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photographie grand format d'un rituel des Pouilles, réalisée par le célèbre photographe italien Massimo Vitali, connu pour ses observations topographiques à grande échelle des rites et rituels des loisirs modernes Chaque année, le 1er septembre, un rituel traditionnel se déroule dans l'ancien port de Monopoli, sur la côte adriatique des Pouilles. Les habitants se retrouvent à l'aube à Cala di Porta Vecchia pour se baigner dans la mer, dans l'espoir de passer un hiver en bonne santé. Lever de soleil à Monopoli (2022) 61.25” x 81” / 156cm x 206cm signé, titré et daté au verso édition de 6 exemplaires + 2 exemplaires d'artiste tirage photographique original de qualité archive avec diasec (verre acrylique) monté sur face dans un cadre de galerie contemporain blanc Chaque photographie originale en édition limitée est imprimée en Italie sous la supervision de l'artiste en édition strictement limitée (6 + 2AP), signée/titrée/datée lors de l'inspection finale et encadrée de manière experte dans un centre d'encadrement d'art européen de renom. A propos de l'artiste : Massimo Vitali est né à Como, en Italie, en 1944. Il a étudié la photographie au London College of Printing. Dans les années 1970, il a d'abord travaillé comme photojournaliste, mais au début des années 1980, une méfiance croissante à l'égard de la croyance selon laquelle la photographie avait la capacité absolue de reproduire les subtilités de la réalité l'a amené à modifier son parcours professionnel. Il a travaillé dans la cinématographie pour le cinéma et la télévision avant d'entamer une pratique artistique en 1995. Au cours des deux décennies suivantes, les œuvres de grande envergure de Vitali allaient se distinguer par ses observations sociopolitiques extrêmement détaillées de l'habitat naturel de l'humanité dans ses moments de loisirs. Sa série emblématique de panoramas de plage, capturés à distance à l'aide d'une plate-forme d'appareil photo grand format surélevée, a débuté à la lumière des changements politiques drastiques survenus en Italie. S'inspirant des maîtres de la Renaissance et de la peinture flamande ancienne, où l'espace central est pleinement mis à profit et où le paysage urbain ou naturel sert de toile de fond, les photographies de Vitali captivent le spectateur en offrant des observations très détaillées des habitats côtiers de l'humanité sous la lumière éclatante de l'été. L'œuvre de Vitali a fait l'objet de six monographies : « Beach and Disco », « Natural Habitats », « Landscapes With Figures », « Swimming Pools », « Short Stories » et « Entering A New World », qui vient de paraître. En outre, son œuvre est représentée dans les plus grands musées du monde, notamment le Centro de Arte Reina Sofia de Madrid, le Guggenheim Museum de New York, le Museum of Contemporary Art de Denver, le Fond National d'Art Contemporain de Paris, le Centre Pompidou de Paris, le Musée National d'Art Moderne de Paris, la Fondation Cartier de Paris et le Museo Luigi Pecci de Prato. Massimo Vitali vit et travaille à Lucques (Italie) et à Berlin (Allemagne). __________________________ EXPOSITIONS INDIVIDUELLES 2022 Massimo Vitali PhotoESPANA Biblioteca Central Cantabria, Santander 2022 L'été sans fin Edwin Hook Gallery, New York 2022 Massimo Vitali : Leporello 2020 Melbourne 2022 Ti ho visto Galerie Mazzoleni, Turin 2021 « PienoVuoto » Forte di Belvedere, Florence 2021 « No Country for Old Men » Espace d'art Visionarea, Rome 2020 « Constellations humaines » Musée Ettore Fico, Turin 2019 Massimo Vitali : « Nouvelles » Mazzoleni, Londres 2018 « Colonies côtières » Spiral, Tokyo 2017 Systèmes côtiers perturbés Benrubi Gallery (a) Gallery (New York, USA) 2016 Paysages avec figures Guido & Schoen Arte Contemponania (Gênes, Italie) 2016 Massimo Vitali Crown Gallery (Knokke-Zoute, Belgique) 2016 Massimo Vitali Ronchini Gallery (Londres, UK) 2015 Nouvelles impressions". Hilger Next (Vienne, Autriche) 2014 Massimo Vitali Studio La Citta (Vérone, Italie) 2014 Into The White" (Vers le blanc) Fondation d'art Erich Lindenberg (Porza, Suisse) 2014 Sempre più pallide. Vers l'Achrome Palazzo Tadea (Spilimbergo, Italie) 