Lampadaire Giacometti

Alberto Giacometti était peintre, graveur et créateur de meubles, mais il est surtout connu comme l'un des sculpteurs les plus importants du XXe siècle. Il est Revere pour les figures humaines allongées et élancées qu'il a créées dans les années qui ont suivi la Seconde Guerre mondiale et qui reflétaient l'existentialisme et les traumatismes liés au conflit.

Giacometti est né à Borgonovo, en Suisse, en 1901, dans une famille de créateurs. Son père Giovanni était un peintre post-impressionniste, son parrain Cuno Amiet était un peintre fauviste, son frère Bruno était architecte et son autre frère était un artiste et un designer de meubles qui a également servi de modèle à Giacometti. (Le sculpteur travaillait principalement avec des modèles tirés de sa vie personnelle).

À partir de 1922, Giacometti étudie à l'Académie de la Grande-Chaumière à Paris et est influencé par l'œuvre cubiste de Alexander Archipenko, Raymond Jacques-Villon et les sculptures post-cubistes de Jacques Lipchitz et Henri Laurens.

Au cours des années 1930, Giacometti a conçu des meubles tels que des lampes, des vases et des décorations murales pour gagner sa vie, collaborant souvent avec l'architecte d'intérieur Jean-Michel Frank, dont les intérieurs mêlaient avec goût l'extravagance à une simplicité sophistiquée. Cependant, la passion de Giacometti réside dans la création de sculptures.

Alberto et son frère Diego ont quitté Paris en 1940 pour échapper à l'invasion nazie et ont passé du temps dans le sud de la France avant de fuir à Genève, où ils sont restés jusqu'en 1946. En 1947, Giacometti a commencé à travailler sur ses sculptures les plus célèbres - des figurines très grandes et minces qui ont été associées à la fragilité et à la solitude.

Giacometti est devenu célèbre aux États-Unis à la suite de deux expositions de ses sculptures en 1948 et 1950 à la Pierre Matisse Gallery de New York - Jean-Paul Sartre a rédigé l'essai du catalogue de cette dernière. En 1961, l'ami de Giacometti, le dramaturge irlandais Samuel Beckett, , lui a demandé de concevoir le décor pour une nouvelle mise en scène de sa pièce "En attendant Godot". Sa réponse a pris la forme d'un simple arbre en plâtre.

En 1962, Giacometti a remporté le grand prix de sculpture de la Biennale de Venise , et pendant une grande partie du reste de sa carrière, il a créé modern des peintures, des dessins et des sculptures de plâtre, d'argile et de bronze dans son petit studio parisien. Il est décédé en 1966.

Les œuvres de Giacometti continuent de fasciner les collectionneurs. En 2010, sa sculpture en bronze grandeur nature L'Homme qui marche, qui orne désormais le billet de 100 francs suisses, est devenue l'une des sculptures les plus chères à être vendues aux enchères.

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Alors que le terme "expressionniste" est utilisé pour décrire tout art qui évite le naturalisme et utilise à la place un usage audacieux de formes aplaties et un travail de pinceau intense, L'art expressionniste décrit formellement les œuvres européennes du début du XXe siècle qui s'inspirent du Symbolisme et s'attaquent à des questions telles que l'urbanisation et le capitalisme. Les artistes expressionnistes ont expérimenté dans les peintures et les gravures des perspectives biaisées, l'abstraction et des couleurs vives non conventionnelles pour dépeindre l'isolement et l'anxiété ressentis plutôt que l'apparence du monde. 

Entre 1905 et 1920, les artistes autrichiens et allemands, en particulier, se sont inspirés des Postimpressionnistes tels que Paul Gauguin et Vincent van Gogh dans leurs efforts pour rechercher une nouvelle authenticité dans leur travail. Dans ses motifs géométriques et ses détails décoratifs, l'art expressionniste était également marqué par des sources éclectiques telles que l'art populaire allemand et l'art populaire russe ainsi que l'art tribal de l'Afrique et l'Océanie, que les adeptes du mouvement ont pu observer dans les musées et les expositions universelles.

