Art - Maîtres anciens

Une belle paire de peintures à l'huile, huile sur carton représentant des vues de la Tamise, l'une montrant les maisons du Parlement, l'autre des barges dans une voie de navigation t...

Travail sur le carton Cadre en bois doré 54 x 45 x 4,5 cm

Portrait d'une jeune femme du début du XVIIIe siècle, en demi-longueur, portant une robe en soie bleue avec une chemise blanche et un manteau garni d'or drapé sur son bras et ses épa...

Ces deux portraits royaux constituent un témoignage historique majeur du séjour du comte d'Artois (le futur Charles X) et de sa famille à Édimbourg en 1796-1797. Offerts par les aute...

Nicolas LOIR (Paris, 1624 - 1679) Penitent Sainte Marie-Madeleine Huile sur toile, 58 x 71 cm Non signé Vers 1665-1675 Formé auprès de Simon Vouet puis de Sébastien Bourdon, Nico...

Une nature morte rare et très attrayante de William Smith de Chichester. Les textures somptueuses des pêches et des raisins contrastent avec le fond sombre. Une très belle pièce du X...

École autrichienne 18ème siècle Portrait tridirectionnel commémorant la guerre russo-turque Huile sur lattes de bois Cet extraordinaire portrait tri-directionnel est un exemple de...

Artistics : Inconnu (probablement français, 18e siècle) Titre : "La Femme muse". *Aucune signature trouvée Circa : 1780 Moyen : Dessin original au pastel sur papier épais Encadrement...

Paire de grands tableaux à l'huile sur toile représentant la scène des Noces de Bacchus et Ariane. Italie 18' siècle . Paysage étonnant en arrière-plan et temple romain avec des é...

Hyacinthe Rigaud (Perpignan 1659 - Paris 1743) Cercle Portrait de Philips V, roi d'Espagne (Versailles 1683 - Madrid 1746) Huile sur toile 72 x 59 cm - encadré 87 x 74 cm. Le table...

Michele Desubleo (Maubeuge, 1602 - Parme, 1676) - attribuable Portrait d'un gentilhomme comme Salomon, le roi sage Peinture à l'huile sur toile 120 x 141 cm, Par cadre en bois doré ...

Nature morte ornementale avec fruits, fleurs et oiseaux École italienne, 19e siècle peinture à l'huile sur toile, non encadrée taille : 31.5 x 47 pouces état : toile relinée et en tr...

Rembrandt van Rijn, D'après Bredius, Néerlandais (1606 - 1669) - La leçon d'anatomie, Année : de l'original 1632 (publié 1906), Médium : Photogravure, Taille : 10 x 14 in. (25.4 ...

Travail sur papier monté sur carton

Portrait d'une femme École anglaise, 18e siècle huile sur toile, non encadrée toile : 31 x 25 pouces provenance : collection privée, UK état : bon état et sain

JUAN DE ARELLANO Espagnol, 1614 - 1676 Cesta de Flore signé Juan de Arellano (en bas à droite) huile sur toile cadre d'origine en bois sculpté, doré et polychrome d'époque 22-1/2 X 2...

Cet exquis portrait du XVIIIe siècle représente une jeune fille, délicatement rendue dans le style de Sir Godfrey Kneller, l'un des plus célèbres portraitistes de la période baroque....

Pierre Mignard, dit Le Romain (Troyes 1612 - Paris 1695), attribué à l'artiste. Portrait de Louise Renée de Penancoët de Keroualle, duchesse de Portsmouth et d'Aubigny (Brest 1649 - ...

Une belle reproduction de l'un des plus célèbres chefs-d'œuvre de Piranesi, réalisée en édition limitée à quelques centaines d'exemplaires dans les années 1990. La colonne de Trajan...

Dans cette œuvre exquise, peinte à l'époque du grand incendie de Londres en 1666, une belle jeune femme porte une robe verte sur une chemise blanche et un foulard roux noué autour de...

Cette superbe peinture à l'huile hollandaise du XVIIIe siècle de type Old Master Golden Age floral est attribuée à un cercle de Simon Pietersz Verelst. Peinte vers 1720, cette nature...