2013 Entre les normalités Bonni Benrubi Gallery (New York, USA) 2012 Fotografia Europea Reggio Emilia, Italie 2012 PhotoMed Sanary Sur Mer, France 2011 Vestiges arcadiens Bonni Benrubi Gallery (New York, USA) 2011 Massimo Vitali Brancolini Grimaldi (Florence, Italie et Londres, Royaume-Uni) 2011 Massimo Vitali Baro Galeria A (Sao Paulo, Brésil) 2011 Massimo Vital, Habitats naturels LOOK 3 Festival des photographes (Charlottesville, États-Unis) 2010 Une touche d'été Galerie Ernst Hilger à la Brot Kunsthalle (Vienne, Autriche) 2010 Massimo Vitali M & M Gallery (a) Gallery (Los Angeles, USA) 2010 Entrée/sortie Centro de Arte Santa Monica (Barcelone, Espagne) 2009 Massimo Vitali : Paysage avec figures 2 Bonni Benrubi Gallery (New York, USA) 2009 Paysages humains Dogenhaus Galerie' (Leipzig, Allemagne) 2009 Perturbations de la réalité Hilger Contemporary (Vienne, Autriche) 2009 Massimo Vitali Musée FOAM (Amsterdam, Pays-Bas) 2009 Vintage By Core Club (New York, États-Unis) 2008 Massimo Vitali Bonni Benrubi Gallery (New York, USA) 2008 Massimo Vitali avec Mike Figgis : Piazza di Spagna The Somerset House (Londres, UK) 2008 Massimo Vitali Galeria A (Barcelone, Espagne) 2008 Nouvelles photographies : Massimo Vitali". Crown Gallery (Bruxelles, Belgique) 2008 Massimo Vitali A&M Fine Arts (Los Angeles, USA) 2007 Vistas : Massimo Vitali ArtCore Gallery (Toronto, Canada) 2007 Massimo Vitali Jackson Fine Art (Atlanta, États-Unis) 2007 Anciens concepts, nouvelles œuvres The Columns (Séoul, Corée du Sud) 2006 Massimo Vitali : New Work" (en anglais) MBFA (Los Angeles, États-Unis) 2006 Massimo Vitali Hilger Contemporary (Vienne, Autriche) 2006 Massimo Vitali M & M Gallery (a) Gallery (Los Angeles, USA) 2006 Une nouvelle série de plages américaines Brancolini Grimaldi Art Contemporanea (Rome, Italie) 2006 Playa, Discotecas y Supermercados" (en anglais) Galeria A (Barcelone, Espagne) 2006 Rencontres Internationales de la Photo Arles, France 2005 Massimo Vitali : New Work" (en anglais) Bonni Benrubi Gallery (New York, USA) 2005 Fotografien 1995 - 2005 : Vitali Lentos Kuntsmuseum (Linz, Autriche) 2005 Massimo Vitali La Fabrica (Madrid, Espagne) 2004 Massimo Vitali Aula de Cultura BBK (Bilbao, Espagne) 2004 Massimo Vitali Centro per L'Arte Contemporanea Luigi Pecca (Prato, Italie) 2004 Massimo Vitali Galerie Hilger (Vienne, Autriche) 2004 Paysage avec figures Bonni Benrubi Gallery (New York, USA) 2004 En lumière MB Fine Art (Los Angeles, États-Unis) 2003 La Cour d'Ecole Cinametique de Corse (Porto Vecchio, Italie) 2003 La Cour d'Ecole Cite Pietramarina (Ville di Pietrabugno, France) 2002 Lieux publics, vies publiques The Photographers Gallery (Londres, UK) 2001 La Cour d'Ecole Centre Culturel Una Volta (Bastia, Corse) 1999 Rencontres Internationales de La Photo Arles, France 1995 Spiagge Italiane Galerie ConsArc (Chiasso, Suisse) 1994 Panoramas d'Allemagne de l'Est Historisches Archiv der Stadt Koeln (Cologne, Allemagne) __________________ EXPOSITIONS COLLECTIVES SÉLECTIONNÉES 2017 La Sono Persona Centro Internazionale di Fotografia (Palerme, Italie) 2017 La vie contemporaine Guidi Schoen Contemporenea (Genève, Italie) 2017 Domenica Marcello Farabegoli Projects @ L'Ambassade d'Italie au Palais Metternich (Vienne, Autriche) 2017 Due South The Delaware Contemporary (Delaware, États-Unis) 2016 Panorama Musée d'Art de la Province d'Hainaut (Charleroi, Belgique) 2016 Visions extraordinaires L'Italiaci Guarda, MAXXI (Rome, Italie) 2015 Com'è Viva la Città 1913-2014". Villa Omo e Como (Como, Italie) 2015 Antropia Eduardo Secci Contemporary (Firenzi, Italie) 2015 Photo Londres The Somerset House (Londres, UK) 2014 Projets à Miami Benrubi Gallery (Miami, USA) 2014 Paris Photo Grand Palais (Paris, France) 2014 De Rerum Natura Studio La City (Vérone, Italie) 2013 Vue d'oiseau Westport Arts Center (Westport, USA) 2013 Chercher à apprendre/ Apprendre à regarder Les 25 ans de la Galleria Clairefontaine (Luxembourg) 2012 L'insouciance La Maison Guerlain (Paris, France) 2012 Spectacle d'été Bracolini Grimaldi (Londres, UK) 2012 Add Anni '70 Arte A Milano 1969-1980 Palazzo Reale (Milan, Italie) 2012 L'élément profond : La photographie à la plage...