Des groupes d'artistes se sont réunis pour partager et promouvoir les thèmes aujourd'hui associés à l'expressionnisme, comme Die Brücke (Le pont) à Dresde, qui comprenait Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner et Karl Schmidt-Rottluff et qui étudiait l'aliénation et la dissolution de la société dans des couleurs vives. À Munich, Der Blaue Reiter (Le Cavalier bleu), un groupe dirigé par Wassily Kandinsky et Franz Marc, a insufflé à l'expressionnisme une recherche de vérités spirituelles. Dans son tableau emblématique Le cri, le prolifique peintre norvégien Edvard Munch transmet un trouble émotionnel à travers la représentation d'éléments environnementaux, tels que le ciel menaçant.

L'expressionnisme s'est déplacé vers le début de la Première Guerre mondiale, les artistes utilisant davantage d'éléments grotesques en réaction à l'escalade de l'agitation et de la violence. La gravure était particulièrement populaire, car elle permettait aux artistes de diffuser largement des œuvres qui abordaient des questions sociales et politiques en cette période de bouleversements. Bien que le mouvement artistique ait pris fin avec la montée de l'Allemagne nazie, où les créateurs expressionnistes ont été qualifiés de "dégénérés", les idées radicales de ces artistes ont influencé le néo-expressionnisme qui a émergé à la fin des années 1970 avec des peintres tels que Jean-Michel Basquiat et Francesco Clemente.

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L'histoire de la sculpture telle que nous la connaissons trouverait ses origines dans la Grèce antique, tandis que les petites sculptures figurent parmi les exemples les plus courants d'art préhistorique. En bref, la sculpture en tant qu'art est présente depuis toujours. Puissant moyen tridimensionnel d'expression créative, la sculpture a longtemps été associée à la religion - pensez au Grand Sphinx de Gizeh, en Égypte - tandis que la tradition de collectionner des sculptures, qui remonte également à la Grèce et à la Chine, précède de loin l'apparition des musées.

La technique et les matériaux de la sculpture ont évolué au fil du temps. La sculpture en pierre, qui a essentiellement commencé par des images gravées sur les murs des grottes, est aussi vieille que la civilisation humaine elle-même. La majorité des œuvres sculptées qui subsistent dans les cultures anciennes sont en pierre. Traditionnellement, ce matériau et la poterie ainsi que le métal - bronze en particulier - faisaient partie des matériaux les plus courants associés à ce domaine des arts visuels. Les artistes ont longtemps cherché de nouveaux moyens et matériaux pour réaliser des sculptures et exprimer leurs idées . Le matériau, après tout, est le véhicule par lequel les artistes s'expriment, ou du moins résolvent les problèmes qui leur trottent dans la tête. Elle leur permet également de repousser les limites de la forme, de subvertir nos attentes et de bouleverser les conventions. Sculpteur influent autant que peintre et graveur révolutionnaire, Pablo Picasso a travaillé avec tout, du fil de fer au bois en passant par les sièges de vélo.

Si vous êtes un amateur d'art et d'antiquités ou si vous envisagez de faire entrer une œuvre de sculpture chez vous pour la première fois, il y a plusieurs détails à garder à l'esprit. Comme pour toutes les autres œuvres d'art, réfléchissez à ce que vous aimez. Qu'est-ce qui vous parle ? Visitez les galeries et les musées locaux. Admirez les œuvres d'art public et les foires d'art quand vous le pouvez et découvrez quel type de sculpture vous aimez. Lorsque vous vous décidez pour une œuvre spécifique, essayez d'en savoir le plus possible sur la pièce et, si vous n'achetez pas directement auprès d'un sculpteur, travaillez avec un expert en art pour confirmer l'authenticité de l'œuvre.

Et lorsque vous ramenez votre sculpture chez vous, n'oubliez pas : Quelle que soit la taille de votre nouvel ajout, il fera une différence dans votre espace. Les sculptures de grande taille et même de taille moyenne peuvent être lourdes, alors engagez des manutentionnaires professionnels si nécessaire et trouvez un bon endroit dans votre maison pour votre pièce. Que vous installiez une nouvelle sculpture figurative - un personnage coloré de KAWS ou une œuvre hyperréelle de Carole A. Feuerman, peut-être - ou une œuvre abstraite de Won Lee, vous voudrez que la sculpture soit à l'abri des chocs. (Vous constaterez que la plupart des sculptures doivent être exposées à hauteur des yeux, tandis que certains grands bustes sont mieux vus d'en bas)

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