Giovanni Battista Spinelli (Chieti, Italie, 1613 - Ortona, Italie, 1647) Titre : Le rêve de Jacob Médium : Huile sur toile Dimensions : sans cadre 98 x 135 cm - avec cadre 108 x 145 ...

Rembrandt van Rijn, D'après Amand Durand, Hollandais (1606 - 1669) - La Mort de la Vierge (B99), Année : 1878 (de l'original 1639), Médium : Héliogravure, Format : 9.25 x 7.5 in. (...

Provenance : Bradley Collectional. Collectional, Upperville, Virginie. La littérature : Katlijne van der Stighelen et Hans Vlieghe, Rubens : Portraits of Unidentified and Newly I...

Fille de la campagne - Pietro Colonna Italia 2006 - Huile sur toile cm. 45x25 Cadre en bois doré disponible sur demande Le tableau de Pietro Colonna est une réinterprétation de la Je...

Francesco Solimena (Canale di Serino 1657 - Barra 1747) atelier/cercle L'allégorie de l'Europe huile sur toile 102 x 76 cm. - avec cadre : 119 x 92 cm. L'œuvre, que l'on peut situ...

La obra no va firmada, es de autor anónimo Se presenta enmarcada la obra con un marco de la época de la pintura en madera dorada (el marco presenta algunas pequeñas faltas) L'état ...

Peintre français de la fin du XVIIIe siècle et du début du XIXe siècle Léda et le cygne (Source littéraire : Métamorphoses d'Ovide, livre VI) Huile sur toile 95 x 126 cm Enca...

Portrait circulaire de Sir Godfrey Kneller Bt. (britannique, 1646-1723) de Katharine, épouse de Thomas, 6e comte de Westmorland, huile sur toile de la fin du XVIIe siècle au début du...

Le paysage classique italien Artistics, circa 1800's huile sur toile posée sur carton, encadrée encadré : 9.5 x 13 pouces planche : 7 x 11 pouces provenance : collection privée état ...

Johann van der Hagen (1676-1745) Royal Yacht à gréement serré Huile sur toile Taille de la toile 30 x 25 in Taille du cadre 37 x 32 in Provenance : The Parker Gallery (a) Gallery. ...

Luca Forte (Naples, 1615 env. - 1670 env.) Deux grenades et un papillon volant Huile sur panneau de peuplier, 12,5 x 22 cm Expertise de Nicola Spinosa, historien de l'art Foires : ...

Luis de Calle, dit "El Divino" (Badajoz 1509 - 1586) atelier de La Pietà avec Saint John Huile sur panneau (82 x 65 cm / Dans le cadre 109 x 92 cm) ÉTAT DE CONSERVATION : Le panneau ...

Giacomo Stella (Brescia 1545 - Rome 1630) - Allégorie du temps indiquant la vérité, Peinture à l'huile sur toile, 192 x 74 cm. - dans un cadre doré 198 x 81 cm. L'ouvrage est accomp...

Remarquable portrait anglais du début du XVIIIe siècle de James Bellevue. Le portrait a toujours été considéré comme l'œuvre de Sir Godfrey Kneller, connu pour avoir peint James Bel...

Rembrandt van Rijn, D'après Bredius, Néerlandais (1606 - 1669) - Les Maîtres de la Guilde, Année : de l'original : 1661 (imprimé en 1906), Médium : Photogravure, Taille : 10 x 14 ...

James Fellowes Floraison 1719 - 1750 Portrait de William Henry Kerr, Earl of Ancram, 4th Marquess of Lothian Huile sur toile, signée et datée de 1747 Taille de l'image : 29 1/2 x 24 ...

Giacomo Stella (Brescia 1545 - Rome 1630) Allégorie de la sagesse (ou de la prudence) Peinture à l'huile sur toile 193 x 75 cm, Dans le cadre 199 x 82 cm. L'ouvrage est accompagné d...

École européenne, 19e siècle Vue de bateaux sur l'eau et de bâtiments huile sur carton, encadrée encadré : 16 x 22 pouces planche : 11.5 x 17.5 pouces Collectional, K.K. le tableau ...

Atelier de Hendrick van Balen (Anvers 1575 - 1632) Possible Jan van Balen (Anvers 1611 - 1654) Vierge à l'enfant avec trois anges Huile sur panneau 65 x 50 cm. - dans le cadre 94 x...