Ching-Ke Lin dit à propos de son œuvre… S'appuyant sur une structure de tissage circulaire, des lattes de bambou droites s'élancent dans un courant d'air flottant ; d'un gris d'encr...

Allumettes sur plaque d'aluminium, œuvre d'un artiste inconnu inspirée par Bernard Aubertin. Avec cadre

"Je m'émerveille devant les forces fondamentales de la Nature, les lois qui déterminent la structure et le comportement de la matière, les voies et moyens qui font que le monde a l'...

All You Need Is Love par Guy Boudro

"Interface Blue" est une œuvre originale de Jedediah Morfit réalisée en fibre de verre, plâtre renforcé, peinture et bois. Cette pièce mesure 24 "h x 20.25 "w x 2.75 "p encadrée, et ...

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Itinéraire de pèlerinage / Sud de la France ? Circa 1200 Sculpté dans du noyer Traces de peinture polychrome Hauteur 64 cm Probablement la plus ancienne représentation connue de sainte Anne avec la Vierge et l'Enfant Réseau de chemins de pèlerinage (vraisemblablement dans le sud-ouest de la France) Vers 1200 Noyer sculpté présentant des traces de peinture polychrome Hauteur 63.5 cm La représentation de sainte Anne avec sa fille Marie et l'enfant Jésus — connue sous le nom de « Anne et les Trois » — illustre la lignée humaine directe du Christ, qui s'étend sur trois générations. Sainte Anne est ici représentée non seulement comme la grand-mère de Jésus, mais aussi comme le point de départ de sa généalogie terrestre et, par là même, comme la source de son humanité. Cette représentation a pris une importance croissante au cours du XIIIe siècle. Cette composition entrelacée réunit les trois personnages en une unité généalogique cohérente : Anne tient Marie dans ses bras, et Marie tient le Christ. Ce type iconographique s'inspire indéniablement de la représentation romane antérieure de la *Sedes Sapientiae*, le « Trône de la Sagesse ». Dans cette représentation, Marie apparaît comme le trône du Logos divin fait chair. Dans la représentation intitulée « Anna dans le triangle », ce principe est élargi pour inclure une autre génération : Anna, pour ainsi dire, forme le trône de Marie, tandis que Marie, à son tour, porte le Christ. La réduction hiérarchique des figures met immédiatement en évidence la succession générationnelle et confère en même temps à la représentation un ordre strictement théologique. Description Sainte Anne est assise sur un trône en forme de bloc, doté d'accoudoirs aux lignes architecturales, dans une posture strictement frontale et droite. Anna domine la composition grâce à sa taille imposante. Devant son torse allongé, Marie et l'Enfant Jésus sont représentés l'un au-dessus de l'autre, à une échelle bien plus petite. Marie, représentée sous les traits d'une enfant, est assise au centre, sur les genoux d'Anne, entre ses jambes écartées et ses pieds. L'Enfant Jésus, quant à lui, apparaît sur les genoux de Marie. La composition suit un axe central presque parfait, dont seul l'enfant Jésus — légèrement décalé sur le côté — se détache. C'est précisément ce léger décalage qui dynamise ce groupe, qui serait autrement strictement symétrique et fermé. Anna passe son bras gauche autour de Mary et de Christ, dans un geste protecteur. Le bout de ses doigts effleure le corps de l'enfant, établissant ainsi un lien direct entre la génération la plus âgée et la plus jeune. La main droite, qui n'a pas été conservée, aurait probablement, à l'origine, reproduit ou complété ce geste enveloppant. Marie et l'Enfant y sont portés et enlacés. La composition frontale rigoureuse, la disposition de base symétrique et les proportions hiérarchisées s'inscrivent dans un langage formel façonné par la conception romane de l'imagerie. D'après les vestiges du tableau encore visibles aujourd'hui, Anna portait à l'origine un foulard blanc, une robe verte et une cape rouge. La couleur blanche du foulard peut symboliser la pureté, la vertu et la dignité spirituelle. Le vert symbolise la vie et l'espoir, et semble particulièrement approprié dans le contexte d'Anna, puisqu'elle est considérée comme l'origine de la généalogie humaine du Christ. La cape rouge peut symboliser l'amour, mais aussi la future Passion du Christ. Marie se distingue par sa robe bleue et sa couronne de style français : le bleu en est venu à être de plus en plus associé au ciel, à la sagesse divine et à la dignité particulière de la Mère de Dieu, tandis que la couronne la désigne comme Reine du Ciel. L'enfant Jésus était enveloppé dans une