Art de Berlin

Cette peinture riche en émotions dépeint la présence tranquille d'un chien bien-aimé aux côtés d'une femme, capturant un moment de calme, de confiance et de connexion tacite. L'œuvre...

Elégante nature morte à l'huile sur toile de A. Rudolphi, signée en bas à gauche et datant d'environ 1900. La composition comprend une délicate composition de raisins dans un bol en ...

La peinture est réalisée à l'acrylique sur toile et représente un paysage marin avec du sable doré. La partie supérieure de la composition présente des coups de pinceau dynamiques et...

Cette peinture est réalisée sur toile à l'aide de peintures acryliques et représente une composition vivante et vibrante avec de nombreux papillons colorés qui remplissent tout l'esp...

Ouhi Cha (*1945 Busan), Sans titre, 1988. technique mixte, 31,8 cm x 23,3 cm (format de la feuille), signé "Ouhi Cha" au crayon en dessous et daté "[19]88". - en bon état - Image ...

Cette peinture captivante représente une jeune ballerine qui ajuste délicatement ses pointes. Vêtue d'un tutu de ballet, elle respire la grâce et la discipline. Les couleurs douces ...

Herbert Richard Max Bodzin (1936 Hohenlimburg - Weyhe 2025), Sculpture en acier, 1974. 85 cm (hauteur) x 25 cm (largeur) x 25 cm (profondeur), signée "H. Bodzin" sur la plaque de bas...

Alla Victorovna Kraschina-Shadov (*1958), Small Box, 1999. Huile sur toile, 59 cm x 59 cm (format de l'image), 63 cm x 63 cm (cadre), monogrammé et daté 1999 en bas à droite, égaleme...

Anonyme, observant un hibou sur un rocher, vers 1960. Bronze, figure en fonte massive, 6,5 pouces (hauteur) x 4,7 pouces (largeur) x 3,9 pouces (profondeur), 2,44 kg. - Excellent ét...

"Nature morte aux fleurs et aux fruits" est une peinture vibrante et dynamique qui présente un mélange harmonieux de fleurs, de fruits et d'ustensiles de table. Créée avec une palet...

Cette œuvre d'art est créée à l'aide de la technique de l'acrylique liquide sur toile. Le tableau présente une composition tourbillonnante et dynamique, avec des motifs complexes for...

Rudolf Kaesbach (1873 Gladbach - 1955 Berlin), idylle forestière, vers 1915. Bronze, patine dorée et brun doré, avec socle en fonte, monté sur une base en marbre (5 cm de haut), haut...

Édouard Drouot, sculpture française en bronze, bronze Art nouveau, sculpture de la Belle Époque, Salon de Paris, art français du XIXe siècle, statue en bronze du XXe siècle, groupe figuratif en bronze patiné, sculpture allégorique, figure mythologique en bronze, moulage à la cire perdue, beaux bronzes français Edouard Drouot, 1859 Sommevoire - 1945 Paris Bronze signé 40 cm de haut Sujet : Une jeune femme debout, vêtue d'une robe fluide (allégorie du printemps ou cueilleuse de fleurs), tenant un petit bouquet de fleurs dans ses mains. Style : lignes Art nouveau douces et organiques caractéristiques. Finition/Patine : Patine bronze bicolore (zones partiellement dorées ou aux reflets bronze clair sur la peau et les vêtements ; patine foncée sur le socle et les détails). Socle : socle de style roche naturel agrémenté de détails floraux. Édouard Drouot (1859-1945) était un sculpteur et peintre français prolifique, surtout connu pour ses sculptures en bronze pleines de dynamisme, qui couvrent les périodes de l'académisme tardif, de l'Art nouveau et de l'Art déco. Il a étudié à Paris à l'École des Beaux-Arts, sous la direction d'Émile Thomas et du célèbre Mathurin Moreau. Il a exposé régulièrement au Salon des Artistes Français à partir de 1889 et a obtenu une mention honorable à l'Exposition universelle de Paris en 1900. Édouard Drouot (1859, Sommevoire – 1945, Paris) Édouard Drouot était un éminent sculpteur et illustrateur français, surtout connu pour ses sculptures en bronze pleines de dynamisme, réalisées dans les styles Art nouveau et Art déco. Il a suivi les cours de Mathurin Moreau et d'Émile Thomas à l'École des Beaux-Arts de Paris et a exposé régulièrement au Salon de Paris à partir de 1889, où il a obtenu une mention honorable en 1892. Classification de l'œuvre L'illustration ci-contre présente le langage stylistique caractéristique de l'œuvre de Drouot vers 1900 : Sujet : Une silhouette féminine gracieuse, debout, vêtue d'une toge ou d'une robe fluide et légèrement drapée, tenant délicatement un bouquet de fleurs sauvages ou de roses à deux mains. Il s'agit d'une allégorie classique de l'Art nouveau (souvent intitulée « La Source », « Printemps » ou « Jeune fille aux fleurs »). Matériau et patine : bicolore, patine bronze aux nuances variées (*patine polychrome* / *bi-ton*). Les zones représentant la peau et la robe présentent une teinte plus claire, dorée ou brillante, tandis que le fond et les détails sont ombrés dans une teinte plus foncée. Socle : un socle naturel en pierre ou en terre, orné de fleurs détaillées et de motifs organiques. Thèmes principaux et style artistique L'œuvre de Drouot est très appréciée pour sa fluidité, son exécution expressive et son sens dynamique du mouvement, notamment dans la manière dont il traitait les drapés ondulants et les poses athlétiques. Allégoriques et mythologiques : figures classiques représentant les saisons, les éléments ou les vertus (par exemple, Pax Labor...