École néo-classique, France, fin du 18e siècle Allégorie du temps, Plume et encre noire sur papier, lavis d'encre grise 30.5 x 19 cm forme irrégulière En bon état, quelques rousseurs...

Une belle huile sur toile du 19e siècle, intitulée "South Pier, Sunderland". signé et daté indistinctement de 1844, le format du tableau soit environ 45 x 80 cm, les dimensions t...

Francesco Calle (Venise, 1738 - 1805) appelé "Il Maggiotto" grand peintre et physicien italien. Le "𝗖𝗼𝗻𝗰𝗶𝗮 𝗖𝗮𝗿𝗲𝗴𝗵𝗲("Craftsman fixing chairs") est tiré d'une des gravure...

Abraham AGE, peintre néerlandais du Siècle d'or et peintre de la cour de Prusse, a peint cette magnifique huile de maître ancienne du XVIIe siècle. Peint vers 1690 et signé en bas à ...

Lectures privées - Angelo Granati Italia 2013 Il s'agit de sa réinterprétation d'un grand tableau de maître ancien "Comparaisons" de Sir Lawrence Alma-Tadema. Huile sur bois cm. 15...

Par Wenceslaus Hollar, d'après Jan Van Bylert (Biler) Gravure sur papier vergé crème, 3 7/16 x 2 3/4 pouces (87 x 70 mm), marges de fil. Il manque l'inscription dans la plaque ; "F...

Miss Ada Gossett, vers 1673, en demi-longueur dans un paysage au crépuscule, vêtue d'une robe de soie ambrée ornée d'un châle de gaze bordé d'or et de bijoux fins, portant un collier...

Graphite sur papier vélin fibreux fabriqué à la main, fini avec un lavis gris. Bords de feuille inégalement rognés, restes de ruban adhésif non archivé aux quatre coins, recto, bien...

Gravure du début du XVIIIe siècle, coloriée à la main, représentant une scène de la ville de Venise, en Italie, intitulée "Palazzo Lin, a.". S. Samuele sopra il Canal Grande". Elle r...

Fleurs - Carlo De Tommasi Italia 2007 - Huile sur toile cm. 80x50. Avec cadre cm. 100x70 Cadre disponible sur demande dans notre atelier. Dans cette précieuse peinture à l'huile, Car...

Godfrey Kneller (Lübeck 1646 - Londres 1723) cercle de Portrait d'un gentleman dans un jardin Huile sur toile 67 x 47 cm. Encadré 84 x 64 cm. Le tableau représente un noble en pi...

École italienne, 17e siècle Étude d'après les fresques de Bernardino Lanino à Santa Caterina, Milan Craie rouge sur papier 297 x 186 mm Annoté au verso : "Vani" (autrement non sign...

L'école bolonaise du XVIIe siècle Cercle Giovanni Battista Ramenghi, dit Bagnacavallo (Bologne, 1521 - 1601) Peinture à l'huile sur toile (86 x 72 cm. - Avec cadre antique 107 x 93 ...

