lithographie française du milieu du siècle et Pochoir imprimé sur papier velum d'Andre d'après Andre Derain des éditions d'Art du Lion 1961 d'après la peinture originale de 1946. L'œ...

"Sexy Miami Futuristic Cocktail Lounge" est une série de photographies de Ryan Rivadeneyra inspirée par les couleurs Art déco de Miami qui montre de beaux objets et textures disposés...

Impression d'art, photo réalisée aux Etats-Unis. Éditions limitées.

Impression/ Photographie/ Édition limitée à 15 exemplaires, proposition pour une couverture en vinyle, signée par l'auteur.

Ces œuvres ont été imprimées en novembre 1967 par Fernand Mourlot, maître lithographe à Paris.

Georges BRAQUE Nature morte avec verre et pipe, 1959 Gravure originale avec aquatinte Signature imprimée dans la plaque Numéroté / 350 Sur vélin 30 x 56 cm (c. 12 x 22 in) REFERENC...

Il s'agit d'un cyanotype exclusif imprimé à la main en édition limitée. "Lush Palm Bushes" est un magnifique diptyque original en cyanotype représentant de superbes feuilles de palm...

Tirage d'art, photo d'une piscine, édition limitée à 15 exemplaires, signée par l'auteur.

Il s'agit d'un cyanotype exclusif, imprimé à la main, qui s'inspire des formes modernes du milieu du siècle et du mouvement du modernisme dans le désert. Il a été réalisé en superpos...

Cette estampe figurative en édition limitée, The Sister (Edition 8 de 25), fait partie de la série acclamée The Dinners de Natasha Lelenco. Mêlant portrait contemporain et surréalism...

Dimensions de l'image : 23.5 x 27.5 cm. Scarabei in combattimento (Scarabées en combat) est une œuvre d'art originale réalisée par le grand poète, artiste et graveur italien Luigi ...

Gracieuse imbrication de plants de concombres et de tomates sur fond de couleurs pêche. inspirée des designs de William Morris - Impression giclée en édition limitée - avec des ...

ZDZISŁAW WIATR (né en 1960) Il est diplômé de l'Académie des beaux-arts de Cracovie, à la Faculté des arts graphiques de Katowice, où il a obtenu en 1986 un diplôme avec la mention h...

Still Life est une lithographie réalisée par Ibrahim Kodra dans les années 1980. Signé à la main en bas à droite, numéroté, édition de 150 tirages. Bonnes conditions. Ibrahim Likm...

Il s'agit d'un tirage Giclée couleur exclusif en édition limitée, imprimé sur du papier photographique mat. Cette exquise photo de nature morte, montre un bouquet de classe magnifiq...

Watermelon est une lithographie en couleurs mixtes réalisée par l'artiste sicilien Renato Guttuso en 1982 L'œuvre d'art provient de XXeme Siècle Paris/New York ; Imprimeur Graphis ...

Maurice BRIANCHON Nature morte avec poires et raisins Lithographie originale Signé à la main au crayon Numéroté / 75 Sur vélin d'Arches 50 x 65 cm (c. 20 x 26 in) Très bon état, l...

Amsterdam VII est une intrigante gravure à l'aquatinte et à l'aiguille sèche du début de la carrière du célèbre artiste franco-néerlandais Olivier Julia. Elle représente un détail de...

Nature morte est une lithographie originale en couleur réalisée par Antonio Fomez entre 1950 et 1974. Signé à la main au crayon en bas à droite. Preuve d'artiste (Récrit à la main...

Still, Life est une gravure sur bois sur papier, réalisée par un artiste anonyme en 1936. Elle est monogrammée et datée en bas au crayon et numérotée, rare édition de 1/20 exemplair...

Tirage d'art, photo, disponible en différentes tailles, réalisé à NY.

Édition limitée à 15 exemplaires, impression d'art. Signé par l'auteur. Photo prise dans les transports publics.

Vincent van Ojen est un véritable maître de la technique de la gravure sur bois. Grâce à des années de dévouement et de recherche, il a perfectionné ce médium ancien, ce qui lui a pe...