Walter Helbig (1878 Falkenstein - 1968 Ascona), Adoration des Mages, 1918. Linogravure coloriée à la main, 30 cm x 22,5 cm (représentation), 50 cm x 35 cm (format de la feuille), sig...

Cette œuvre d'art est créée à l'aide de la technique de l'acrylique liquide sur toile. La palette de couleurs s'étend du violet doux et du lilas à des tons plus profonds et riches de...

Le tableau représente une femme élégante, vêtue d'une veste légère et d'une chevelure volumineuse, assise dans une pose décontractée. Son image est rendue dans des tons sourds de gri...

Charles Uzzell-Edwards alias "Pure Evil" (*1968), Marlene Dali, vers 2010. Sérigraphie couleur, 35,9 x 24,5 cm, signée au crayon en bas à droite avec le nom et la signature de l'arti...

Cette peinture à l'huile pleine d'esprit, datant de la fin du XIXe siècle, représente un cardinal vêtu d'une robe d'un rouge éclatant, profondément concentré sur une partie d'échecs ...

Artiste non identifié, Portrait tête de Gottfried Bischoff, 1953. Bronze patiné monté sur un socle en pierre naturelle, 40 cm (hauteur totale) x 24 cm (largeur) x 25 cm (profondeur),...

Adolph Eduard Otto von Faber du Faur (1828 Ludwigsburg - 1901 Munich). Homme assis dans un studio. Peinture à l'aquarelle, 43 x 27 cm (format visible), 73 x 53 cm (cadre), monogrammé...

Ev Grüger (1928 Altenburg - 2017 Hofheim), Nature morte avec sculpture, flûte et matériel de peinture, 1956. Huile sur toile dans un cadre de galerie, 60 cm x 80 cm (format de l'imag...

À la Collectors Gallery, nous nous engageons à maintenir les plus hauts standards de confiance et de professionnalisme pour nos collectionneurs. Chaque œuvre d'art de notre collectio...

Ev Grüger (1928 Altenburg - 2017 Hofheim), Intérieur avec chaise et figures géométriques, vers 1958. Huile sur toile, 70 cm x 67 cm, non encadrée, signée "Grü[ger]" en bas à droite. ...

Wilhelm Feldmann (1859 Lüneburg - 1932 Lübeck), paysage d'automne impressionniste avec lac, vers 1905. Pastel sur carton, 46 cm x 31 cm (dimensions intérieures), 52 cm x 37 cm (cadre...

Anonymus, Porträtbüste von Homer, um 1900. Braun patinierte Bronze auf gestuftem Marmorpostament montiert, 34 cm (Gesamthöhe) x 12 cm (Breite) x 10 cm (Tiefe), 6,4 kg. - hintere Eck...