Signé et daté : 'F. Harwood Fecit 1764' Collections : Probablement commandée par Alexander Gordon, 4e duc de Gordon (1743-1827) ; Probablement par descendance au château Gordon, Banffshire vers 1948 ; Probablement acquis par Bert Crowther de Syon Lodge, Middlesex ; Jacques Hollander (1940-2004) ; Christie's, 5 décembre 2013, lot 101 ; Collection privée ; Sotheby's, 2 juillet 2019, lot 106 La littérature : John Preston Neale, Views of the seats of noblemen and gentlemen, in England, Wales and Scotland, Londres, 1822, vol.I, non paginé. Cette copie en marbre d'un buste ancien conservé au Musei Capitolini, généralement identifié comme étant Faustine la Jeune, fille d'Antonin Pius et future épouse de Marc Aurèle, a été réalisée à Florence par Francis Harwood en 1764. Harwood était l'un des fournisseurs les plus prolifiques de marbres décoratifs pour le marché du Grand Tour et cet exemple finement travaillé démontre la qualité des produits de luxe disponibles pour les voyageurs en Italie. Si souvent anonyme, cet exemple exceptionnellement signé et daté soulève des questions sur le statut des copies de marbre de l'époque et des sculpteurs tels que Harwood, connus principalement pour leurs travaux ornementaux. Les origines de Harwood restent obscures. Il est documenté comme vivant au Palazzo Zuccari avec Joshua Reynolds et le sculpteur irlandais Simon Vierpyl à Pâques 1752, il s'était certainement installé de façon permanente à Florence l'année suivante, lorsqu'il est enregistré comme travaillant avec Joseph Wilton. Il a été admis à l'Académie florentine le 12 janvier 1755 (en tant que pittore Inglese, bien qu'il ait été décrit comme scultore dans le compte rendu de l'inscription). Après le retour de Wilson en Angleterre en 1755, Harwood semble avoir travaillé dans un studio près de SS. Annunziata avec Giovanni Battista Piamontini qui avait réalisé des copies grandeur nature des Lutteurs et de L'esclave qui écoute pour Joseph Leeson en 1754. En 1758, les deux sculpteurs sont chargés de réaliser une statue et un trophée pour compléter la décoration de la Porta San Gallo, Harwood achevant une statue de l'Égalité, installée l'année suivante. En 1760, Harwood est à l'aube de sa période la plus productive en tant que sculpteur, produisant des copies d'antiquités célèbres pour le public toujours plus nombreux des voyageurs du Grand Tour et pour le marché intérieur de Londres. En 1761, Harwood a rencontré le jeune architecte James Adam, qui se trouvait en Italie dans le but précis de trouver des fournisseurs pour le cabinet florissant de Robert Adam en Grande-Bretagne. Les Adams ont proposé à leurs clients un ensemble de conception remarquablement cohérent, englobant non seulement l'architecture, mais aussi les installations, les équipements et le mobilier. Harwood a pu fournir aux frères des marbres pour leurs nouveaux intérieurs. À Syon, par exemple, Harwood a produit une copie grandeur nature du Bacchus de Michel-Ange pour la nouvelle salle à manger que les Adams avaient conçue pour Hugh Smythson, 1er duc de Northumberland. Harwood semble s'être également spécialisé dans la production de séries de bustes de bibliothèques. En 1758, Charles Compton, 7e comte de Northampton, un voyageur distingué, a commandé une série de bustes qui se trouvent toujours à Castle Ashby, dans le Northamptonshire. Ce n'est peut-être pas une coïncidence si les frères Adam produisent des dessins pour de nouveaux intérieurs à Castle Ashby à cette date. L'ensemble comprenait des représentations de : Cicéron, Jules César, Marc Aurèle, Faustine la Jeune, Sappho, Sénèque et Homère. Chacun de ces bustes semble avoir été reproduit par Harwood pour de multiples mécènes, un autre mécène d'Adam, Thomas Dundas, par exemple, qui était à Florence en 1762, a commandé des bustes de Marc Aurèle, Faustine la Jeune, Sénèque et une Vestale en payant 50 zecchini chacun pour les bustes en 1767. Le présent exemplaire, magnifiquement modelé et exceptionnellement bien conservé, a très certainement été commandé par un voyageur britannique. Il fait partie d'un très petit nombre de bustes de Harwood qui sont à la fois signés et datés. Les bustes de Faustine la Jeune étaient remarquablement populaires au milieu du XVIIIe siècle. Le buste romain avait été découvert à Tivoli en 1748 et offert par Benoît XIV au musée du Capitole. Il avait été restauré par Bartolomeo Cavaceppi, qui a ensuite produit une série de copies en marbre, dont une version pour James Adam en 1762, qu'il a vendue au duc de Northumberland et qui se trouve maintenant au Philadelphia Museum of Art. D'autres copies ont été faites pour Gustav III de Suède, pour Henry Temple, 2e comte de Palmerston et Henry Blundell. Il est moins facile de justifier sa popularité. Faustine la Jeune n'était pas une figure historique majeure, sa biographie n'était pas suffisamment engageante pour justifier sa présence dans tant de collections de sculptures distinguées. La réponse pourrait bien résider dans l'apparence du buste ; la forme ovale du visage, son expression douce, sa texture biscuitée et sa linéarité sont autant de caractéristiques de la sculpture hadrianique très admirée par des personnalités de premier plan comme le cardinal Alessandro Albani et Johann Joachim Winckelmann. Ce sont également des caractéristiques communes au néo-classicisme naissant. Dans cette sculpture au modelé net, Harwood a placé le buste blanc sur un socle en marbre gris, une caractéristique commune à une paire de bustes représentant Homère et Sénèque, également signés et datés par Harwood en 1764 et conservés dans la collection du Victoria and Albert Museum de Londres. Ils avaient été commandés à Florence par Alexander Gordon, 4e duc de Gordon en 1763 et sont restés au château de Gordon, dans le Banffshire, jusqu'au milieu du XXe siècle. Le buste actuel pourrait bien avoir fait partie de la même commande. Le premier volume de John Preston Neale, Views of the seats of noblemen and gentlemen (Vues des sièges des nobles et des gentilshommes), est paru en 1822 et contenait une description du château de Gordon, où l'on pouvait lire dans le hall une : une "copie de l'Apollon du Belvédère et de la Vénus de Médicis, magnifiquement exécutée en marbre statuaire par Harwood. Ici aussi, par le même statuaire ingénieux, se trouvent les bustes d'Homère, de Caracalla, de M. Aurelius, de Faustine et d'une Vestale... chacun élevé sur un beau piédestal de marbre...

