Suzanne Tourte

Les premières décennies du XXe siècle ont été une période de bouleversements artistiques, avec l'art moderne des mouvements tels que le cubisme, le surréalisme, le futurisme et le dadaïsme remettant en question des siècles de vision traditionnelle de ce que devrait être l'art. En utilisant abstraction, des formes expérimentales et des techniques interdisciplinaires, les peintres, sculpteurs, photographes, graveurs et artistes de la performance ont tous repoussé les limites de l'expression créative.

Des expositions majeures, comme l'Armory Show de 1913 à New York - également connue sous le nom d'"Exposition internationale d'art moderne", dans laquelle des œuvres comme le radicalement angulaire Nude Descending a Staircase de Marcel Duchamp ont fait sensation - ont remis en question la perspective des spectateurs et des critiques et ont annoncé l'arrivée de l'art moderne aux États-Unis. Mais c'est au XIXe siècle que l'esprit révolutionnaire du mouvement prend forme.

La révolution industrielle, qui a introduit de nouvelles technologies et de nouvelles conditions culturelles dans le monde entier, a transformé l'art, qui était essentiellement commandé par les riches ou l'église, en une œuvre qui répondait à des expériences personnelles. Le style impressionniste est apparu dans la France des années 1860 avec des artistes comme Claude Monet, Paul Cézanne et Edgar Dega qui ont rapidement peint des œuvres capturant des moments de lumière et de vie urbaine. À la même époque, en Angleterre, les préraphaélites, comme Edward Jones et Dante Gabriel Rossetti, ont emprunté à l'art de la fin du Moyen Âge et du début de la Renaissance pour imprégner leur art de symbolisme et d'idées modernes de la beauté.

Issu de ce bouleversement du statu quo artistique, l'art moderne est allé plus loin dans le rejet des conventions et l'adoption de l'innovation. L'héritage audacieux des grands artistes modernes Georges Braque, Pablo Picasso, Frida Kahlo, Salvador Dalí, Henri Matisse, Joan Miró, Marc Chagall, Piet Mondrian et bien d'autres continue d'influencer la culture visuelle d'aujourd'hui.

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Décorer avec fine art prints - qu'il s'agisse de figurative prints, abstract prints ou d'une autre variété - a toujours été un moyen pratique de donner vie à un espace et de faire entrer dans votre maison les œuvres d'un artiste que vous aimez.

Poursuivie dans les années 1960 et 1970, en grande partie par les artistes Pop attirés par ses associations avec la production de masse, la publicité, l'emballage et la sérialité, ainsi que par ceux qui contestaient la primauté du coup de pinceau de l'expressionniste abstrait, la gravure a été adoptée dans les années 1980 par des peintres et des artistes conceptuels allant de David Salle et Elizabeth Murray à Adrian Piper et Sherrie Levine.

La gravure est le transfert d'une image d'une surface à une autre. Un artiste prend un matériau tel que la pierre, le métal, le bois ou la cire, le sculpte, l'incise, le dessine ou le marque d'une image, l'encre ou la peint, puis transfère l'image sur une feuille de papier ou un autre matériau.

Les tirages d'art sont souvent confondus avec leurs équivalents plus commerciaux. Après tout, notre lien le plus étroit avec l'image imprimée est constitué par les journaux, les magazines et les livres produits en masse, et beaucoup de gens ne se rendent pas compte que même si les estampes sont des éditions, elles partent d'une image originale créée par un artiste avec l'intention de la reproduire en petit nombre. Les tirages d'art sont créés en éditions strictement limitées - 20 ou 30 ou peut-être 50 - et sont toujours basés sur une image créée spécifiquement pour faire partie d'une édition.

Nombreux sont ceux qui pensent que Revere, l'artiste néerlandais REMBRANDT, est un peintre, mais ils ne savent peut-être pas qu'il était également graveur. Ses estampes ont été préservées dans le temps avec les œuvres d'autres artistes célèbres tels que Pablo Picasso, Salvador Dalí et Andy Warhol. Ces tirages d'art sont toujours très recherchés par les collectionneurs.

"C'est un autre outil dans la boîte à outils de l'artiste, au même titre que la peinture, la sculpture ou toute autre chose qu'un artiste utilise pour créer une marque ou s'exprimer", déclare Betsy Senior, vice-présidente de l'International Fine Print Dealers Association (IFPDA) et propriétaire de Betsy Senior Fine Art, Inc. à New York ( ).

Les éditions d'artistes étant généralement plus abordables et disponibles que ses œuvres uniques, elles sont plus accessibles et peuvent constituer une excellente occasion d'apporter une variété de couleurs, de textures et de formes dans un espace.

Pour les coins étroits, choisissez de petits tirages d'art plutôt qu'une œuvre audacieuse et surdimensionnée que vous accrocherez comme point focal dans la salle à manger. Mais attention à ne pas choisir quelque chose de trop grand pour votre espace. Et n'hésitez pas à vous pencher sur si nécessaire - toutes les œuvres n'ont pas besoin de crochets pour accrocher des tableaux. En adossant une grande œuvre d'art au mur, derrière une bibliothèque, vous pouvez ajouter une dynamique d'installation élégante à votre salon. (Pour en savoir plus sur la façon de disposer les œuvres d'art murales, cliquez ici.)

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