18e siècle, peinture ancienne, huile sur toile, vieux maître. Mère et enfant. Toile regarnie. Le cadre de la civière a également été renouvelé. Artiste inconnu.

Paysage d'automne antique, 1920. Peinture à l'huile d'August Westphalen. Dimensions sans cadre. Le cadre peut être légèrement endommagé par endroits.

The Escape explore le désir de dépasser la réalité qui nous est imposée. Le miroir n'est plus un simple reflet, mais un passage — un signe laissant entrevoir qu'un autre monde pourra...

Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Sous le masque de la Vénitienne, 1968. Lithographie, 30 cm x 24 (image), 59 cm x 42 cm (format de la feuille), signée "R.[einer] Schwarz" au crayon...

Curt Gitschmann (1876 Breslau - 1933 Berlin), Gerhart Hauptmann, vers 1912. Bronze patiné brun monté sur socle en marbre, 43 cm (hauteur totale), 20 cm (largeur) x 20 cm (profondeur)...

SOUND AND VISION - Budgies est une installation unique d'huile sur vinyle de l'artiste contemporaine allemande Doris Marten, dont les dimensions sont de 100 × 100 cm (39,4 × 39,4 in)...

Max Clarenbach (1880 Neuss - Cologne 1952), Soirée. Gravure, 18 x 41 cm (plaque), 33,5 x 57 cm (cadre), portant l'inscription "Abend" au crayon en bas à gauche, signée et datée "M. Clarenbach. 28.III.[19]09". Encadré et monté sous verre. - Légèrement bruni et légèrement roussi. À propos de l'œuvre d'art La gravure allongée horizontalement représente la vue panoramique d'une petite ville vue de l'autre côté de la rivière. Il y a des maisons à pignons sur la gauche et une puissante flèche d'église sur la droite. Les maisons bourgeoises et le grand édifice religieux indiquent le caractère urbain. Ces bâtiments sont rendus dans des tons sombres pour mettre en valeur la rangée de maisons plus claires au centre de l'image, plus proche de l'eau. Le contraste de clair-obscur crée deux plans parallèles qui ouvrent un espace à l'imagination de ce que pourrait être la ville. L'imagination est stimulée par les bâtiments presque entièrement sombres et à peine reconnaissables, tandis que le bras de la rivière qui mène à la ville stimule encore plus l'imagination. Cependant, comme la silhouette de la ville dans son ensemble se reflète dans l'eau, les plans parallèles sont perçus comme une bande de maisons qui s'étend sur toute l'horizontalité de la gravure et semble se poursuivre au-delà des limites de l'image. Le reflet a presque la même intensité que les maisons elles-mêmes, de sorte que la bande de bâtiments se confond avec leur reflet pour former l'unité formelle dominante de l'image. Seules les hachures horizontales parallèles donnent l'impression convaincante de voir de l'eau, démontrant la maîtrise de Max Parallele de l'aiguille à graver. L'eau est totalement immobile, le reflet n'est pas troublé par le moindre mouvement des vagues, ce qui crée une symétrie dans l'unité formelle du paysage urbain et de son reflet qui va au-delà du motif d'un simple paysage urbain. Un ordre pictural est établi qui intègre tout ce qui se trouve dans l'image et qui a un caractère métaphysique en tant que structure d'ordre qui transcende les choses individuelles. Cet ordre pictural n'est pas seulement pertinent dans le monde pictural, mais l'image elle-même révèle l'ordre de la réalité qu'elle dépeint. Révéler l'ordre métaphysique de la réalité dans les structures de sa visibilité est ce qui anime Clarenbach en tant qu'artiste et le motive à revenir au même cercle de motifs. La symétrie décrite est en même temps une asymétrie inhérente qui est une réflexion sur l'art : Alors que le paysage urbain réel est coupé en haut de l'image, que deux cheminées et surtout le clocher de l'église ne sont pas visibles, le reflet illustre la réalité dans son intégralité. Le reflet occupe une place beaucoup plus importante dans l'image que la réalité elle-même. Depuis l'Antiquité, l'art a été compris principalement comme un reflet de la réalité, mais ici Clarenbach montre clairement que