Antonio C. (Rome, c. 1633 - c. 1684) Nature morte avec des objets précieux, des tissus de brocart et une assiette de bonbons c. 1650/1660 Huile sur toile, 96 x 130 cm Dans un...

Guido RENIS (Bologne 1575 - 1642) Atelier de Sainte-Catherine d'Alexandrie (détails complets LINK) Huile sur toile Dimensions (cm) : 96 x 73 - avec cadre 112 x 88 Cette œuvre splendide représente une belle figure féminine, richement vêtue et aux traits raffinés, qui tourne son regard vers le sol. Il s'agit de Sainte Catherine d'Alexandrie, reconnaissable grâce à ses attributs iconographiques typiques : la couronne et les habits royaux, qui rappellent ses origines princières, la palme dans une main et la roue dentée, qui rappellent son martyre. Grâce à ses origines nobles, Catherine d'Alexandrie a pu consacrer sa vie à l'étude, s'entourant de savants et d'érudits, et devenant très érudite, notamment en philosophie et en religion. Sa figure, qui a donné lieu à une très riche iconographie dans toute l'Europe, a été très appréciée en raison des caractéristiques qui la distinguent : elle représente une femme d'une grande intelligence, qui rachète un préjugé millénaire, d'un caractère fort et intrépide, capable d'opposer à la force la détermination de sa foi et de son savoir. Nous sommes devant un tableau d'une beauté peu commune, un portrait de femme qui suscite dans le regard de l'observateur un sentiment de perfection formelle peu commun, rendu tangible par des détails tels que la grâce de son port, la précision de son visage et de ses mains, qui apparaît hautaine et aristocratique, sans accessoires pompeux ni bijoux susceptibles de détourner l'attention. Et ce, malgré l'aspect profondément spirituel du tableau, où le saint est isolé dans la méditation et la dévotion silencieuse. Il s'agit notamment d'une version de grande qualité de la célèbre Sainte Catherine d'Alexandrie que Guido Reni a peinte vers 1638 - en pendant avec une Sainte Marguerite...

L'Annonciation Cercle de Paolo De Matteis (Piano Vetrale, 1662 - Naples, 1728) peinture à l'huile sur toile (106 x 90 cm - avec cadre 118 x 103 cm.) L'œuvre, de grande valeur décor...

Guido Reni (Bologne, Italie, 1575 - 1642) Titre : Tête masculine Médium : Huile sur toile Dimensions : sans cadre 44,7 × 51,2 cm - avec cadre 62,8 x 68,3 x 5,5 cm Expertise de Clau...

Sinned, de autor anónimo Se presenta enmarcada la obra con un marco de la época de la obra en madera policromada (el marco presenta faltas) Dimensions de l'objet : 84 x 65 cm. Dim...