robe verte, qui fait écho à la robe d'Anne. Le dégradé de couleurs souligne ainsi également la place qu’occupe ce groupe dans l’histoire du salut : Anne apparaît comme l’origine généalogique, Marie comme la Mère royale de Dieu, et le Christ comme le Sauveur incarné. Sur les jambes des trois personnages, le vêtement tombe en plis anguleux et irréguliers, bordés de reliefs marqués. Malgré leur disposition géométrique, les plis présentent une texture douce, presque pâteuse. Les pans des robes ne tombent pas en couches fines sur les corps, mais se présentent comme des masses lourdes et autonomes. Sous la robe d'Anna, ses chaussures à bout pointu dépassent symétriquement de chaque côté. La séparation verticale entre les jambes renforce l'aspect monumental de la vue de face et l'unité formelle de la sculpture. L'Enfant Jésus est assis bien droit sur les genoux de Marie. Sa main droite est levée en signe de bénédiction, tandis que son bras gauche est plié devant son corps et tenait probablement un attribut, tel qu’un globe ou un fruit. Cette attitude présente le Christ comme le Sauveur source de bénédiction. Physiognomies Le visage allongé d'Anna est encadré par un foulard blanc bien ajusté qui lui recouvre entièrement la tête, lui cache le cou jusqu'au-dessous du menton et repose sur ses épaules en plis plats et globalement symétriques. Le voile indique qu'il s'agit d'une femme mariée et d'un certain âge, et la distingue clairement de la jeune Marie. Son visage se distingue par de grands yeux en amande. Son nez droit et bien dessiné se prolonge par un philtrum nettement saillant, sous lequel se trouve sa bouche étroite. Son regard, rivé sur le spectateur, et son expression globalement impassible confèrent à Anna une allure digne, presque éthérée. Maria a un visage plus fin et plus jeune. Ses yeux en amande sont plus petits que ceux d'Anna ; son nez court, légèrement retroussé, et sa petite bouche adoucissent cette pose de face un peu sévère. Elle porte une couronne sur la tête, mais elle ne porte pas de foulard en dessous. Au contraire, de longues mèches de cheveux lisses tombent de chaque côté de son visage. Ce contraste avec Anna, entièrement voilée, met en évidence à la fois la jeunesse de Marie et son statut de vierge. Le visage de l'enfant est encadré par une raie au milieu et des mèches de cheveux lisses qui descendent jusqu'aux oreilles. Ses grands yeux, son nez proéminent et sa bouche bien dessinée lui confèrent des traits moins enfantins et plus majestueux. Ainsi, sa physionomie s'inscrit également dans la tradition romane consistant à représenter l'enfant comme la sagesse divine. Classification stylistique et typologique Dès le VIIIe siècle, des fresques de l'église Santa Maria Antiqua à Rome représentent Sainte Anne avec sa fille Marie ; toutefois, celles-ci ne correspondent pas encore au type iconographique ultérieur, qui met en scène trois générations disposées les unes derrière les autres. Ce motif n'a pu être identifié de manière définitive comme une composition sculpturale à part entière qu'au XIIIe siècle. Parmi les premières sculptures reconnues figurent la monumentale « Anna selbdritt » en stuc de l'église Saint-Nicolas de Stralsund, datée d'environ 1260-1270, ainsi que le groupe sculptural originaire de la région Rhin-Meuse, réalisé vers 1290 et conservé au Liebieghaus de Francfort, et celui datant d’environ 1230, provenant de la vallée de Pusteria et aujourd’hui exposé au Musée de la mine et de l’art gothique de Leogang. D'un point de vue stylistique, cette figure peut être datée d'environ 1200 et pourrait donc constituer la plus ancienne représentation sculpturale de l'« Anna selbdritt » qui nous soit parvenue. Son intérêt résiderait alors dans une expression étonnamment précoce, presque programmatique, de ce concept iconographique qui ne s'est généralisé que plusieurs décennies plus tard : Anne porte Marie, Marie porte le Christ — la lignée humaine du Sauveur est représentée comme une succession fermée de générations, physiquement entrelacées. La composition s'inspire du *Sedes Sapientiae* roman, le « Trône de la Sagesse ». La réduction hiérarchique de la taille des personnages, leur disposition le long d’un axe central commun et l’Enfant-Jésus bénissant ne doivent donc pas être considérées comme une simple répétition d’un groupe de la Vierge à l’Enfant, mais plutôt comme un prolongement logique de l’une des représentations romanes majeures de la Vierge Marie. 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