l'art n'est pas une simple apparence, qui peut au mieux être un reflet de la réalité, mais que l'art a le potentiel de révéler la réalité elle-même. La structure d'ordre révélée n'est en rien purement formaliste, elle apparaît en même temps que l'ambiance du paysage. L'image est remplie d'un silence presque sacré. Rien dans l'image n'évoque un son, et l'immobilité est totale. Dans les paysages peints par Clarenbach, il n'y a pas de personnes qui apportent de l'action dans l'image. Nous ne nous voyons pas non plus attribuer une position de spectateur dans l'image, de sorte que nous ne devenons pas des sujets thématiques de l'action. Clarenbach s'abstient également de présenter des réalisations techniques. L'absence de l'homme et de la technologie crée une atmosphère intemporelle. Même si la date précise prouve que Clarenbach dépeint un événement qui s'est déroulé sous ses yeux, sans cette date, nous ne pourrions pas dire dans quelle décennie, ni même dans quel siècle, nous nous trouvons. L'immobilité n'a donc pas pour effet de figer le temps dans l'image, mais d'instaurer une éternité intemporelle qui n'en est pas moins, comme l'indique le titre "Abend" (soir) ajouté par Clarenbach lui-même, un phénomène de transition. Le paysage des étals est sur le point d'être complètement plongé dans l'obscurité, les bâtiments derrière lui n'étant que faiblement discernables. L'état légèrement assombri de la feuille est en accord avec cette qualité de transition, qui confère également à la scène une qualité sépia qui souligne son intemporalité. Et pourtant, la représentation est liée à une époque très précise. Clarenbach date l'image du soir du 28 mars 1909, ce qui ne renvoie pas à la réalisation de la gravure, mais à la capture de l'essence du paysage dans le paysage lui-même. Si le paysage réel est donc dans un état de transition, et donc quelque chose d'éphémère, l'art révèle sa véritable nature en ce que la réalité, soumise au flux des phénomènes, est transférée à un moment éternel, soumis à une structure d'ordre supra-temporelle - révélée par l'art. Malgré cette supratemporalité, le tableau montre également les signes avant-coureurs de la nuit comme l'obscurcissement à venir du monde, ce qui confère au tableau un caractère profondément mélancolique, renforcé par le brunissement de la feuille. C'est le contenu philosophique et l'effet lyrico-mélancolique du graphisme qui lui confèrent son pouvoir d'enchantement. Une fois que nous sommes immergés dans l'image, il faut littéralement une secousse pour s'en détacher. Cette gravure, si caractéristique de l'art de Max Clarenbach, est - notamment en raison de ses dimensions - une œuvre majeure de son œuvre graphique. A propos de l'artiste Né dans la pauvreté et orphelin dès son plus jeune âge, le jeune Max Clarenbach, doué pour les arts, a été découvert par Andreas Achenbach et admis à l'Académie des arts de Düsseldorf à l'âge de 13 ans. "Complètement désargenté, je travaillais pour un oncle dans une usine de carton le soir pour payer mes études". - Max Clarenbach À l'académie, il étudie notamment avec Arthur Kampf et, en 1897, il est admis dans la classe de peinture de paysage d'Eugen Dücker. Clarenbach a percé en 1902, lorsque son œuvre Der stille Tag a été présentée à l'exposition de Düsseldorf. Le tableau est acheté par la galerie de Düsseldorf et Clarenbach se fait soudain connaître en tant qu'artiste. L'année suivante, en 1903, il achève sa formation académique et, après s'être marié, s'installe à Bockum, où il travaillait depuis 1901 dans l'ancien Studio d'Arthur Kampf, qui avait déménagé à l'Académie de Berlin. À Bockum, Clarenbach se consacre à l'étude artistique du paysage du Bas-Rhin et développe son style caractéristique. Ce style a également été influencé par ses séjours aux Pays-Bas. Il y étudie les artistes de l'école de La Haye et possède un studio à Flessingue. Lors d'un voyage à Paris, il s'inspire également de l'école de Barbizon. Ainsi