Ce portrait de Santi di Tito, récemment redécouvert, représente un sénateur de Florentine, avec une lettre à la main indiquant que le tableau a été exécuté en 1574, à l'âge de 66 ans. Sur la base de ces indices, il est tentant d'y voir un portrait de Bartolomeo Panciatichi, peint une trentaine d'années auparavant par Bronzino (1503 - 1572). Si le traitement des mains rappelle la tradition florentine des portraits maniéristes, la comparaison avec le portrait de Bronzino illustre la recherche d'un plus grand réalisme de la part de Santi di Tito, malgré une composition stéréotypée. 1. Santi di Tito, peintre et portraitiste de la Contre-Réforme Santi di Tito est le grand peintre de la Contre-Réforme florentine. Il propose un nouveau langage artistique en rupture avec le maniérisme. On sait peu de choses sur sa formation à Florence (peut-être aux côtés de Bronzino ou de Baccio Bandinelli), mais cette période de formation lui permet d'entrer en 1554 dans la Compagnie de Saint-Luc, la guilde des peintres de Florentine. Entre 1560 et 1564, Santi di Tito séjourne à Rome, où il fréquente l'atelier de Taddeo Zuccari. Ce séjour a eu une influence fondamentale sur son travail, grâce à la découverte de l'œuvre tardive de Raphael, mais aussi à ses rencontres avec les peintres Francesco Salviati et Federico Barocci. Vers 1565, Santi di Tito retourne à Florence, où il reste jusqu'à la fin de sa vie, partageant ses talents entre la réalisation d'importantes peintures religieuses et d'innombrables portraits. Il devient l'un des principaux peintres de la ville, se distinguant notamment par la création de grandes compositions religieuses dans lesquelles se reflète l'esprit de la Contre-Réforme. En 1568, Santi di Tito devient membre de la Confraternité de Saint Thomas d'Aquin, dont les membres sont de fidèles observateurs des principes élaborés lors du Concile de Trente. Vers 1574 (l'année de notre portrait), il réalise l'un de ses chefs-d'œuvre, La Résurrection, pour la basilique de Santa Croce à Florence dans laquelle il se démarque des œuvres florentines précédentes en proposant une représentation proche des textes sacrés, débarrassée de tout élément lascif ou purement ornemental. Son style, marqué par la préférence florentine pour le dessin, continue d'évoluer vers une peinture lumineuse et naturaliste qui inspirera les peintres de la génération suivante. 2. Santi di Tito en tant que portraitiste Malgré, ou peut-être à cause de l'ampleur de sa production et contrairement à ses peintures religieuses, les portraits de Santi di Tito n'ont pas fait l'objet d'une étude monographique à ce jour. Il a été établi que Santi di Tito dirigeait un atelier extrêmement actif dans la production de portraits, bénéficiant à la fois des commandes des Médicis et de celles des grandes familles de Florentine. L'inventaire des biens de Santi di Tito, dressé après sa mort le 5 novembre 1603. La liste des portraits qui témoignent de l'importance de cette activité est longue. Cette multiplication du portrait dans la seconde moitié du XVIe siècle reflète l'évolution politique de Florence où Cosimo 1er (mort en 1574, année de notre portrait) instaure une cour à l'organisation hiérarchique. D'une société républicaine et bourgeoise, la société florentine se transforme en une société aristocratique, dans laquelle les grandes familles imitent la famille grand-ducale des Médicis et commandent de nombreux portraits, souvent destinés à constituer des galeries d'ancêtres. L'une des caractéristiques des portraits de Santi di Tito est la description psychologique des personnages, au-delà de l'illustration du statut social par le choix des vêtements et des objets représentés. Deux autres portraits de sénateurs par Santi di Tito sont connus, démontrant l'intérêt de Florentine pour ces portraits d'apparat. 