influencé, Clarenbach s'est intéressé au paysage lui-même, ce qui l'a amené à développer son propre style de peinture. "La Nature dit tout, il suffit de la laisser parler tranquillement. Chaque arbre a quelque chose à dire. C'est merveilleux, mais très difficile de capter et de reproduire ce qui se dit". - Max Clarenbach En 1908, les Clarenbach s'installent dans la maison Clarenbach à Wittlaer, conçue par Joseph Maria/One pour le peintre, en pleine nature. "Parce que Clarenbach voulait vivre en permanence dans et avec la nature du Rhin inférieur, il fit construire par son ami Olbrich la maison qui correspondait à ses idées de beauté et d'harmonie, au milieu des champs et des prairies traversés par le Schwarzbach". - Ellen Clarenbach Le séjour à Paris est aussi l'occasion de découvrir l'art français le plus récent, qui n'a pas encore été reconnu en Rhénanie. En 1909, Clarenbach et ses anciens amis de l'académie, Julius Bretz, August Deusser, Walter Ophey, Wilhelm Schmurr et les frères Alfred et Otto Sohn, fondent le Sonderbund Westdeutscher Kunstfreunde und Künstler, qui durera jusqu'en 1915. Cezanne, Monet, Renoir, Rodin, Seurat, Signac, Sisley, Vuillard, van Gogh et Picasso étaient représentés dans les expositions. En 1910 et 1911, Kandinsky, Jawlensky, Purrmann, Kirchner et Schmidt-Rottluff les rejoignent. Les expositions progressistes du Sonderbund ont eu l'effet d'une attaque contre les cercles artistiques établis qui n'est pas restée sans récompense. Sous la direction du peintre Carl Vinnen, une "protestation des artistes allemands" est lancée contre "la favorisation antipatriotique des peintres français". La réponse, à laquelle Clarenbach a également participé, a été publiée sous le titre "Im Kampf um die Kunst". Après cette période mouvementée de la vie de Clarenbach, sa carrière artistique a pris un cours plus calme, lui permettant de se concentrer sur son art à l'écart de l'agitation politique. En 1917 - Clarenbach avait déjà reçu de nombreux prix - il succède à Eugen Dücker comme professeur à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf, poste qu'il occupe jusqu'en 1945. Pendant les années sombres du régime nazi, Calle a été représenté à la grande exposition d'art allemand à la Haus der Deutschen Kunst à Munich entre 1938 et 1943 et, bien que son intégrité artistique ait été considérée comme douteuse, il a été inclus dans la liste des artistes indispensables dite "Gottbegnadeten" en 1944. Il a formulé sa démarche artistique en ces termes : "Peu de couleurs, peu de pinceaux. Faites ressortir toutes les formes avec le pinceau plein, large et plat, ne dessinez pas les contours avec le pinceau, ce serait absolument faux. Chaque trait a quelque chose à exprimer, il ne faut jamais surpeindre. Cela demande de la concentration et une grande joie dans le processus". En fin de compte, c'est le même cercle de motifs paysagers qui a attiré Clarenbach tout au long de sa carrière artistique. "Faisant le pont entre tous les bouleversements artistiques et sociopolitiques de l'époque, l'œuvre picturale se révèle être l'expression continue d'une relation profondément ancrée avec la nature et d'un amour durable pour les paysages du Bas-Rhin." - Dietrich Clarenbach Clarenbach n'était pas imprévisible, mais, selon ses propres termes, "concentré" dans son art. Une œuvre comme un processus constant d'approfondissement. Grâce à sa concentration persistante, il a ouvert artistiquement le paysage encore et encore, créant des œuvres qui ne manquent jamais de captiver le spectateur. "Eh bien, à "l'écoute" correspond le "silence", et il nous semble que c'est le motif de base de toutes les peintures de Clarenbach". - Marie-Luise Baume Littérature utilisée Auss-Kat : Max Clarenbach, ein Repräsentant rheinischer Kunst, Schloß Kalkum, Landkreis Düsseldorf-Mettmann, 196. Clarenbach, Dietrich : "Wenn man Rheinländer und dazu noch 'Nüsser' ist, kann man, was man will...

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