3. Description du portrait Notre sénateur est représenté de trois-quarts, dans un cadre architectural qui pourrait être son bureau. Il est vêtu de l'habit d'apparat des sénateurs de Florentine : une veste bleu nuit recouverte d'une chasuble à liseré rouge, composée d'une gaze transparente devant et d'un tissu de la même couleur que la veste, doublé d'une étoffe rouge, dans le dos. Le traitement de la gaze transparente est d'une grande fluidité. Par les ondulations qu'il donne à la chasuble, le peintre parvient à traduire la vie qui anime ce corps imposant. Notre sénateur tient une lettre pliée dans sa main droite ; son poignet repose sur une table drapée d'un tissu vert, tandis que dans sa main gauche il tient une paire de gants. Deux autres objets se trouvent sur la table à sa droite : un livre aux tranches ornées, dont on aperçoit le délicat fermoir, et sur lequel repose un béret quadrangulaire. Comme c'est souvent le cas avec des lettres similaires, elle nous fournit quelques informations sur le contexte de cette peinture. Bien que le nom du modèle ne soit pas indiqué, nous savons, grâce à l'inscription "annus aetatis suae 66 - PAD 1574", qu'il s'agit d'un homme de 66 ans, représenté en 1574. Notre attention est attirée par son regard impérieux ; la photographie rend son visage encore plus imposant, puisqu'il est légèrement allongé afin d'être vu sans déformation par le bas. Ce portrait est un équilibre entre l'imitation (imitare) et le portrait (ritrarre). La grande présence physique du modèle évoquée par sa stature imposante, la précision des proportions et la touche naturaliste du rendu de la barbe établissent un équilibre avec la signification symbolique du vêtement (qui indique clairement la fonction du modèle), et du seul élément de décoration (un livre posé sur la table, qui pourrait être une bible ou un livre de prière). 4. Analyse stylistique Si plusieurs éléments rattachent ce portrait à la tradition picturale florentine développée par les artistes maniéristes, le rendu plus naturaliste du visage témoigne de l'évolution stylistique de Santi di Tito. L'espace idéal dans lequel notre personnage est représenté est très moderne, plein de clarté et de simplicité parfaite, avec une certaine sophistication. Au-delà d'un premier plan délimité par un pilier à droite se trouve un espace concave qui enferme notre personnage. Cet espace architectural s'inscrit dans la tradition florentine développée au cours du XVIe siècle, selon laquelle les portraits se détachent sur un fond architectural, et non plus sur un paysage (comme, par exemple, dans le portrait de Bartolomeo Panciatichi par Bronzino, que nous présenterons plus loin). Le traitement très raffiné des mains rattache notre tableau à la tradition maniériste, et en particulier à l'art de Bronzino ou d'Alessandro Allori, comme l'illustre la comparaison entre la main droite de notre sénateur et la main gauche du jeune homme représenté vers 1560 par Alessandro Allori : La position de notre sénateur, le bras gauche légèrement replié le long du corps et la main droite posée sur la table, est le prototype d'une composition que Santi di Tito reprendra à plusieurs reprises pour des portraits officiels, comme ceux réalisés en 1589 pour Christine de Lorrain, à l'occasion de son mariage avec Ferdinand I+I, ou celui de Marie de Médicis, réalisé à la toute fin du XVIe siècle, avant son départ pour le trône de France. Un dernier détail est intéressant car il révèle l'évolution du style de Santi di Tito vers le naturalisme - et donc son éloignement du maniérisme. Le traitement de la barbe de notre sénateur, à la fois très élaboré et très libre, est proche de celui de l'un des deux fils de Guido Guardi, dans un célèbre portrait de Santi di Tito avec les trois hommes, probablement réalisé dans les années 1570-1580. 5. Proposition d'identification du modèle En 1722, Giuseppe Manni publie un recueil intitulé Serie de' senatori fiorentini, qui donne les principales références chronologiques de tous les membres du Sénat des Quarante-Huit depuis la création de cette institution en 1532. Seuls trois sénateurs remplissent les conditions et pourraient servir de modèle pour notre portrait : ils doivent être nés entre 1507 et 1508, pour avoir 66 ans en 1574. Le premier est Bartolomeo Panciatichi, né le 21 juin 1507 et décédé le 23 octobre 1582. L'autre est Giovanni Ugolini, né le 11 mai 1508 et décédé le 18 août 1588. Élu sénateur en 1540, il est commissaire de Tito et nommé ambassadeur auprès de Sa Sainteté le pape Grégoire XIII en 1572, ce qui semble exclure la réalisation de son portrait par Santi di Tito à Florence en 1574. Quant à Simone Corsi (8 décembre 1508 - 31 mars 1587, élu sénateur en 1556), son anniversaire semble trop proche de la fin de l'année pour permettre la livraison de son portrait en 1574. L'hypothèse Bartolomeo Panciatichi nous semble la plus intéressante, d'autant plus qu'il a posé vers 1545 pour un célèbre portrait de Bronzino (dernier tableau de la galerie) dans lequel on retrouve un certain nombre de traits caractéristiques communs. S'il est toujours difficile de reconnaître un ami sur une photo prise trente ans plus tôt, il est certainement encore plus difficile de reconnaître un inconnu, représenté par deux peintres différents à trente ans d'intervalle. On reconnaît cependant la forme du nez, les pommettes assez hautes, les sourcils finement arqués et la même position de l'oreille dans les deux portraits, malgré la différence de pose, plus frontale chez Bronzino. On retrouve également la même barbe bifide, blanchie par le temps. On peut se demander si l'élégant chapeau du portrait de Bronzino ne cache pas une calvitie naissante. Le béret posé sur la table trente ans plus tard pourrait alors être interprété comme un autre élément naturaliste, le modèle s'acceptant tel qu'il est et acceptant de donner une image la plus proche possible de la réalité physique. Enfin, il est intéressant de comparer les deux expressions, et l'évolution entre le regard distancié et interrogateur du jeune homme peint par Bronzino et le regard intense et légèrement angoissé de l'homme âgé peint par Tito. 6. Quelques informations biographiques sur Bartolomeo Panciatichi Né le 21 juin 1507 à Lyon, où son père avait des intérêts commerciaux, le jeune Bartolomeo entre comme page à la cour de François Ier. Ses liens avec la France sont destinés à durer, puisque Cosimo I+I nomme plus tard Bartolomeo ambassadeur en mission diplomatique auprès du roi qu'il avait autrefois servi, puis auprès d'Henri II. Bartolomeo étudie à Padua entre 1529 et 1531, puis à Lyon, où il entre en contact avec les milieux réformateurs français. En 1534, Bartolomeo épouse Lucrezia di Gismondo Pucci et le couple s'installe à Lyon, ne revenant à Florence qu'à la fin des années 1530. Les voyages entre Florence et la France sont documentés en 1539, 1547, 1549 et 1552, mais ils étaient sans doute plus fréquents. L'intérêt du couple Panciatichi pour les doctrines de la Réforme leur a valu d'être jugés pour hérésie luthérienne en 1552 et de devoir se rétracter publiquement. Ils ont adhéré à une stricte orthodoxie catholique après leur abjuration. Bartolomeo Panciatichi a développé des contacts assez étroits avec le monde littéraire, qui ne se limitait pas à Florence, comme en témoigne son amitié avec Pietro Aretino, établi à Venise. Connu de ses contemporains principalement comme poète latin, Bartolomeo rejoint l'Accademia degli Umidi le 2 janvier 1541, quelques semaines avant Bronzino, et peu avant que le groupe ne devienne l'Accademia Fiorentina. Son portrait fait partie d'un groupe de cinq tableaux commandés par Bartolomeo à Bronzino entre 1540 et 1545 : trois scènes religieuses, deux Saintes Familles et un Christ crucifié inspirés par des idées réformistes, et deux portraits de lui et de sa femme. Nommé sénateur en 1567, Bartolomeo Panciatichi poursuit ensuite une carrière politique, devenant commissaire de Pistoia en 1568 et de Pise en 1578. Le choix d'un livre comme seul accessoire dans son portrait par Santi di Tito est doublement émouvant : il évoque évidemment l'intellectuel, mais la présence de fermoirs sur les côtés indique qu'il s'agit probablement plutôt d'un livre religieux et témoigne de sa profonde foi chrétienne. La majesté de ce portrait est rehaussée par son encadrement dans un magnifique cadre à cassettes en bois doré de la fin du XVIe siècle, qui est probablement son cadre d'origine. L'identification de l'auteur de ce portrait comme étant Bartolomeo Panciatichi ouvre un champ d'analyse fascinant. S'il est tout à fait exceptionnel d'avoir deux portraits d'un homme de la Renaissance peints à moins de 30 ans d'intervalle, le parcours de Santi di Tito, qui s'éloigne des séductions du maniérisme pour aller vers des images plus réalistes, suit l'évolution personnelle du modèle. De l'apparence hautaine et séduisante d'un homme d'une trentaine d'années, il devient un vieillard qui affiche devant nous sa pleine humanité, malgré son pouvoir politique. Principales références bibliographiques : Giuseppe Manni Serie...